Seminari públic: L’art contemporani, un esperó per la transformació d’espais abandonats al servei de la comunitat | COAC Girona




Seminari públic:
L'art contemporani, un esperó per la transformació d'espais abandonats al servei de la comunitat

 

Dissabte 1 d'abril de 2017 de 9 a 19.30 h
Auditori del Col·legi d'Arquitectes de Girona
(Pl. Catedral, 8 – 17004 Girona)
Inscripció gratuïta prèvia: info@bolit.cat
 
 
The Spur 1618 és un projecte internacional en el camp de l'art contemporani i les indústries creatives impulsat pel Bòlit, Centre d'Art Contemporani. Girona en el qual participen com a socis el Centre d'Art LE LAIT - Laboratoire Artistique Internationale du Tarn (Albí, França), el Bureau des Arts et Territoires (Montpeller, França), Fundació Es Baluard. Museu d'Art Modern i Contemporani de Palma de Mallorca, Sputnik Oz (Bratislava, Eslovàquia), Fondazione per l'Arte (Roma, Itàlia) i compta amb el suport de l'Euroregió Pirineus Mediterrània i el programa Europa Creativa.
 

El projecte, de dos anys de durada, inclou diferents accions: un programa d'artistes residents internacional amb mentoratge, la realització d'estudis sobre les possibilitats de convertir espais urbans abandonats en espais creatius, la publicació d'una revista digital d'art contemporani, l'edició d'un llibre final amb el recull de models i referents del projecte i la programació de seminaris en els diferents països de la xarxa.

El primer seminari es celebra a Girona i posa especial atenció en l'exploració d'espais abandonats i la seva recuperació a través de l'art contemporani al servei de la comunitat. La jornada compta amb les intervencions d'especialistes en la matèria a nivell nacional i internacional. El programa es completa amb una taula rodona dels artistes guanyadors de la primera convocatòria de residències creatives i de recerca amb mentoratge professional.
 
Les intervencions es realitzaran en llengua catalana excepte les sessions de tarda que es faran en llengua anglesa amb traducció simultània al català.


Bòlit  | Centre d'Art Contemporani. Girona
Plaça del Vi 1 17004 Girona
Tel. 972 427 627
www.bolit.cat


#museus #girona #agenda #catalunya #conferències #artistes #europe

Convocatòria SWAB 2017 | Barcelona


Obra per Joaquin Segura. Galeria Arena Mèxic. 
 

Swab Barcelona
International Contemporary Art Fair

28 setembre - 1 octubre 2017
Pavelló italià. Fira de Barcelona
Avinguda de la Reina Maria Cristina s / n 08004 Barcelona  


Swab Barcelona celebra el seu desè aniversari consolidant-se com una fira de referència en el panorama independent. Swab Barcelona presenta del 28/9 al 1/10 de 2017, una edició molt especial, el seu desè aniversari. És per això que la fira es consolida i s'aferma en un perfil més madur, mostrant artistes i galeries de trajectòria destacada al costat del més representatiu de l'escena emergent que ha estat històricament la seva raó de ser.

Per a aquesta nova edició Swab comptarà amb 80 galeries de tot el món,ampliant el seu programa general i mantenint la seva aposta pels programes comissariats.

Repeteix Només Swab, comissariat per Direlia Llaç i Zaida Trallero, amb una selecció de només projects d'artistes emergents llatinoamericans i de marcat contingut sociopolític. Focus Magrib comissariat per Xavier de Luca s'amplia en aquesta nova edició a Focus Mediterrani, després de l'èxit de l'edició 2016, comptant amb galeries i plataformes independents basades en tota la regió mediterrània, amb els seus nexes i contrastos.

Es mantenen també Swab Seed i Swab performance, tots dos dels programes més experiementales i frescos de Swab, mostrant les noves plataformes i expressions més alterntivas.

IN / OUT amplia i consolida programa. Comissariat per Frederic Montornés iImma Prieto, planteja novament un concepte alternatiu dins el marc de les fires d'art on es presentaran obres en format group show implicant galeries catalanes i espanyoles. Swab on Paper s'aferma amb una selecció de galeries amb un sol project basat en format paper. Finalment MYFAF (My first Art Fair) continua oferint a les galeries més joves l'opció d'accedir de manera gratuïta a la seva primera fira d'art internacional.

Swab comptarà amb un nou comitè de selecció, format pels col·leccionistes:Harold Berg economista i membre del Photography Committee de l'Whitney Museum of American Art; Susanne Birbragher,   sub-directora comercial de Art Nexus ; Giuseppe Casarotto, enginyer i president del ClubGAMeC de Bèrgam iAlfredo Hertzog president de Hertzog Art Business juntament amb Domenico de Chirico comissari independent; Albertine de Galbert, comissària independent, fundadora de Arte-Sur.org i gestora de projectes de cooperació cultural; David Armengol comissari independent i Marisol Rodriguez, periodista cultural i comissària independent.  

Swab City travessa els murs de la fira i de la galeria per apropar l'art al ciutadà, amb instal·lacions i activitats en institucions i espais públics que es mostraran durant els dies de Swab per potenciar la idea de la setmana de l'art contemporani a Barcelona. Swab Stairs i Swab Kids són les propostes que es desenvoluparan fora del calendari de la fira i per tot l'àrea metropolitana de Barcelona.

Swab Barcelona espera celebrar aquests 10 anys amb la seva edició més especial que sens dubte no caldrà perdre.

Per inscriure's a la edició 2017;



#fires #barcelona #catalunya #artistes #europe #cat

Somiant que el museu torna a la vida: la vida interior dels objectes (Part 1) | Fundació Antoni Tàpies, Barcelona




Activitat especial | Fundació Antoni Tàpies museu
Divendres 17 de març de 2017, a les 18h.
Activitat gratuïta

Somiant que el museu torna a la vida: la vida interior dels objectes (Part 1)

 
Performance en el marc del projecte "Objections". A càrrec de la artista Grace Ndiritu (Kenya-Regne Unit).  Com una continuació de la seva exploració de la performance i de les metodologies no racionals dins el context del museu, Ndiritu explora el debat actual dins de la societat occidental sobre el capital humà, els processos industrials i les idees de crear un nou model econòmic que valori els seus treballadors, especialment els cuidadors i treballadors de fàbriques i els objectes que produeixen.

El 2012 Ndiritu va començar a crear un nou corpus d'obres sota el títol Healing The Museum (Curant el museu), el qual va sorgir d'una profunda necessitat de reintroduir algunes metodologies no racionals com el xamanisme per reactivar la «sacralitat» dels espais d'art. Ella creia que la majoria de les institucions d'art modern estaven fora de sincronia amb les experiències quotidianes de les seves audiències i els canvis socioeconòmics i polítics ocorreguts globalment en les últimes dècades. Els museus moren i ella veu el xamanisme com una manera de reactivar l'espai de l'art moribund com un espai d'intercanvi, participació i ètica. Des de la prehistòria fins als temps moderns, el xaman no només era el curador de grup i el facilitador de la pau, sinó també el creatiu, l'artista.

Somiant que el museu torna a la vida: la vida interior dels objectes (Part1) continua aquesta investigació sobre la performance xamànica en el context del Museu. El principi fonamental de la sèrie Healing the Museum (Curant el museu) és reanimar el Museu perquè pugui tornar a ocupar el seu lloc com un espai cultural en el qual els nous avenços en l'art, la participació del públic i l'educació artística puguin tenir repercussió en la societat i la vida per al bé de tots els éssers. L'ús dins el context del Museu d'antics instruments xamànics com la roda de la medicina, el viatge xamànic i el procés de tràngol per accedir al Temps Profund - temps geològic - pot originar una nova visió dels museus que reflecteixi el renaixement artístic, científic i tecnològic que està tenint lloc.

Com a part de la seva investigació per a aquestes noves performances, Ndiritu realitzat estades en les formacions rocoses prehistòriques de reserves Joshua Tree i Hopi als Estats Units. Utilitzant el Museu com un marcador geogràfic, els objectes seran ancorats a una història de creació més gran del planeta terra i l'univers en general.

Els avenços tecnològics dels temps prehistòrics van ser tan revolucionaris com els d'avui, tot i que van tenir lloc durant un període més llarg. La humanitat es va transformar gràcies al seu domini del foc, el tall de pedra i la fabricació de les primeres eines. Aquests avenços van consolidar les comunitats i van possibilitar el seu progrés material. 

Museu d'Arqueologia de Catalunya.

