Untitled, Miami Beach, 2017 Announces Special Collaboration with The Nou Project

Untitled, Miami Beach
Announces Special Collaboration
With The Nou Project
For Its Sixth Edition
December 6 - 10, 2017

Untitled, Miami Beach is pleased to present a special collaboration with The Nou Project of a new collection of limited edition sneakers featuring three artists whose work will be on view for the fair's sixth edition, Decemeber 6 - 10, 2017.

This unique collaboration reflects the spirit and quality-focused ethos of the Nou brand, which was in itself inspired by the style and sensibility of art-fair goers. The artists featured include Jamie Felton (Horton Gallery, New York), Nika Fontaine (wildpalms, Berlin), and Eric Yahnker (The Hole, New York). Each sneaker is a limited edition of 55 and will be available at Untitled, Miami Beach, and online at thenouproject.com.

About The Nou Project.

The Nou Project handpicks a select group of artists as part of its collection to create inspiring, one-of-a-kind pieces. Bridging the gap between art and footwear, you can now wear a piece of art on your feet.

About Untitled, Art.

Untitled, Art is an international, curated art fair founded in 2012 that focuses on balance and integrity across all disciplines of contemporary art. Untitled, Art innovates the standard fair model by selecting a curatorial team to identify, and curate a selection of galleries, artist-run exhibition spaces, and non-profit institutions and organizations, in discussion with a site-specific, architecturally designed venue. The next editions of Untitled will take place on the beach at Ocean Drive and 12th Street in Miami Beach, FL, December 6 - 10, 2017, and the Palace of Fine Arts, 3601 Lyon Street in San Francisco, CA, January 12 – 14, 2018.

General Information:
Untitled, Miami Beach, 2017
On the beach at Ocean Drive and 12th Street
December 6 – 10
Open Wed–Sat: 11am – 7pm
Open Sun: 11am – 5pm

+ info: https://untitledartfairs.com/miami-beach

Image: Nika Fontaine, Transmutation #5, Limited edition sneaker, Courtesy of The Nou Project

#america #en


Call for applications RAW Académie Session 4 | Dakar, Senegal

What is RAW Académie?

RAW Académie is an experimental residential programme for the research and study of artistic and curatorial practice and thought. The programme takes place over 7 weeks in Dakar. It is dedicated to a dynamic reflection on artistic research, curatorial practice and critical writing. The Académie is held during two distinct sessions per year; October–December and April–June. Each session is directed by a lead faculty who has displayed an off-the-beaten-track practice in regard to art, curating and art criticism. Session 4 will be led by the Durban based South African performance and video artist Tracey Rose. It will take place from March 26 to May 11, 2018, and will coincide with the 13th edition of the Dakar Biennial.

Session 4: Corpus Callosum

We are by nature ambidextrous, able to use the right and left hands equally well, and yet most of us favour the use of the right hand for serious matters. We have internalised the metaphor of the conflicting binaries created by left versus right. This metaphor extends to politics and even to the manner in which we are socialised to accept that right and "the right" constitute, and are, correct(ness). This binary is reflected in general politics and racial conflicts: Democrat versus Republican, White versus Black. Right has come to mean normal, appropriate, just as white has come to signify that which is clean, pure and innocent. The reverse is also upheld as truth; left and black are charged with negative values. This metaphorical imposition takes form in capitalist strictures and structures of time that are man-made constructions for labour, and do not correspond to our biological and spiritual needs. Renowned South African photographer Santu Mofokeng once said that African time is in contrast very forgiving, meaning that at its core, it is in conflict with the Western capitalist ideals of chronological control. We are interested in the Corpus Callosum, the space which bridges the left and right hemispheres of the brain and which constitutes a grey area, a site of communication and play beyond and between the imposition of binary division. An engagement with the Corpus Callosum allows us to ask what would happen if the dominance of the right could be redressed and imbalanced by a more empowered left hand, and how this can be played out in artistic and curatorial practices. These are some of the queries this session will investigate in collaboration with the invited faculty who are connected via a diverse range of issues regarding the body politic, gender, the formal nature of mediums of documentation and their problematics, coloniality and racial politics, Performance art and the spirit. Faculty will include curator Christian Haye and artists Sara Mikolai, Christopher Wessels and Zen Marie, with more to be announced.