A més d'aquests objectes primordials i els objectes personals que portaran els participants, els vint objectes que han estat elegits com a part del projecte Objections (Manufactories of Caring Space-Time) de la Fundació Antoni Tàpies experimentaran una metamorfosi mitjançant aquest esdeveniment transformador. Així doncs, Grace Ndiritu convida vint participants perquè explorin la seva relació amb el trinomi forma-espai-temps, envoltats d'exemples de les primeres civilitzacions humanes i els objectes que van produir, apel·lant als esperits elementals de l'aire, la terra, el foc i l'aigua, que els hi assistiran en el procés.


Llegiu les intruccions:


La performance es durà a terme en silenci tret que s'indiqui que podeu intercanviar comentaris. La performance es desenvoluparà en anglès sense traducció, per la qual cosa es recomana tenir un bon nivell de l'idioma. Llegir amb compte les instruccions també us ajudarà a aprofundir en el procés. A l'arribada, us rebrà la flying crow, que netejarà amb salvia encesa tant la vostra aura com els vostres objectes personals. Després us guiaran i creuareu el llindar cap a un nou món. Es recomana arribar entre les 17.45 i les 18.00 h.

La performance començarà amb puntualitat a les 15 h.


Haureu de portar els següents objectes:

 Un mocador per tapar-vos els ulls
 Una manta
 Un bolígraf i un quadern
 1 o 2 objectes personals petits p. Ex. Algun vidre, fotos, amulets (qualsevol cosa que tingui un significat especial per vosaltres).
 

Recordeu: no es recomana beure alcohol ni consumir drogues el dia de la performance, per així poder tenir les idees clares. De la mateixa manera és aconsellable que reduïu la ingesta de cafè durant aquest dia, ja que és un estimulant.


Calendari: divendres 17 de març de 2017, a les 18 h.
Preu: gratuït.
Aforament: limitat.
Inscripció prèvia al correu: activitats@ftapies.com

 
Fundació Antoni Tàpies
Carrer Aragó, 255
08007 Barcelona, Catalunya


#museus #performances #agenda #gratis #barcelona #catalunya #europe #cat

Wilderness | MOMO | Delimbo Gallery, Sevilla



MOMO, el artista urbano reconocido internacionalmente, inaugura la exposición "Wilderness" en la galería sevillana, Delimbo Gallery. Petit Palace Hoteles participa en el proyecto como principal patrocinador a través de su programa de apoyo a los jóvenes creadores, #impulsarte.

La exposición "Wilderness" se inaugurará el jueves día 9 de marzo a las 21h. Será una cita doblemente especial ya que MOMO realizará una performance en directo. La exposición podrá verse en Delimbo Gallery (c/ Pérez Galdós 1, Sevilla) hasta el 30 de mayo, de lunes a sábado en horario de 11 a 14h. y de 18 a 20:30h.

El artista norteamericano MOMO trabaja con herramientas caseras, investigando técnicas de albañilería y adaptándolas a su propio modus operandi para elaborar, diseñar y organizar murales en el espacio público. Gracias al reconocimiento internacional de su obra ha recorrido medio mundo, trabajando y viviendo en ciudades como Nueva Orleans, Granada o Nueva York, donde en la actualidad mantiene tanto su estudio como residencia.

Sobre su trabajo con estética reconocible de inmediato, vibrante y no representacionalista, el comisario de arte urbano de la Tate Modern, Rafael Schacter, afirma: "Diluye los límites entre lo digital y lo abstracto, entre la precisión y la practicidad, creando un proceso perfectamente imperfecto en el que se basa tanto su trabajo de estudio como su producción para espacios públicos: dos facetas de su obra en continua retroalimentación".

Petit Palace Hoteles, en su compromiso con los creadores y con el arte de vanguardia, participa en el proyecto como principal patrocinador a través de su programa de apoyo a la cultura, #impulsarte by Petit Palace Hoteles.



#europe #esp

Alfons Borrell | Galeria Joan Prats | Barcelona





#galeries #europe #catalunya #pintura #exposicions #agenda #barcelona

Hybrid Art Fair & Festival | Madrid, Castilla



Hybrid Art Fair & Festival

Hybrid es un festival y una feria internacional de arte emergente que tendrá lugar los días 24, 25 y 26 de febrero de 2017 durante la Semana del Arte de Madrid. Participan 35 espacios de arte con y sin fines de lucro, desde galerías a espacios de arte híbridos y colectivos de artistas, ofreciendo un amplio abanico de propuestas independientes de arte emergente a nivel local e internacional, que utilizarán como espacios de exhibición las habitaciones del hotel Petit Palace Santa Bárbara. Hybrid también contará con un programa paralelo de actividades con charlas, talleres, música y performance.


Días y Horarios:
Viernes 24 11:00 - 21:30
Sábado 25 11:00 - 22:30
Domingo 26 11:00 - 21:00

Dirección
Hotel Petit Palaca Santa Bárbara
Plaza de Santa Bárbara 10, Madrid
www.hybridartfair.com

#es #europe

Rosa Barba | Elements of Conduct | Malmö Konsthall, Sweden




Blind Volumes, 2016 Installation view (close-up), Schirn Kunsthalle Frankfurt, 2016.
Photo Mizuki Tachibana. © Rosa Barba. Courtesy of the artist. 

ROSA BARBA AT MALMÖ KONSTHALL, SWEDEN


Rosa Barba
Elements of Conduct
18 February - 14 May 2017
Opening 18 February from 11 am



Malmö Konsthall
S:t Johannesgatan, 7
205-80 Malmö
SWEDEN
http://www.konsthall.malmo.se/
                                                                                                     


#europe #en
 

PARRA & ROMERO | AT ARCOmadrid | 22-26 FEB 2017



Walid Raad. Appendix XVIII: Plates 63-257, 2012. 


ARCOmadrid | BOOTH 9A13 | 22-26 FEB  

 
Featuring works by:

Rosa Barba
Robert Barry
Stefan Brüggemann
Luis Camnitzer
Alejandro Cesarco
Philippe Decrauzat
Adam Pendleton
Florian Pumhösl
Walid Raad
Oriol Vilanova


EVENTS DURING THE FAIR:

20 Jan - 28 May Exhibition 'Collection XV' by Oriol Vilanova at CA2M, Móstoles, Madrid.

15 Feb David Lamelas takes part in the group show 'Las Decisiones del Tacto' at Casa de América, Madrid. Opening 15 February at 7.30 pm.

20 Feb Press breakfast at Parra & Romero gallery, C/ Claudio Coello, 14, Madrid at 10 am
with the presence of the artist.

22 Feb Will be held the award ceremony of Residence Prize 9915 at Delfina Foundation, 2017 to Oriol Vilanova from 6 pm at Parra & Romero's booth.

22 Feb Opening the exhibition 'Tenir Pendant Que le Balancement Se Meurt' by Philippe
Decrauzat from 8 pm at Parra & Romero gallery, C/ Claudio Coello, 14, Madrid.
 
23 Feb On the occasion of the exhibition 'Domingo' at Fundación Tápies, Barcelona, we
will present the catalogue of the show from 6.30 pm at Parra & Romero's booth.

24 Feb Exhibition 'Time as Activity' by David Lamelas from 6 pm at Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

Parra & Romero
Claudio Coello, 14 28001 Madrid
Ctra. Sant Miquel km. 2,300 07814 Sta. Gertrudis, Eivissa.
www.parra-romero.com


#en #europe
 

ACVIC | Fantasmes al mur | Xavi Bové, Miquel Garcia i Andrea Gómez | Vic, Catalunya



FANTASMES AL MUR

17.02.2017 – 13.04.2017

Exposició de Xavi Bové, Miquel Garcia i Andrea Gómez
A cura d'Imma Prieto

Inauguració, divendres 17 de febrer a les 19 h.

ACVic Centre d'Arts Contemporànies 
Carrer Sant Francesc, 1. 
Vic, Catalunya.
www.acvic.org

Fantasmes al mur genera un espai de discussió a partir d'una sèrie d'interrogants originats a partir de la idea de fantasma i de mur en relació a l'espai polític, social i econòmic. El projecte parteix de tres preguntes: qui són avui els nostres fantasmes? qui pot creuar els murs? qui és invisible?

L'exposició es construeix a partir de les intervencions de Xavi Bové, amb la instal·lació interactiva, Àrea de seguretat, la instal·lació d'Andrea Gómez, Perifèria, i la proposta de Miquel Garcia, Oradors.

Àrea de seguretat reflexiona al voltant de la gran quantitat d'informació que rebem sobre conflictes específics en l'àmbit mundial, observats des d'una àrea de confort i amb certes dosis de manipulació per part dels mitjans. La instal·lació interactiva de Xavi Bové convida al visitant a entrar en una zona delimitada de seguretat des d'on descobrir, mitjançant el seu moviment, una cartografia del patiment en el món. El so reforça l'experiència, juxtaposant-se al moviment silenciós de la imatge satèl·lit. Si sortim de l'àrea, per acostar-nos o allunyar-nos, tot desapareix. Davant del mur buit, en silenci, tot està ocult. Alhora, es vol qüestionar la fragilitat d'aquests límits: realment hi estem segurs?

La proposta d'Andrea Gómez apel·la a la realitat virtual assenyalant l'error com a estigma de l'acció humana. Perifèria reflexiona entorn de la identitat i de la pèrdua d'aquesta. Ens situem en l'entorn de Second Life i des d'aquí ens identifiquem amb un subjecte virtual que intenta arribar fins al confí de la plataforma digital. El més interessant és veure com a mesura que l'avatar s'acosta al límit va desapareixent i desintegrant-se. Gómez crea una metàfora de la situació que pateixen les persones que han de creuar una frontera. El món virtual esdevé mirall de les estructures que condicionen el nostre esdevenir.

En tercer i últim lloc, Miquel Garcia presenta la instal·lació Oradors, feta a partir del discurs que diferents dictadors i caps d'estat han portat a terme. Veus d'un temps passat inunden l'espai apel·lant a presències fantasmagòriques que ocupen el present. L'obra permet pensar el present a partir d'herències ideològiques i històriques, provocant una comparació que desvela les similituds entre diferents circumstàncies.



#museus #catalunya #agenda #exposicions #instalacions #europe #ca

Exposición fotográfica | Michel Comte. Retratos | La Térmica | Málaga, España


"Michel Comte. Retratos"
10 de febrero - 14 de mayo de 2017
Centro de Cultura Contemporánea La Térmica
www.latermicamalaga.com
Sala 014
Avenida de los Guindos, 48. 29004. Málaga.


La Térmica de Málaga presenta una exposición antológica con la obra de Michel Comte, uno de los grandes fotógrafos contemporáneos del mundo de la moda, el retrato y la publicidad

El Centro Cultural la Térmica de Málaga presenta la exposición fotográfica "Michel Comte. Retratos", que estará abierta del 10 de febrero al 14 de mayo de 2017. La muestra recorre a través de 40 fotografías en blanco y negro y color, la extensa carrera de uno de los más grandes creadores del retrato contemporáneo y de la fotografía de moda. Las imágenes han sido seleccionadas por diChroma Photography (que, asimismo, ha producido la exposición) con la colaboración de Suzanne Speich, responsable del "Michel Comte Estate".

Michel Comte (Zúrich, 1954) es uno de los fotógrafos de publicidad, moda y retrato más solicitados del mundo. Esta exposición refleja las múltiples facetas de su obra, cuyos temas abarcan desde el glamuroso mundo de la publicidad y las superestrellas a reportajes documentales sobre algunas de las zonas más deprimidas del mundo.

La exposición se muestra retratos de personajes de mundo de la moda y la publicidad, muchas de ellas de renombre mundial, así como los desnudos que Michel Comte viene fotografiando desde 1979.

Fotógrafo autodidacta, Michel Comte comenzó a interesarse en la fotografía a través de la obra de Weegee y Gottard Schuh, aunque al principio trabajó en el campo de la restauración de arte. En un viaje a París es descubierto por el diseñador Karl Lagerfeld y desde ese momento la carrera de Comte inició un ascenso meteórico que le ha llevado a fotografiar las campañas internacionales de marcas como Ungaro, Dolce & Gabbana y Nespresso, entre otras muchas.

Durante más de tres décadas, Comte ha colaborado con grandes revistas como Vogue y Vanity Fair, lo que le ha llevado a retratar a grandes personalidades del mundo del arte, el cine y el espectáculo, como Louise Bourgeois, Tina Turner, Catherine Deneuve, Jeremy Irons, Miles Davis, Mike Tyson, Sofía Loren o Giorgio Armani, entre otras muchas. Retratos de gran sensibilidad y que reflejan el mundo interior del personaje. La idea de Comte es que las fotografías representen no sólo a cada personaje individualmente, sino que sean asimismo un testimonio de la época en que fueron tomadas, las décadas de 1980 y 1990.

Aunque su reputación como fotógrafo se basa en géneros muy diversos, desde el principio el tema que más le ha interesado ha sido la mujer. Su imagen de ésta se sitúa en algún lugar entre el glamour y la intimidad, la fuerza y la vulnerabilidad. Aunque en ocasiones sus fotografías muestran un alejamiento frío, con frecuencia encontramos también imágenes cálidas y emotivas, caracterizadas por la seguridad en sí mismas y la alegría de vivir de la mujer protagonista del retrato. En este sentido, los desnudos de Comte son metáforas cargadas de erotismo de una imagen de la mujer en continuo estado de cambio.

Alma nómada y espíritu inquieto, a pesar de su éxito en la moda y la publicidad Michel Comte  nunca ha perdido de vista el interés y curiosidad por el mundo que le rodea. Todo ello, unido a sus continuos viajes por el mundo le han llevado a colaborar desinteresadamente con organizaciones humanitarias como Terre des Hommes o Cruz Roja, produciendo reportajes sobre la situación en Afganistán, Haití, Tíbet, Sudán del Sur o Bosnia, entre otros. Son fotografías que cuentan la historia del lado oscuro de nuestro planeta; imágenes que preferiríamos no ver, pero que nos obligan a detenernos y reflexionar. Rostros de personas a quienes se ha privado de lo mínimo para poder vivir o que nunca lo han llegado a tener. En este sentido  actriz Geraldine Chaplin, a quien Comte ha fotografiado en varias ocasiones, le describe como "un caballero andante de la fotografía: un vagabundo, un aventurero, un nómada con la cámara".


Horario exposición:
Horario habitual:
De martes a viernes: De 17.00 a 21.00 horas
Sábados y domingos: De 11.00 a 14.00 y de 17.00 a 21.00 horas
Lunes cerrado

Entrada libre

diChroma photography
http://www.dichroma-photography.com
Calle Elba 21
Urbanización Ciudalcampo
28707 San Sebastián de los Reyes
Madrid

Copyright de las imágenes:
©MichelComte/I-Management

 #es #europe

Entre postales: 'Oriol Vilanova. Diumenge' | Fundació Antoni Tàpies | Barcelona, Cataluña


Imagen de sala de la exposición 'Oriol Vilanova. Domingo' en la Fundació Antoni Tàpies de Barcelona



Entre postales: 'Oriol Vilanova. Domingo'
Fundació Antoni Tàpies
Carrer Aragó, 255
08007 Barcelona, Catalunya.
www.fundaciotapies.org


Una crónica de Gabriela Ambás | Art Neutre?

"Las postales tienen una muerte anunciada, pero simplemente no acaban de morir", mencionó Oriol Vilanova al tratar de explicar su obsesión por las postales.

Dicha obsesión lo ha llevado a coleccionar más de 34,000 tarjetas, comprando una por una en mercadillos en Barcelona, Madrid, Praga, Bruselas o el país en el que se encuentre.

Ahora, el artista catalán ha llevado su colección a las paredes de la antigua editorial Montaner i Simon, la actual sede de la Fundació Antoni Tàpies. Con la exposición titulada Diumenge, recrea su ritual dominical de buscar por el Mercado de Sant Antoni nuevas postales para conformar su colección.

En un mar multicromático de postales, sin aparente inicio o fin, 28,000 imágenes recubren las paredes de la Tàpies, sin clave alguna para que el espectador tome una ruta o entienda de alguna forma específica la colección. La infinidad de postales invita hacia la idea de un todo inacabado e interminable, como toda colección ambiciosa que nunca realmente está completa.

La elección de Vilanova de colocar las postales de forma vertical en lugar de horizontal, invita a contemplar la colección como un conjunto, perdiendo de vista la individualidad de la imagen de cada postal. El colocarlas verticalmente también amplifica la idea de infinitud, continuando sin fin hasta perderlas de vista.

¿Qué hace que un objeto deje de ser simplemente eso para convertirse en una obra de arte? ¿Qué nos impulsa a coleccionar? ¿Acaso existe algo más humano que la necesidad de coleccionar? ¿Se le puede llamar arte a la obsesión fetichista de crear colecciones?

La atracción visual y conceptual que el público siente hacia la instalación de Vilanova, parece ofrecernos una respuesta y el método del artista para clasificar su colección revela la complejidad de lo que podría únicamente ser un revoltijo de postales guardadas en cajas empolvadas.