About Tracey Rose

Tracey Rose (b. 1974) is a groundbreaking internationally acclaimed figure in post-apartheid contemporary art who works in video art and performance. She is a graduate of the University of Witwatersrand and received her MFA from Goldsmiths College, University of London. Rose has had solo presentations worldwide, and has been featured in major international exhibitions such as the Venice Biennial (2001), São Paulo Biennial (2016), documenta 14 (2017), and Performa (2017). Tracey Rose: Waiting for God the artist's mid-career retrospective, was held at the Johannesburg Art Gallery in 2011. She lives and works in Durban, South Africa.

About RAW Material Company

RAW Material Company is a center for art, knowledge and society. It works to foster appreciation for and growth of artistic and intellectual creativity in Africa. The multidisciplinary programme is informed by a diverse range of creative practices that include politics, architecture, film, cuisine, fashion, writing and day-dreaming.

Application process

RAW Académie is a tuition free experimental study programme. Ideal fellows are newly graduates from art schools, curatorial programmes and various fields of the humanities. The application process is online only. A maximum of 10 fellows are selected for each session. The application process for Session 4 opens on December 4, 2017 and closes on January 14, 2018. Only the first 75 applications will be considered for review. The selection committee for Session 4 includes Tracey Rose, Director Session 4 RAW Académie, Koyo Kouoh, Artistic Director RAW Material Company, and Eva Barois De Caevel, Assistant Curator & Académie Coordinator RAW Material Company. Only short listed applicants will be notified and invited for online interview.

Call for applications RAW Académie Session 4
March 26–May 11, 2018

Application deadline: January 14

Villa 2b ZONE B
BP 22170 Dakar

#africa #en

25 nov. Inauguració de l'exposició: Sònia Toneu - Toni Cort | Defensem la injustícia mitjançant l'art

Propera exposició que tindrà lloc a la galeria Antoni Pinyol: 
"Sònia Toneu - Toni Cort: Defensem la injustícia mitjançant l'art" 
Que s'inaugurarà el 25 de novembre de 2017 a les 13h.

Próxima exposición que tendrá lugar en la galería Antoni Pinyol: 
"Sònia Toneu - Toni Cort: Defensem la injustícia mitjançant l'art". 
Que se inaugurará el día 25 de noviembre de 2017 a las 13h.

Galeria Antoni Pinyol
Carrer del Vidre, 11
43201 Reus. Catalunya

#exposicions #museus #reus #catalunya #gratis #inauguracions #europe #es #ca #artistes 

Toma de corriente 2 + En la oscuridad brillante + Mòdul i trànsit | Es Baluard | Palma de Mallorca

Es Baluard once again makes his Collection visible in new contexts. This time, in a collaboration with the MAC of Chile. Thus, on November 24, 2017, we presented the exhibition "Toma de corriente 2" from the video art works of artists linked to the Balearic Islands, accompanied by a selection of projects developed from the Museum's Education area.

On November 23, 2017, we present "En la oscuridad brillante (In the brilliant darkness)", the project that the artist Fermín Jiménez Landa has developed within the DKV- Es Baluard Production scholarship for videographic creation. 

Sound art comes to Es Baluard, integrating itself into experimental spaces, such as is achieved through the exploration of the sounds produced by the museum's elevator and its surroundings. Placa Base, an associated collective of Es Baluard, has created "Mòdul i trànsit" with a language based on the recording of the activity of the elevator that is materialized in a sound installation consisting of various miniatures. 


Es Baluard vuelve a visibilizar su Colección en nuevos contextos. Esta vez, en una colaboración con el MAC de Chile. Así, el 24 de noviembre de 2017 presentamos la exposición «Toma de corriente 2» a partir de las obras de vídeoarte de artistas vinculados a las Illes Balears, acompañada de una selección de los proyectos desarrollados desde el área de Formación del museo. 

El próximo 23 de noviembre de 2017 presentamos "En la oscuridad brillante", el proyecto que el artista Fermín Jiménez Landa ha desarrollado dentro de la cuarta Beca de Producción a la Creación Videográfica DKV – Es Baluard. 