Las postales inclasificables son el punto de partida de toda clasificación. El azar genera pequeñas clasificaciones, en un inicio imperceptible, dentro de las postales que parecían no pertenecer a ningún grupo. Hasta que por arte de magia, un nuevo conjunto aparece.

En la colección de Oriol Vilanova, existen clasificaciones desde monumentos, fuentes y arcos hasta atardeceres, jarrones y gatitos. Imágenes posiblemente clichés pero que en algún momento significaron algo para alguien, ahora forman parte de una narrativa colectiva más grande que ellas mismas.

Hay postales viejas, nuevas, en blanco y negro, a color, con mensajes escritos atrás, con el reverso vacío. Encuadres y recortes de momentos específicos para hacerlos perdurar en el tiempo. Un niño corre hacia una postal con un perro: "Mira mamá como Lluís", mientras que una mujer anciana observa nostálgicamente la postal con un jarrón como el que recibió de regalo el día de su boda.

Dentro del abismo interminable de postales que conforman la colección, el visitante parece lograr encontrarse a sí mismo. Una postal entre el infinito.

Diumenge permanecerá abierta hasta el 28 de mayo de 2017 en la Fundació Antoni Tàpies en Barcelona.
Horario: Martes a domingo de 10 a 19 hrs.

#europe  #es

Activitats de Gener 2017 de Es Baluard de Palma, Mallorca



Visita a Col·lecció permanent + Un lugar para vivir… + Locus amoenus

Gener de 2017
 
Activam la col·lecció del museu amb noves accions d'aproximació a aquesta. Així doncs, demà dimecres, 11 de gener, a les 19:00h, Nekane Aramburu, directora d'Es Baluard, realitzarà una visita guiada a "Col·lecció permanent". Aquesta activitat, gratuïta, permetrà conèixer de la mà de la pròpia comissària de l'exposició aquesta nova ordenació dels fons del museu. "Col·lecció permanent" desenvolupa, a través de diversos estadis, un recorregut crític per les pràctiques artístiques locals, nacionals i internacionals i mostra, per primera vegada, una notable selecció de les obres que recentment s'han incorporat als fons del museu. Per assistir a aquesta activitat, cal escriure a marketing01@esbaluard.org

Es Baluard duu a terme del 12 de gener al 2 de febrer el projecte "Un lugar para vivir cuando seamos viejos. Escuela de oficios deseados", amb l'artista argentina Ana Gallardo. Aquest, que compta amb el suport de SARquavitae, s'integra a "GranGent/GentGran", el programa que el museu du realitzant des de 2011 amb, per i sobre la gent gran. El projecte consistirà a donar lloc a un espai d'ensenyaments de tallers d'oficis desitjats, impartits per persones de la tercera edat a un públic general. Ana Gallardo impartirà el 24 de gener a les 19:00h una xerrada presentant la seva obra en general i el treball que desenvolupa actualment.

A partir de dia 18 de gener es pot veure a l'Observatori una proposta experimental  amb el títol de "Locus amoenus - Paisatges de cruising", un projecte vertebrat en quatre conceptes -freqüència, límit, desubicació i cosificació- que pretén desestructurar compartiments estancs que determinin qui ocupa el paisatge. La presentació d'aquest projecte, coordinat per Juanjo Oliva, serà el 18 de gener a les 18:30h a través d'un col·loqui en el qual s'abordaran qüestions explícites al voltant d'aquesta pràctica sexual, per la qual cosa es recomana a públic adult.


Visit to Permanent Collection + Un lugar para vivir… + Locus amoenus

January 2017
 
We activate the museum collection with new actions to get the audience closer to it. Thus, Nekane Aramburu, director of Es Baluard, is carrying out a guided tour to "Permanent collection" tomorrow Wednesday, 11th January, at 7.00 pm. This activity, free, will allow to get know this new arrangement of the museum's funds with the curator of the exhibition. "Permanent Collection" develops – through several stages - a critical survey of local, national and international artistic practices. It shows as well and for the first time, a notable selection of the new works recently incorporated into the museum's reserves. To attend this activity, an E-mail must be sent to marketing01@esbaluard.org

Es Baluard holds from 12th January to 2nd February 2017 the project "A place to live in when we'll be old. School of wished Crafts", with the with the Argentine artist Ana Gallardo. This proposal has the support of SARquavitae and is part of "GranGent/GentGran", the programme the museum carries out since 2011 with, for and on the elderly. On this occasion, a workshops space will be developed to teach wished crafts, which lessons will be given by senior citizens to a general public. A presentation of Ana Gallardo's work and the projects currently developed by her will be carried out by this artist on 24th January at 7.00 pm. 

An experimental proposal entitled "Locus amoenus - Paisajes de cruising" (cruising landscapes) can be seen from 18th January on in the Observatori. This project structured in four concepts -frequency, boundary, displacement and objectification- seeks to deconstruct airtight compartments that determine who occupies the landscape. This project, coordinated by Juanjo Oliva, is being presented on 18th January at 6.30 pm through a talk that will deal with explicit matters regarding this sexual practice. Thus, this activity is recommended for adult audiences.

FUNDACIO ES BALUARD
MUSEU D'ART MODERN I CONTEMPORANI DE PALMA
Plaza Porta de Santa Catalina, 10 
BALUARD DE SANT PERE, Palma, Mallorca.
www.esbaluard.org


#cat #en #europe

La maduresa del dibuix | Galeria Sicart | Vilafranca del Penedès, Catalunya



Patricio Vélez. Diseminaciones (2008)


Exposició: 17.12.2016 – 04.02.2017
Galeria Sicart

Sergi Aguilar (Barcelona, 1946)
Rosa Amorós (Barcelona, 1945)
Alfons Borrell (Sabadell, Barcelona, 1931)
Yamandú Canosa (Montevideo, Uruguay, 1.954)
Joaquim Chancho (Riudoms, Tarragona, 1943)
Evru (Barcelona, 1946)
Antoni Llena (Barcelona, 1942)
Isidre Manils (Mollet del Vallès, Barcelona, 1948)
Antoni Marquès (Sabadell, 1956)
Aureli Ruiz (Reus, Tarragona,1959)
Susana Solano (Barcelona, 1946)
Patricio Vélez (Quito, Ecuador, 1.945)

L'exposició La maduresa del dibuix vol ser un petit homenatge als artistes que, des de fa dècades, tenen en la perseverança de la feina al taller, el seu dia a dia. Aliens als canvis del mercat, a les presses, a la intermitència de les exposicions, a la lleugeresa de les modes o les crisis econòmiques.

Un homenatge, per tant, a la persistència i al compromís amb la creació. Tot i que les línies habituals de treball dels artistes seleccionats puguin ser la pintura, l'escultura o la ceràmica, el collage o la fotografia, o qualsevol de les tècniques mixtes, en aquesta exposició tenen en el dibuix el punt de connexió.

L'elecció del dibuix com a fil conductor ve donada pel fet que, des de fa temps, el dibuix no només s'entén com a treball preparatori sinó com a obra final per a la majoria dels artistes, i així ho entenen els participants en aquesta exposició, sigui sobre paper, tela o esgrafiat a la paret; utilitzin llapis, bolígrafs o carbonets; tintes, olis o aquarel·les, fotocòpies, alumini o acer inoxidable.

Aquests últims anys hi ha hagut una gran eclosió d'aquesta tècnica en el mercat fonamentada bàsicament per la crisi econòmica i tenint com a protagonistes majoritaris els artistes més joves. A La maduresa del dibuix es poden constatar les influències dels artistes nascuts a les dècades dels 30, 40 i 50 del segle passat sobre aquestes noves generacions.

Aquesta exposició no hauria estat possible sense la col·laboració de les galeries Joan Prats i A34, i de tots els artistes participants.


Galeria Sicart
C/ de la Font, 44
08720 Vilafranca del Penedès, Catalunya





#exposicions #dibuix #catalunya #agenda #galeries #nadal2016 #europe #ca



 Enviat amb Mailtrack

Oriol Vilanova, Allan Sekula i Susan Meiselas al programa 2017 de la Fundació Antoni Tàpies


Una de les fotografies del projecte 'Pandora's Box' de Susan Meiselas que es podrà veure a la Tàpies.


La Fundació Antoni Tàpies presenta el seu programa d'exposicions per a l'any 2017. Una sèrie de propostes que posen l'accent en la crisi de la fotografia moderna i en l'emergència d'un paradigma crític per a la pràctica de l'art. Allan Sekula (Erie, 1951 – Los Angeles, 2013) i Susan Meiselas (Baltimore, 1948) representen dos dels noms claus que juntament amb les mostres de la col·lecció d'obres d'Antoni Tàpies continuen desenvolupant la història de l'art de la segona meitat del segle XX, una narrativa en la qual la figura de Tàpies comparteix espai amb artistes i moviments associats a una modernitat crítica. Entenem que el llegat de Tàpies invita a considerar-lo un cas d'estudi a partir del qual la modernitat resulta més paradoxal i menys lliure de contradiccions, així com més situada en els paràmetres de la nostra història.

El diàleg entre les mostres de col·lecció i les exposicions temporals pretén justament fer de la Fundació Antoni Tàpies un lloc on gaudir de l'obra de l'artista que dóna nom a la institució, alhora que la col·lecció, enriquida amb préstecs de col·leccions públiques i privades, és presentada com un element dialèctic, específic i d'una capacitat representativa que la converteix en testimoni històric de la Catalunya que va patir el franquisme. En la mesura que la Fundació Antoni Tàpies assumeix en la seva missió esdevenir un lloc d'estudi i d'acollida d'altres artistes, el programa de l'any s'inicia amb una producció especial dedicada al treball d'Oriol Vilanova, una iniciativa que s'entén com un suport explícit a la creació jove del nostre país.


Programa d'exposicions 2017

Oriol Vilanova. Diumenge | Del 5 de febrer de 2017 al 28 de maig de 2017

Antoni Tàpies, col·lecció. Objectes | Del 5 de febrer de 2017 al 28 de setembre de 2017

......


Allan Sekula. Sísif col·lectiu | Del 13 de juny al 24 de setembre de 2017

Opavivará | Juliol del 2017

Antoni Tàpies, col·lecció. Objectes | Del 5 de febrer de 2017 al 28 de setembre de 201

......

Susan Meiselas | Del 5 d'octubre de 2017 al 14 de gener de 2018

Antoni Tàpies. Col·lecció, 1948-1951 | Del 5 d'octubre de 2017 al 14 de gener de 2018


+ informació: http://fundaciotapies.org


Fundació Antoni Tàpies
Carrer Aragó, 255
08007 Barcelona, Catalunya


#museus #Barcelona #Catalunya #Exposicions #agenda #fotografia #artistes #europe #ca

'Diàlegs amb Àfrica. La memòria dels objectes' | Museu Etnològic | Barcelona, Catalunya


Museu Etnològic / Diàlegs amb Àfrica. La memòria dels objectes

Aquesta exposició és el resultat visible del projecte "Diàlegs amb Àfrica", fruit de la col·laboració entre el Museu, investigadors de la Universitat de Barcelona i catalans d'origen africà. L'exposició forma part al mateix temps del projecte de diversos museus etnològics europeus SWICH (Sharing a World of Inclusion, Creativity and Heritage), que promou la realització d'exposicions col·laboratives amb poblacions diaspòriques (originàries d'altres llocs) que estan representades en les col·leccions d'aquests museus. En el projecte "Diàlegs amb Àfrica", vàrem convidar a alguns africans catalans a què ens expliquessin les històries dels seus objectes i a què dialoguessin amb les peces de les col·leccions africanes del  Museu Etnològic-Museu de Cultures del Món de Barcelona.

Museu Etnològic | Museu de Cultures del Món de Barcelona.
Carrer Montcada, 12
Barcelona, Catalunya


#museus #història #exposicions  #agenda #catalunya #barcelona #europe #cat

Jean Pierre BOBO | Les chemins de la liberté | Perpignan, Catalogne


Lundi 12 décembre 2016 à 18h30 au TDE

"Les chemins de la liberté" par Jean-Pierre BOBO

Professeur honoraire d'histoire au lycée Arago de Perpignan, Jean-Pierre Bobo a été responsable du service éducatif des Archives départementales. Spécialiste du massif du Canigou et de la frontière, il a publié divers ouvrages et articles sur ces thèmes. Il est, avec le général Florimond, le créateur du Centre de Mémoire.

Le projet d'évoquer ce que sont « Les chemins de la liberté » est né en 2010. Il a pour but de rappeler aux randonneurs qui parcourent les chemins frontaliers, que ces chemins de plaisir et de découvertes ont été, aux heures sombres de la Seconde Guerre mondiale et de l'occupation, des chemins d'espoir et de survie pour tous ceux qui cherchaient à fuir la sinistre Gestapo et la Milice de Vichy (résistants pourchassés, pilotes alliés abattus, réfractaires au STO, juifs menacés de mort…). Des Roussillonnais et des républicains espagnols, au péril de leur vie, les ont cachés, nourris, puis fait passer en Espagne. Le département des Pyrénées-Orientales a été, de 1940 à 1944, la première zone de passage sur l'ensemble de la chaîne des Pyrénées.

De nos jours, sur 11 sites majeurs de passages, des panneaux explicatifs, avec textes et photos, informent le public sur un pan de notre histoire dont ces chemins ont été le théâtre.

C.E.P.S. en entrée libre et gratuite

C.E.P.S. parrainé par

Renseignements : www.rdvse.fr 

#fr #europe

Time Will Tell | A selection of artists from the Ricard Foundation Prize | Museo Experimental El Eco | Mexico City, Mexico



Photo: Jesús Cruz Caba.

Time Will Tell
A selection of artists from the Ricard Foundation Prize
December 9, 2016–February 26, 2017

Opening: December 8, 7:30–9pm

Artists: Boris Achour, Camille Blatrix, Katinka Bock, Isabelle Cornaro, Tatiana Trouvé, Lili Reynaud-Dewar, Raphaël Zarka

Curators: Thomas Boutoux and Paola Santoscoy

Winning a prize is an honor, a reward, a bliss. It is a feeling more than anything else. Even the attention it brings to the winner is a fugitive one. Prizewinners come and go, like seasons. An exhibition based on the history of a prize, the outstanding Ricard Prize, which was inaugurated in 1999, and since has distinguished an emerging artist on the young French art scene each year, invites us to think beyond the very logic of what a prize does, which is to single out a personae at a given time. Instead, it asks to consider what can be common, continuous, reiterative in a situation that the award of the Prize creates in the life and work of an artist.

Hence, this situation always happens midstream: it's neither a starting nor an end point, but a time in a career, one both settled and unsettled, stabilized and troubled. Among the artists in the exhibition, Tatiana Trouvé was awarded the Ricard Prize some 15 years ago, while Camille Blatrix is a much more recent recipient, from 2014. This exhibition of seven of the artists who won the Prize since its inception, calls attention to how artists, undistracted by competition for fame and prizes, develop a practice in the long run, maintain deliberate, conscious control, keeping to the plan, the subject, the gait and the direction of the work.

El Eco, here, wishes to highlight the long-lasting support, and trust, of the Ricard Foundation for the artists who, once, have won the Prize, knowing that what matters is as much what the work is as where it's going. The exhibition Time Will Tell pays interest to how an artist life and practice and the works that it produces represent figures of adaptations, transitions, and transactions, in a world, especially today, with fewer and fewer assurances of futurity.

El Eco—a museum without a collection—as Goeritz and Mont envisioned it, is a space where the experiential and the transitory are central to its conception, where flows and effects win over objects. In this sense, Time Will Tell focuses on the sensorial perception of this building and its spatial, social and aesthetic discourse, to allow the artworks to take place.

The exhibition will be a coproduction between Museo Experimental El Eco, Pernod Ricard Mexico and the Fondation d'entreprise Ricard. Since the beginning, the collaboration between El Eco, which is part of the Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) since 2005 and the Fondation d'entreprise Ricard has grown naturally in strength. Like El Eco, the Foundation is an experimental, interdisciplinary space. Established in 2006, the Fondation d'entreprise Ricard has been a springboard for a whole generation of artists. The Foundation exists to back today's French art and increase its visibility nationally and internationally.


Museo Experimental El Eco
Sullivan 43 Col. San Rafael
C.P. 06470 Mexico City,
Mexico

Hours: Tuesday–Sunday 11am–6pm

#america #en 

Friends with Books: Art Book Fair Berlin 2016, #Europe


Friends with Books: Art Book Fair Berlin 2016
December 9–11, 2016

Opening: December 9, 6–8pm

Hamburger Bahnhof - Museum für Gegenwart - Berlin
Invalidenstrasse 50/51
10557 Berlin
Germany

www.friendswithbooks.org


Friends with Books: Art Book Fair Berlin 2016 takes place on the weekend of December 9–11, 2016, at Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin as Europe's premier event for contemporary artists' books and periodicals by artists and art publishers. Featuring 160+ international participants and a series of public programmes: discussions, readings, presentations, performances, and art works that explore the perimeters of today's art publishing. Admission is free.