El arte sonoro llega a Es Baluard integrándose en espacios experimentales, como es el que se logra a partir de la exploración de los sonidos producidos por el ascensor del museo y su entorno. Placa Base, colectivo asociado de Es Baluard, ha creado "Mòdul i trànsit" con un lenguaje a partir de la grabación de la actividad del ascensor que se materializa en una instalación sonora que consta de diversas miniaturas. 

Plaça Porta de Santa Catalina, 10. 07012 - Palma, Illes Balears

#es #en #europe

14 nov. | ArtFutura Granada 2017

Desde enero de 1990 ArtFutura el festival de Cultura y Creatividad Digital, explora los proyectos y las ideas más importantes surgidas en el panorama internacional del new media, el diseño de interacción, los videojuegos, la realidad virtual y la animación digital.


Sus actividades incluyen exposiciones, proyecciones audiovisuales, mesas redondas, conferencias, talleres, instalaciones interactivas y actuaciones en directo.

A lo largo de estos años ArtFutura (@artfutura) ha tratado de mostrar que, a comienzos del nuevo milenio, arte y ciencia discurren más que nunca por caminos paralelos. Ya no es posible entender el arte desligado de new media, internet y la tecnología digital.

El próximo martes 14 hasta el domingo 19 de noviembre de 2017, estaremos en El Parque de las Ciencias. El festival ArtFutura, que llega a su vigésimo octava edición, mostrará en Granada la fusión de ciencia y arte en la creatividad digital bajo el título 'Criaturas digitales. Cognición aumentada'. Así, durante seis días los visitantes podrán visionar las más innovadoras producciones de arte digital, convirtiéndose en una de las sedes de los 20 países del mundo en las que se proyectan, entre ellos Miami, Frankfurt, París, Londres o Bangkok.

El festival en Granada tiene un incentivo añadido a otras sedes globales, además de la proyección oficial del Festival, se ofertará un amplio programa paralelo que se ha realizado en colaboración con la Fundación CAJAGRANADA y la Universidad de Granada. Incluirá conferencias, talleres y la sección Espacio Joven, en la que se mostrarán las creaciones artísticas de estudiantes de Bellas Artes y Comunicación Audiovisual.

De esta forma, ArtFutura en Granada potenciará un espacio de referencia donde impulsar la creatividad de los estudiantes y fomentar uno de los sectores con más futuro en la ciudad. Esta visión la comparte el vicerrector de Extensión Universitaria de la UGR, Víctor Medina, el director de CajaGranada Fundación, Diego Oliva y el director del Parque de las Ciencias, Ernesto Páramo, quienes han sido los encargados de presentar el programa del Festival Internacional.

- PROYECCIÓN: 3DFutura Show (1h)

Versión original en varios idiomas.
Obras de grandes estudios, escuelas especializadas y artistas freelance. Incluyendo nuevas animaciones de Julius Horsthuis, Brazen Animation, Zombie Studio, Veselin Efremov, Bjorn-Erik Aschim, Max Taylor y Kevin Roger.

- PROYECCIÓN: Futura Graphics (1h)

Versión original en varios idiomas.
Futura Graphics destaca los trabajos más brillantes en el campo de las nuevas estéticas: Animaciones, cortos experimentales, videoclips y obras mixtas. Con obras de Maël Gourmelen, Elberfeld Kreation, Martin Lapp, David Lewandowski, Taxi Films, Daniel Savage y Hannes Knutsson.

- PROYECCIÓN: Artworks (45min)

Versión original en varios idiomas.
Una sección dedicada al performance, las instalaciones new media y los entornos interactivos a través de su difusión en vídeo. Con trabajos de Team lab, WOW Inc., Maotic, NOHlab, Refik Anadol, Miguel Chevalier, Didzis Jaunzems Architecture y Daniel Canogar.

- PROYECCIÓN: Criaturas Digitales (15min)

Versión original en varios idiomas.
Un especial sobre la exposición del mismo nombre comisariada por Montxo Algora realizada en Roma en 2017 y los artistas participantes: Can Buyukberber, Paul Friedlander, Chico MacMurtrie /Amorphic Robot Works, Sachiko Kodama, Esteban Diácono y Universal Everything.

Además de las proyecciones audiovisuales, esta nueva edición incluye conferencias.

- Master class de Enrique Gato


Director y animador español de producciones de animación 3D y 2D, galardonado con dos premios Goya y conocido principalmente por ser el creador del personaje Tadeo Jones, director de la saga "Tadeo Jones".

- Mesa redonda con Manuel Sicilia


Productor y director de THE TELL TALE HEART (25 premios internacionales) y produjo THE LADY AND THE REAPER (30 premios, incluido el ganador del premio Goya y nominado para el Oscar Academy Award en 2010). Director de  VIRTUAL TRIP INSIDE THE CRANIUM, el documental que recibió 9 premios internacionales por su forma innovadora de mezclar arte y ciencia médica. Director de  JUSTIN AND THE KNIGHTS OF VALOR. La película se ha vendido en 140 países. Sus trabajos anteriores incluyen proyectos para la NASA, el FBI, John Malkovich, FOX, Filmax, Inditex, Cacique, etc. Manuel es miembro de la junta directiva de AEPA y DIBOOS (Asociación Española de Productores de Animación) .

- Mesa redonda conJosé María Guadalupe
Ha trabajado en el corto nominado a los Oscars La Dama y La Muerte, Justin y la Espada o la recientemente la exitosa Tadeo Jones 2 (lightbox entertainment) donde ha desempeñado la labor de supervisar el departamento de Concept Art y Matte painting.
Actualmente es Director del área de Concept Art y Matte painting en  ANIMUM Creativity Advanced School en Málaga.

- Master class de Richi Páramo

Instructor oficial de Nuke serán algunos de las personalidades que pasarán por el Parque de las Ciencias y el Museo CAJAGRANADA a lo largo de esta semana.

La programación se completa con una instalación interactiva, donde experimentar con las tecnologías diseñadas para percibir la realidad virtual.

Más información:

#es #europe

10 nov. 19h. | Projecció i cinefòrum del film kurd 'Life on a border' a la Fundació Tàpies

Projecció i cinefòrum a la Fundació Antoni Tàpies sobre el film kurd Life on a border , 2015.

El destí de milers de persones està unificat sota les lones dels camps de refugiats a Kobane i a Sinjar. El cineasta kurd Bahman Ghobadi ha donat càmeres de vídeo a vuit infants perquè, a través de la seva particular mirada, expliquin com viuen als camps.

Autors: Bahman Ghobadi. | Durada: 73 min. | Calendari: divendres 10 de novembre del 2017, a les 19.00h. | Preu: gratuït.

+ info: https://fundaciotapies.org/site/spip.php?article8933

#cine #cinema #cultura #art #kurdistan #asia #refugiats #solidaritat #migracions #dretsdelspobles #dretshumans #barcelona #catalunya #museus #videos #projeccions 

9 nov. 19h. | Projecció i cinefòrum de 'Spell Reel', un film de Filipa César sobre la independència de Guinea Bissau

Dijous 9 de novembre del 2017, a les 19 h.

Projecció del film documental Spell Reel, 2017
A la Fundació Antoni Tàpies de Barcelona.
Entrada gratuïta.

La projecció conclourà amb una conversa entre Filipa César i Carles Guerra, director de la Fundació Antoni Tàpies.

Un projecte col·laboratiu de recerca de Filipa César amb els cineastes guineans Sana na N'Hada i Flora Gomes.

La pel·lícula de Filipa César neix d'un projecte col·laboratiu de recerca amb els cineastes guineans Sana na N'Hada i Flora Gomes. N'Hada i Gomes, després d'estudiar cinema a Cuba, iniciaren una investigació, càmera en mà, sobre la lluita per la independència de Guinea Bissau (1963-1974). La majoria d'aquestes pel·lícules revolucionàries es van perdre. Les que quedaven, eren poc conegudes i estaven en risc de desaparèixer. Per aquest motiu, Filipa César, juntament amb Arsenal Institute for Film and Video Art, va emprendre la tasca de digitalitzar el material audiovisual a Berlín. 

Un cop restaurades, les pel·lícules es van projectar amb comentaris de l'autora i en les localitzacions on havien estat enregistrades originàriament. Spell Reel integra, doncs, imatges en blanc i negre en 16 mm, material digital i documents del tour realitzat el 2014 per mostrar les pel·lícules a les audiències guineanes que, per primera vegada, entraven en contacte amb aquest capítol de la seva història.