For the complete list of the 160+ Friends with Books 2016 participants, visit here.

The public programmes series Are You Friends with Books...? features lectures, performances, conversations, and panel discussions presented in partnership with Witte de With Center for Contemporary Art: Defne Ayas; GAGARIN – The Artists in Their Own Words: Wilfried Huet and Olaf Nicolai; Broken Dimanche Press: John Holten and Jonathan Monk; Sternberg Press: Lou Cantor and Ariane Müller (Starship); DHL – Drucken Heften Laden: Uwe Sonnenberg and Christian Berkes (botopress), Jörg Franzbecker and Heimo Lattner (Berliner Hefte), Achim Lengerer (Scriptings), Yves Mettler (Zeitschrift), Janine Sack (A Book Edition), and Simon Worthington (Mute); Salon Verlag & Edition: Gerhard Theewen (Salon) with Karin Sander; Camera Austria International: Stefanie Seufert and Reinhard Braun; Edition Patrick Frey: Daniela Comani and Doron Sadja; brumaria: Darío Corbeira, Jorge Miñano, Miguel Ángel Rego and Hugo López-Castrillo, and others.

The public programmes schedule is available here.

The temporary exhibition, it is this flash itself that seduces, explores pleasures inspired by texts and images from books, with artworks on view by Bettina Allamoda, Marc Bijl, Beni Bischof, Brian Kennon, and Jasper Sebastian Stürup, and a performance by Discoteca Flaming Star.

Also on view are solo installations by recent artists-in-residence at Künstlerhaus Bethanien, Sveinn Fannar Jóhannsson and Lewis & Taggart/The Museum of Longing and Failure.

More about the artworks and performance here, and installations here.

The annual Friends with Books Poster Editions by Berlin artists features a new poster edition by Monica Bonvicini; 25 of each edition are signed and numbered and benefit Friends with Books at a special offer. Additionally, Erik Steinbrecher has created a new edition to benefit Friends with Books, SCREW, 2016, bronze, edition 5.

More information about Friends with Books Editions is available here.

Friends with Books is a non-profit organisation founded in 2014 offering greater visibility to contemporary artists' books and art publications, including an annual art book fair, public programming, and partnerships with art organisations and institutions, facilitating the engagement of diverse audiences with the book works of artists and publishers worldwide.

Support
With Support by Nationalgalerie, Staatliche Museen zu Berlin; District Cultural Fund of Berlin-Mitte; and the Kingdom of the Netherlands.

#europe #en #Berlin

Essència de la Mediterrània | Sala d'Exposicions Llotja del Peix | Alacant, País Valencià



ESSÈNCIA DE LA MEDITERRÀNIA
Antonyo Marest

L'artista urbà Antonyo Marest després de recórrer gran part del globus terraqüi realitzant múltiples exposicions, intervencions murals, customitzacions i dissenys, torna a la ciutat que el va veure créixer: Alacant. I ho fa amb ESSÈNCIA DE LA MEDITERRÀNIA, una mostra individual que dedica al seu estimat Mediterrani.

El sentiment de "el mediterrani" banya totes les peces creades expressament per a l'exposició, on la cultura mediterrània, el seu clima, la llum, la seva gent i l'aroma es barregen amb els records d'infància. Presentant el mar Mediterrani com a símbol d'unió de passat, present i futur.

L'obra de Antonyo Marest, influenciada pel postgraffiti, l'arquitectura i el disseny, es submergeix en un món d'abstracció geomètrica on les seves tonalitats i estampats es nodreixen de la llum, el color i els materials de la zona. El projecte ESSÈNCIA DE LA MEDITERRÀNIA, banyat en els tons blaus de la mar, reuneix obres creades per i per a la ciutat d'Alacant. On el seu paisatge es transforma en geometria i abstracció pura.

La pètria línia de l'horitzó juga amb les vigoroses ones del mar i la seva brisa marina, mentre el blau del mar sembla reflectir-se en el cel infinit. Línies que mostren diferents camins a la vida, marcant una cadència rítmica de temps i espai.

ESSÈNCIA DE LA MEDITERRÀNIA ens submergeix en un viatge a través de la pintura, escultura i instal·lació, sense oblidar a la naturalesa i l'urbà com a inspiració. Entre les diferents obres, que es converteixen en punts cardinals, mapes astrals i cartes de navegació, destaca una composició de 100 quadres de 50x50cm que ens introdueix en un mar de sentiments, records i passions materialitzades mitjançant el singular llenguatge artístic de Marest. Dos grans instal·lacions escultòriques, Dol a la mar i Marees de lluna, que ens parlen d'un passat que obre les portes al futur mitjançant una nova resignificació. Un gran mural que fa de pont entre l'art urbà i l'art expositiu, proposant una reflexió sobre com aquest art conviu al carrer (exterior) ia la sala expositiva (interior). I vuit pintures circulars que capturen els vuit vents que assoten la mar Mediterrània.

Amb Antonyo Marest ens tirem a la mar ...

Oscar García García
Comissari de l'exposició

ESSÈNCIA DE LA MEDITERRÀNIA 
Antonyo Marest
Del 15 de desembre al 28 febrer 2017

Sala d'Exposicions Llotja del Peix, Alacant, País Valencià.

#PaisValencia #exposicions #pintura #inauguracions #Alacant #agenda #ca #europe

Presentació de 'Cartes des del Bosc' | Bárbara Sánchez Barroso | La Capella - Llibreria Calders



Projecció, conversa i presentació de la publicació
CARTES DES DEL BOSC de Bárbara Sánchez Barroso
Projecte seleccionat a la convocatòria BCN PRODUCCIÓ - La Capella

Divendres 9 de desembre, a les 19.30 h
LLIBRERIA CALDERS
Participants: Bárbara Sánchez, Ariadna Guiteras i Mireia Sallarès

Cartes des del bosc és un projecte sobre la vivència del bosc que s'ha exposat recentment a l'Espai Cub de La Capella i que consistia d'una sèrie de correspondències entre casa de l'artista al bosc d'Anglaterra i La Capella a Barcelona. Cartes filmogràfiques que, fent servir el documental i homenatjant Chris Marker i Harun Farocki, i les correspondències entre Víctor Erice i Abbas Kiarostami, volen utilitzar aquests temes, entre altres, per reflexionar sobre la vida als boscos, per intentar esbrinar si Thoreau tenia raó quan va escriure que viure al bosc és viure la vida de forma real, o si tan sols es tracta d'una romantització de la naturalesa.

L'activitat a la llibreria Calders començarà amb la projecció de les videocartes que articulaven l'exposició. A continuació es farà la presentació de la publicació resultant, i s'obrirà un debat sobre la "romantització" de la natura i les seves contradiccions, la relació entre ecologia i feminisme, la crítica del consumisme i la desobediència civil concebuda per Thoreau.

Organitza: La Capella 
web: http://lacapella.bcn.cat/
Data: Divendres 9 de desembre a les 19.30h
Lloc: Llibreria Calders
Adreça: Passatge de Pere Calders, 9 - Barcelona, Catalunya
Entrada lliure

#galeries #exposicions #agenda #catalunya #barcelona #videoart #vídeo #llibres #conferències #europe #ca


'Alberto Schommer... hacia la modernidad' | Kutxa Kultur Artegunea en Tabakalera | Donostia, Euskadi

Alberto Schommer…hacia la modernidad
Del 2 de diciembre de 2016 al 19 de marzo de 2017
Kutxa Kultur Artegunea en Tabakalera
Donostia/San Sebastián, Euskadi

Gran retrospectiva sobre la obra fotográfica de Alberto Schommer llega a Kutxa Kultur Artegunea en Tabakalera de San Sebastián, Euskadi (País Vasco). Alberto Schommer…hacia la modernidad, una muestra muy completa de la obra del artista vitoriano, es la propuesta expositiva de Kutxa Kultur Artegunea en el segundo año de vida de la nueva sala en el edificio Tabakalera.

La exposición, que permanecerá abierta desde el 2 de diciembre de 2016 hasta el 19 de marzo de 2017, se compone de 87 obras y repasa la trayectoria de quien es considerado genial artista y padre de la fotografía moderna en España y Europa.