Filipa César (1975) és una artista i realitzadora nascuda a Porto, Portugal. Actualment viu i treballa a Berlín. Les seves pel·lícules combinen el format documental amb una perspectiva subjectiva, i giren al voltant de les relacions entre història, memòria, imatge i narrativa. La seva obra ha estat mostrada àmpliament en exposicions individuals i col·lectives, en biennals i festivals de cinema, com ara en la recent edició de la Berlinale.

Autora: Filipa César. | Durada: 96 min. | Calendari: dijous 9 de novembre del 2017, a les 19.00 h. | Preu: gratuït.

Fundació Antoni Tàpies
Carrer Aragó, 255
08007 Barcelona 

#agenda #exposicions #projeccions #audiovisuals #africa #barcelona #catalunya #museus #video #migracions #refugiats #intercultural #interculturalitat #cultura #guinea #dretsdelspobles #dretshumans #art


Open House Madrid y Pati Núñez Agency se complacen en invitarle a:
Fecha: jueves 28 de Septiembre 2017
Horario: 9:00 a 13:30 h.
Lugar: Auditorio Centro Centro - Palacio de Cibeles (Plaza de Cibeles, 1. Madrid)

Más información en http://www.openhousemadrid.org/congreso/

Por razones de organización y aforo, te rogamos confirmes tu asistencia en el siguiente enlace: REGISTRARSE



Dirección: Pati Núñez y Paloma Gómez Marín, codirectoras de Open House Madrid

Introducción: Anatxu Zabalbeascoa, periodista e historiadora especializada en arquitectura

9,45- Daniel Modol, arquitecto, Concejal de Arquitectura, Paisaje Urbano y Patrimonio de Barcelona

10,00-Juan Fernández-Aceytuno, ingeniero de minas, fundador del think tank Know Square

10,15- Flavio Tejada, director del Master in Real Estate Development de IE University

10,30- Valentí Gómez i Oliver, filósofo, escritor, poeta

10,45- café

11,20- Fuensanta Nieto, arquitecto

11,35- AceboxAlonso, arquitectos

11,50- Hector Ruiz Velazquez, arquitecto

12,05- Beth Galí, arquitecto

12,30- Jacobo García Germán, arquitecto

12,45- Mar Santamaría, Arquitecta y cofundadora de 300.000 Km/s

13,00- Eugenio Ampudia, Artista y comisario

13,15- Hugh Broughton, Arquitecto, NASA, Halley VI British Antarctic Research Station

13,30- cierre del congreso.

Strategic Affairs Bureau
Barcelona  Madrid  London  Venice  NEW YORK BUENOS AIRES
Ph. +34 931 240 847  /  www.patinunezagency.com www.strategicaffairsbureau.com

#es #europe

Seducidos por el arte | Galeria Montenegro | Vigo, Galicia

Galeria Montenegro
Marqués de Valladares, 37
36201 Vigo, Galicia

#europe #es

Les maletes de Walter Benjamin | Arts Santa Mònica | Barcelona, Catalunya

Dispositius migratoris

Inauguració: 20.07.2017 / 19h

Les maletes de Walter Benjamin. Dispositius migratoris és un projecte col·laboratiu entre diferents institucions i escoles de Belles Arts: la Weißensee Kunsthochschule de Berlin - Visuelle Kommunikation. Digitale Medien, l'École des Beaux-Arts de Bordeaux, l'Escola Llotja d'Arts i Disseny de Barcelona i la Casa de Velázquez de Madrid, per tal d'apropar-se a l'obra del filòsof alemany a través de la creació actual.

Cada escola ha dut  a terme un workshop de mesos de preparació dels treballs presentats i exposats. En un intent de reconstruir la història perduda, es proposà als estudiants i artistes residents expressar els seus propis interrogants inspirant-se en les Tesis de la filosofia de la Història. El resultat és una mostra entre el document i la ficció, en què les maletes imaginàries destaquen tant la història de Walter Benjamin con la concepció del seu pensament.

Organitzen i produeixen: Arts Santa Mònica - Departament de Cultura i Passatges Cultura Contemporània

Arts Santa Mònica. Centre de la Creativitat
La Rambla 7 
08002 Barcelona, Catalunya 

De dimarts a dissabtes d'11 h a 21 h. 
Diumenges i festius d'11 h a 17 h. 
Dilluns tancat.

#catalunya #barcelona #museus #exposicions #europe #ca #literatura #instalacions #agenda 

You’re a Tourist in my Town | Aili Schmeltz & Gabriel Dubois | Espronceda Center for Art and Culture | Barcelona, Catalunya

You're a Tourist in my Town | Aili Schmeltz & Gabriel Dubois

Inauguració:  20 de Juliol de 2017, de les 19h30 a les 22h. 

Exposició del 21/7/2017 fins al 29/7/2017.


Center for Art and Culture
Carrer d' Espronceda 326, Nau 4-5-10
08027 Barcelona, Catalunya

#exposicions #inauguracions #instalacions #barcelona #agenda #catalunya #gratis #fotografia #galeries #ca #europe

'Fruit Belt' & 'Un pie fuera. Expediciones y diásporas' | Espai 13, Fundació Miró | Barcelona, Catalonia

Un pie fuera. Expediciones y diásporas
Ciclo expositivo comisariado por Jordi Antas

Fruit Belt
Martin Llavaneras

Inauguración: 13 de julio, a las 19h
Del 14 de julio al 11 de septiembre de 2017

Espai 13 - Fundació Joan Miró, Barcelona

"Fruit Belt" explores the notion of the extreme domestication of nature through the natural respiration process of apples and a series of "post-harvest" technologies designed to delay the deterioration of fruit. Based on certain biological control parameters and metabolic processes involved in fructose production, the exhibition unfolds in the form of a sculptural and conceptual essay around the life cycles of raw materials in a constant state of flux. In "Fruit Belt", Martin Llavaneras builds a container that modifies the atmosphere in the exhibition space, and sets up a series of tanks filled with liquid. The tanks are interconnected by a system of hoses and circulation pumps that carry through Espai 13 a series of synthetic additives used in the process of industrial optimization of the fruit.

"Fruit Belt" propone una aproximación a la noción de superdomesticación de la naturaleza a partir del proceso natural de respiración de las manzanas y de una serie de técnicas "poscosecha" desarrolladas para retrasar el tiempo de oxidación de las frutas. Por medio de una serie de parámetros de control biológico y de diversos procesos metabólicos relacionados con la producción de fructosa, la exposición se despliega a modo de ensayo conceptual y escultórico en torno a los ciclos vitales de las materias primas y a su flujo permanente. En "Fruit Belt", Martin Llavaneras construye un receptáculo que modifica la atmósfera del espacio expositivo e instala un conjunto de depósitos contenedores de líquidos. Estos recipientes están conectados entre sí mediante un circuito de mangueras y bombas circuladoras, que distribuyen a través del Espai 13 una serie de aditivos sintéticos empleados en el proceso de optimización industrial de la fruta.

+info: http://bit.ly/2rsXOGShttps://www.fmirobcn.org/es

#europe #en #es

Ana Torralva | Teoría y juego del duende | Museo Regional de Arte Moderno de Cartagena

Museo Regional de Arte Moderno de Cartagena, España.
Del 30 de junio - 5 de noviembre de 2017

Ana Torralva: Teoría y juego del duende
Exposición antológica de fotografía

La fotógrafa Ana Torralva presenta Teoría y juego del duende en el Museo Regional de Arte Moderno de Cartagena, desde el 30 de junio al 5 de noviembre. Comisariada por la propia autora junto a Juan García Sandoval (director del MURAM), se trata de una muestra antológica del trabajo de la fotógrafa gaditana, compuesta por una cuidada selección 65 instantáneas en blanco y negro con retratos de grandes figuras del baile, el cante y el toque flamencos -algunas de las cuales se muestran por primera vez en público-, en varias de las cuales la autora introduce la fragmentación, con imágenes divididas en secuencias de pies, manos, zapateado, cintura...