Todo el trabajo de Schommer se ha caracterizado por una poderosa personalidad y una constante voluntad de ruptura formal que le ha llevado a explorar todo tipo de territorios estéticos. Aquí está su plataforma hacia la Modernidad. Con esta exposición, Kutxa Kultur Artegunea da comienzo a una programación que la sala dedicará íntegramente a la fotografía en 2017.

La mayoría de las obras que se muestran pertenecen a la colección del Museo de Bellas Artes de Bilbao, como parte de la donación que realizó Alberto Schommer al museo tras la exposición Alberto Schommer. Retrospectiva1945-2009 comisariada por Alejandro Castellote en 2016. La muestra se complementa con obras no tan conocidas pertenecientes a la Fundación Schommer, según selección de Nicolás Casla, sobrino del fotógrafo.

"La obra de Schommer, es toda una vida. Toda la vida que él ha entregado al arte por supuesto, pero también adicional. Con sus fotos Schommer ha producido una segunda colectividad humana, con sus ciudades sus parques, sus bailes, sus gobernantes, sus obispos, sus niños y sus fantasmas. Un universo, en fin, que siempre quedara como el testimonio de un artista, que al trabajar confería a su obra incontables dosis de amor y de poesía e interminables maneras de verla y contarla", en palabras de Vicente Verdú.

Las fotografías que conforman la exposición están reunidas en series y se han dividido en tres grandes ámbitos:

Primera época

Comprende la década de 1950 a 1960. Realiza en Vitoria-Gasteiz, su ciudad natal, sus primeras imágenes, como un ejercicio de afirmación de autor: cuidadas composiciones con una gramática personal, alejadas del reinante pictoralismo tardío. Entra en el colectivo AFAL, un grupo de fotógrafos con los que comparte sus renovadoras inquietudes y realiza sus primeras exposiciones dentro y fuera del país. Continúa explorando nuevas soluciones formales emparentadas con la fotografía subjetiva alemana, que transparentan la influencia de la estética neorrealista del cine italiano o los ensayos de carácter humanista de las grandes revistas ilustradas internacionales. Ya en Madrid frecuenta el colectivo ZAJ, fotografiando su estética musical y conforma el grupo Orain, de manos de su amigo Jorge Oteiza, junto al Gaur de Gipuzkoa al Emen de Bizkaia y al Danok de Navarra, propiciando una renovación a la plástica vasca de vanguardia.

Paisajes y escenarios urbanos

En la serie de Máscaras iniciada en 1985, Schommer se codeó con cuadros de los maestros Velázquez o Goya en el Museo del Prado, en mayo del 2014. Mediante una sola luz cenital y de una manera casual, surgió esta serie de rostros, en los que el paso del tiempo, convierte la arruga de los protagonistas en metafóricos paisajes de su biografía, guardando una similitud conceptual con los paisajes negros.

Puesta en escena y Experimentación

Alberto Schommer escapa de la mera transcripción de la realidad y acumula trabajos que se instalan en los límites fotográficos sirviéndose de todo tipo de técnicas y soportes ligadas a la experimentación formal. Buena muestra de ello son sus Retratos psicológicos, publicados en el dominical del periódico ABC, en 1972. Con el estilo barroco de sus retratos, cercanos a una estética surrealista, consiguió escenificar el poder, la economía y la cultura de la sociedad española, entre 1970 y 1980, para posteriormente y a través del diario El País, llegar a ser una crónica visual de la transición.

Schommer da rienda suelta a su imaginación y consigue dar vida a metacrilatos de color, vidrios, espejos rotos, cables de acero, hasta alcanzar esta serie de bodegones contemporáneos en una especie de "fotopintura", que recuerda a sus primeros óleos. Otra casualidad le llevó en 1973 a sus primeras Cascografias, mediante el craquelado previo del papel fotográfico. Posteriormente evolucionarían hacia esculturas fotográficas, añadiéndole una tercera dimensión física, conceptual y atemporal, semejante a las texturas resultantes al deterioro de las esculturas clásicas.

Biografía

Alberto Schommer nació en Vitoria-Gasteiz en 1928. Hijo del fotógrafo alemán Alberto Schommer Koch y de la vitoriana Rosario García, comenzó su carrera artística como pintor. Aunque también trabajaba en el estudio de su padre.

En 1952 viaja a Hamburgo a estudiar fotografía. Sigue pintando y viajando por Europa visitando museos. Su mente inquieta y consciente de que la fotografía era la técnica con la que quería contar la realidad, hicieron que abandonara definitivamente la pintura, para dedicarse de lleno a la fotografía.

En 1960, tras cruzarse en su vida el director de la agencia Publicis, una de las mayores empresas francesas de publicidad, viajó a París. Conoció a los grandes fotógrafos parisinos y fue contratado por Cristóbal Balenciaga como fotógrafo oficial de la Casa. De nuevo en casa, durante un tiempo fotografiará a todas las personalidades que pasaron por Vitoria. Trata de aportar una mirada diferente al clásico mundo del retrato. También trabajó haciendo fotografías industriales para conocidos arquitectos.

En 1966, se instala en Madrid y su éxito es tan grande que tiene que cambiar su estudio en la calle Ferraz por otro más grande con plató para poder realizar anuncios. Trabajó para ABC y El País y fue el fotógrafo oficial del rey Juan Carlos, con quien dio la vuelta al mundo en sus múltiples viajes.

1989 supone un punto de inflexión en su carrera, deja el mundo del retrato en lo más alto, y vuelve a echarse a la calle con cámaras de pequeño formato como en sus primeros años. En 1996 ingresa en la Real Academia de San Fernando, con el discurso titulado: "Elogio de la fotografía", en el que afirma que "la fotografía es el modo de enseñar el mundo tal y como es".

En 2013 recibe el Premio Nacional de Fotografía. Uno de los aspectos que más valoró el jurado para concederle el premio fue su carácter innovador. 2014, fue en palabras del propio fotógrafo "un año de soledad y de éxito". Por la muerte de su mujer y por convertirse en el primer fotógrafo en exponer en el Museo del Prado.

Muere en su casa donostiarra el 10 de septiembre de 2015, dejando un legado de más de 60 libros en los que se recogen sus famosas series de fotografías.

Kutxa y la Fotografía

La de Alberto Schommer es la segunda exposición de Kutxa Kultur Artegunea. La primera, el año pasado, fue Historias compartidas. El siglo XX en la Colección Kutxa, que ha recibido más de 100.000 visitantes.

Kutxa siempre ha tenido un especial compromiso con esta expresión artística, compleja y heterogénea, que viene siendo un eje importante en la programación de las otras salas de exposiciones de Kutxa Fundazioa. Sin olvidar el esfuerzo de recuperación, conservación y difusión de la fotografía que realiza por medio de la Fototeka Kutxa, ubicada en el mismo edificio de Tabakalera.

Kutxa Kultur Artegunea en Tabakalera
www.kutxakulturartegunea.eus
Plaza de las Cigarreras, 1
20012 Donostia/San Sebastián, Euskadi

Horario: De martes a domingo de 11.30 a 13.30 y de 17.00 a 21.00 horas. Entrada libre.

 
#europe #es 

Conversa entre l'artista Erick Beltran i Inés García | Galeria Joan Prats, Barcelona



ERICK BELTRÁN El doble de las mil caras, 2016. 250 impressions de 84 x 119 cm i de 90 x 200 cm, mides variables


 
Inés García López. Doctora en Filologia Alemanya amb la tesi "El periplo de los Hávamál en los países de habla germánica: aspectos de su recepción ecdótica, traductológica y teórico-crítica", sent la seva especialitat la recepció de la poesia medieval nòrdica. És professora i investigadora a la Facultat de Filologia de la Universitat de Barcelona des del 2007. 

Va obtenir el Diploma d'Estudis Avançats amb la investigació: Europa i Islàndia: la problemàtica del sistema cultural a l'Escandinàvia medieval després d'una estada d'investigació de quatre mesos al Institut für Nordische Philologie de la Universität Münster (Alemanya) al 2008. És a la Universitat de Mälardalen (Suècia) on va realitzar la seva formació com a escandinavista. Ha fet estades de recerca a la Universität Wien (Àustria), a la Universitat dels Vestfirðir (Háskólasetur Vestfjarða) a Ísafjörður (Islàndia) al 2012, on va estudiar les sagues i la traducció del norrè a l'anglès, i al 2014 i al 2015 a l'Institut Árni Magnússon per als estudis islandesos de Reykjavík (Islàndia). És Directora dels Cursos d'Extensió Universitària: "Les Sagues Islandeses I", "Les Sagues Islandeses II: la vessant norrena del mite dels nibelungs", i "Les Sagues Islandeses III: els viatges dels homes del nord", iniciativa pionera en el marc universitari de tot l'Estat espanyol. 