Como si de una cantaora se tratara, en Teoría y juego del duende Ana nos muestra con gestos y retratos, los sentires que inundan su gran fascinación por el arte jondo. Atracción que le ha llevado a fotografiar a los grandes del flamenco, entre otros a Camarón, El Cigala, Paco de Lucía, Enrique Morente, Remedios Amaya, Carmen Linares o María Pagés, entre otros muchos.

Es el destilado de más de veinte años de trabajo que tienen un preciso hilo conductor: la indagación a través de la fotografía sobre la génesis de la emoción en el arte, sobre el duende en el flamenco. Magia y reflexión se unen en sus imágenes, en las que destaca la búsqueda psicológica de la persona.

En este trabajo, Ana Torralva afirma que utiliza "las secuencias o la fragmentación en la fotografía como un proceso de conceptualización de la imagen, que provoca otra mirada. Acerca al publico al detalle, a la esencia… y, en este caso, al flamenco."

Son imágenes que hablan. Cada una constituye una narración poética y con una aparente sencillez surge el carácter psicológico de personalidades del flamenco, consiguiendo plasmar secuencias y rasgos inesperados, en los rostros. Son instantáneas en blanco y negro, realizadas en el espacio particular, en el domicilio o lugar de ensayo del retratado, fruto de sesiones y de actuaciones realizadas para Ana, en las que se establece un juego de seducción, de complicidad: se busca la magia.

Para Alfonso de la Torre, -crítico y teórico de arte, autor de un texto en el catálogo ("Ana Torralva: el álbum del desasosiego")-, asunto capital es la indagación que esta creadora realiza en torno a las apariencias, comparando ciertas zonas de su trabajo con las reflexiones del artista Juan Muñoz, observando que "vuelven a referirme, poderosas, el pavor del murmullo del mundo. Están los personajes de nuestra artista retratados en un instante que pareció silencio, a veces con aire de contención, otras mirando atrevidos allende la imagen, cierran los ojos algunos, abandonados en su trance aquellos, otros dirigen sus párpados a la nada. Imágenes de geografías y cuerpos, de extensiones o fragmentos, es capaz de componer Torralva representaciones de rostros como campos, edificios en ruinas que muestran sus heridas, estrías de las tierras tal si fuesen rostros surcados por el tiempo.    Trabajo buscando la verdad, sentencia Ana Torralva con seriedad, busca la esquiva verdad, añadimos".

Retratos y decires del arte jondo

El quehacer artístico y fuente de inspiración de las obras de Ana Torralva se fundamentan en la conferencia 'Juego y teoría del duende' pronunciada en 1933 por Federico García Lorca, quien transforma la palabra "duende" en una categoría estética y artística. Este concepto, el duende lorquiano, es el verdadero motor estético de Ana Torralva. En sus propias palabras: "en Teoría y Juego del Duende, reinterpreto, a la vez que juego (en el sentido serio del término), y planteo conceptualmente cuestiones teóricas".

Con sus imágenes Ana Torralva expresa toda una gama de sentimientos que pasan por la alegría, la pena y el temor. Son rostros, palmas, taconeo, sensualidad, baile, fuerza…, que recogen la expresión artística de un pueblo. Fotografías que plasman momentos únicos y llenos de expresividad, puro duende.

La exposición está promovida y organizada por la Consejería de Turismo, Cultura y Medio Ambiente; la Dirección General de Bienes Culturales y el Museo Regional de Arte Moderno de la Comunidad Autónoma de la Región de Murcia,  y cuenta con el apoyo de Caja Murcia.

Acompañan a la exposición sendos vídeos -El encuentro. Familia Fernández (20´) y Belén Maya y lo Femenino en el baile (21´)-, con idea original de Ana Torralva y realización de Francisco Cuéllar Santiago.

Asimismo se ha editado un catálogo bilingüe (español-inglés), que incluye textos de Javier Celdrán Lorente, Alfonso de la Torre, Olga Rodríguez Pomares y Juan García Sandoval.