Actualment també treballa a l'Escola Bloom donant un Seminari de lectura de literatura nòrdica, i al febrer del 2017 donarà una sessió sobre "La narració dels espais mítics a les fornaldarsǫgur: els Glæsisvellir (els camps resplendents) i els Ódáinsakr (els camps del no-mort) a la quarta edició de "Les Sagues Islandeses" a la Universitat de Barcelona.

Galeria Joan Prats
Carrer Jaume Balmes, 54
Passatge Saladrigas, 5
Barcelona, Catalunya
www.galeriajoanprats.com

 #galeries #exposicions #agenda #Catalunya #conferències #Barcelona #Europe #Cat

 

Masterclass sobre Marketing relacional a la Tate Gallery | Universitat Internacional de Catalunya


FH-161212-tate_mailchimp.jpg

 

Masterclass que la Sra. Beatrice Burrows, responsable de l'àrea de Màrqueting relacional a la Tate Gallery de Londres, impartirà a la Universitat Internacional de Catalunya el proper dilluns 12 de desembre de 2016 a les 18: 30h a l'Aula Jardí. 

La Masterclass amb el títol "Relationship Màrqueting at Tate" serà impartida en anglès i tractarà sobre com el Màrqueting relacional és un treball per conèixer i generar engagament amb les audiències de museus i galeries a partir de l'estudi de cas de la Tate Gallery. També s'analitzarà l'impacte de la creació d'aquest nou departament.

La sessió està dirigida als estudiants del Màster Universitari en Gestió Cultural i dels Postgraus en Gestió Cultural i en Museus i Patrimoni Cultural, però està oberta a professionals del sector i altres persones interessades.

 

Universitat Internacional de Catalunya
Facultat d'Humanitats

+ info: www.uic.es


#europe #cat #catalunya #conferències #agenda #escoles #tallers #

MANIC / LOVE / TRUTH / LOVE | Jordan Wolfson | Stedelijk Museum Amsterdam, Holland, Europe

 

Jordan Wolfson, Colored sculpture, 2016. Mixed media, overall dimensions vary with each installation. Collection LUMA Foundation. Courtesy the artist, Sadie Coles HQ, London and David Zwirner, New York, Photo: Dan Bradica.

November 25, 2016
Stedelijk Museum Amsterdam

Jordan Wolfson
MANIC / LOVE / TRUTH / LOVE
November 27, 2016–April 23, 2017

Stedelijk Museum Amsterdam
Museumplein 10
Amsterdam
The Netherlands

www.stedelijk.nl


The Stedelijk Museum Amsterdam presents American artist Jordan Wolfson's first Dutch solo exhibition MANIC / LOVE / TRUTH / LOVE. Wolfson's inaugural show in the Netherlands unfolds in two parts, both of which focus on his spectacular animatronic sculptures.

Beatrix Ruf, director of the Stedelijk Museum, says "Jordan Wolfson is one of the most outspoken minds and impressive artists of his generation. He has contrary attitudes about humanity in the current, fervent visual culture, and he conveys these ideas in striking images. At the Stedelijk, we enjoy working with young artists who reflect on contemporary life, something at which Wolfson excels. You don't just casually walk past his work; it seeks direct contact with the spectator. The exhibition will be a spectacular experience, one that everyone really must see."

The first part of Wolfson's show opens during Amsterdam Art Weekend, the annual, four-day event that spotlights contemporary art throughout the Dutch capital, and features Colored sculpture (2016), a discomfiting artwork laden with paradox. It is both a computer-controlled machine and animated "human" sculpture: intensely physical yet coolly abstract, endearing yet grisly. In this way Wolfson creates an alien, intuitive space for interaction between viewer and art object.

Also included are Wolfson's animated videos, which combine layers of traditionally shot and computer-generated footage that glide over each other. But before any coherent narrative forms, the layers separate, leaving us with a space beyond the reach of familiar interpretations. It appears as if Wolfson is less interested in the depicted themes, and more in the formal dynamic of animation as medium.

These works are enriched with Wolfson's wall-mounted digital objects—pristinely fabricated montages that are an integral element of Wolfson's artistic process. These artworks represent snap shots into Wolfson's mind's eye thinking wherein they directly harness and focus the language, transgressions and intention that occurs within the elaborate video animations and large scale figurative sculptures.

The first part of the exhibition is on view from November 27, 2016 until January 29, 2017. The second part of the exhibition opens on February 18, 2017 and features a video installation and Wolfson's first animatronic: Female figure (2014). This computer-controlled, hyper-sexualized blonde robotic woman flaunts the kind of outfit ordinarily worn by pop stars in music videos—a see-through miniskirt, high-heeled thigh boots, and long gloves. A device loaded with motion tracking software, concealed beneath a green, bird-like mask, enables her to lock eyes with viewers. While the woman speaks to them—accompanied by a soundtrack of pop songs—she performs a sophisticated choreography before the mirror, seductive yet grotesque, in an endless ballet of looking and being looked at.

Over the past decade the New York-born Wolfson (1980) has become known for his work in a variety of media, including video, sculpture, installation, photography, and performance. He borrows intuitively from the world of advertising, the Internet, and the technology industry, producing ambitious, enigmatic narratives. As a member of the post-internet generation of artists reflecting upon the increasing digitalization of society and developments in genetics, robotics, and cybernetics, Wolfson creates idiosyncratic content often featuring a series of fictitious animated characters. Wolfson's show is part of the Stedelijk Contemporary series, and builds on recent Stedelijk exhibitions by artists such as Ed Atkins, Avery Singer, and Jon Rafman, whose work explores new technologies and how they define us.

Jordan Wolfson: MANIC / LOVE / TRUTH / LOVE is curated by Beatrix Ruf, director Stedelijk Museum, and Martijn van Nieuwenhuyzen, curator.

The exhibition is made possible in part with generous financial support from LUMA Foundation, Fonds 21, VSBfonds, Fundación Almine Y Bernard Ruiz-Picasso Para El Arte, Sadie Coles HQ, and David Zwirner.

With special thanks to the members of the Jordan Wolfson Exhibition Circle: ProWinko Nederland B.V., Ringier Collection, and donors who wish to remain unnamed. The catalogue has been made possible by Joe and Marie Donnelly.

#europe #en

Joan Fontcuberta | Trauma | àngels barcelona, Barcelona, Catalunya



Joan Fontcuberta, Trauma # 02804, 2016, caixa de llum, 40 x 60 cm.

Joan Fontcuberta
Trauma
26.11.16 > 03.02.17
Inauguració: 26 Novembre - 12 h.

àngels barcelona presenta la quarta exposició individual a la galeria de Joan Fontcuberta. Amb aquest nou projecte, Fontcuberta es pregunta què passa quan una fotografia abandona la seva imatge, quan lliura la seva ànima. ¿Què resta quan una fotografia ja no assenyala una realitat cap a fora de si mateixa i només romà el substrat, el residu, a penes unes taques de substàncies químiques sensibles a la llum? ¿Què passa quan l'únic referent que li queda a una fotografia és la fotografia en si? Quan en una imatge, l'ànima –la informació– abandona el cos –el suport– esdevé un fantasma. Aquestes imatges-fantasmes son les que habiten els bastions de la memòria que són els arxius.

àngels barcelona presents Joan Fontcuberta's 4th solo show at the gallery. With his new project Fontcuberta reflects on what happens when a photograph abandons its image freeing itself from its soul. What's left when a photograph doesn't point towards a reality outside itself and only points at its substrate? When its residue remains in the shape of some light-sensitive chemicals? What happens when the only reference left to a photograph is photography itself? When the soul of an image - the information- leaves the body- the support- it becomes a ghost. These ghost-images inhabit the bastions of memory which are the archives.

Gallery Artists: Pep Agut / Efren Álvarez / Lúa Coderch / Peter Downsbrough / Marcelo Expósito / Harun Farocki / Esther Ferrer / Joan Fontcuberta / Jeanno Gaussi / Ion Grigorescu / IM Heung- soon / Daniela Ortiz / Mabel Palacín / Tristan Perich / Jaime Pitarch / Jorge Ribalta / Pedro G. Romero / Mireia c. Saladrigues / Mireia Sallarès / Michael Snow / Richard. T. Walker

àngels barcelona
c. pintor fortuny, 27 / T + 34 93 412 54 00
08001 Barcelona, Catalunya / http://angelsbarcelona.com

#galeries #exposicions #inauguracions #agenda #artistes #catalunya #barcelona #europe