Biografía de Ana Torralva

Ana Torralva, es una de las grandes fotógrafas españolas, especializada en retrato. Es Doctora en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca (2011), especializada en Arte y Fotografía, y profesora de Fotografía y Proyectos, en dicha universidad desde 1991 hasta la actualidad. Acreditada fotógrafa de prensa en sus inicios en el rotativo El País entre 1983-1995, al principio desde Valencia, donde crea la edición gráfica, y después desde Madrid, como reportera gráfica, publicando habitualmente en el País Semanal y en Babelia.                                          
Nace en San Fernando de Cádiz en 1957, y a los siete años se traslada con parte de su familia a Cartagena (Murcia). Actualmente reside entre Madrid y Salamanca, pasando largas temporadas en Nueva York donde es ponente y profesora en el Empire State College.

Los inicios de la fotografía de Ana vienen de la mano de su padre Esteban Torralva, fotógrafo, pintor y amante del flamenco. A los catorce años, tiene su primera cámara y realiza sus primeros retratos.

Entre sus primeros trabajos, sobresalen algunos retratos de literatos, músicos y personas vinculadas con el espectáculo, que le han otorgado su mayor reconocimiento artístico y profesional. Destaca su serie de mujeres escritoras, un conjunto de retratos que refleja una insistente inclinación hacia el mundo femenino, y que se convierte en uno de sus temas recurrentes a través de imágenes de mujeres de todas las épocas.

El flamenco se ha configurado como uno de sus temas predilectos, desde 1985, en diversos proyectos, Retratos y Paisajes de El Cante de las Minas. La Unión (1996), Ha pasado un Duende (1999) y Duendes del Flamenco (2005).

Museo Regional de Arte Moderno de Cartagena (MURAM)
Palacio de Aguirre. Plaza de la Merced 15-16
30201 Cartagena
Tf: 968501607

De martes a viernes: De 10:00 a 14:00 h. y de 17:00 a 19:00 h.
Sábados: De 11:00 a 14:00 h. y de 17:00 a 20:00 h.
Domingos y festivos: De 11:00 a 14:00 h.
Cerrado todos los lunes del año
Entrada gratuita

#es #europe

Classic and contemporary art | Marlborough Barcelona

Classic and contemporary art | Marlborough Barcelona

6 de juliol del 2017

Marlborough Barcelona
C/ Enric Granados, 68
08008 Barcelona, Catalunya
T: (+34) 93 467 44 54 / F: (+34) 93 467 44 51

H: dilluns a dissabtes, 11-19h.


#galeries #exposicions #catalunya #barcelona #agenda #gratis #inauguracions #ca #europe


MACK at Wer-Haus | Photography books, prints and special editions | London

MACK at Wer-Haus is an exhibition of photography books, prints and special editions, narrating the story of the publishing house, from our early beginnings in the form of the SteidlMACK imprint, through to recent bodies of work. It comprises work by celebrated artists and photographers such as Alec Soth, Joan Fontcuberta, Tacita Dean, Broomberg & Chanarin, Paul Graham, Collier Schorr and many more.

Studio E, Ground Floor
Emperor House
Dragonfly Place

#en #europe 

Galeria Marlborough | Francis Bacon, Juan Genovés, Joan Miró, Manolo Valdés | Barcelona

Galeria Marlborough


#europe #es #ca #agenda #exposicions #galeries #barcelona #catalunya #pintura #escultura #artistes  

Las mejores exposiciones de arte en Barcelona | Verano 2017

1. Allan Sekula. Sísif col·lectiu | Fundació Antoni Tàpies

Hasta el 25 de septiembre. Para la que es la primera monográfica de este artista en el estado español, la Fundació Antoni Tàpies muestra los trabajos del escritor y fotógrafo norteamericano Allan Sekula sobre el impacto de la economía marítima en la incipiente globalización de los noventa, así como el nuevo marco moral impuesto por el neoliberalismo. Allan Sekula es uno de los referentes en el ámbito de la fotografía del siglo XX. | Más información

2. Björk Digital. Exposició de realitat virtual | Centre de Cultura Contemporània de Barcelona 

Hasta el 24 de septiembre 2017. «Björk Digital» propone un viaje emocional y personal para la música y el universo creativo de la icónica artista islandesa. Es la única oportunidad de visitar en el estado español un entorno inmersivo de realidad virtual creado por la misma Björk con la colaboración de los mejores artistas visuales del momento. En el CCCB de Barcelona. | Más información

3. David Bowie is | Museu del Disseny

A partir del 25 de mayo de 2017, el Museo del Diseño de Barcelona acoge la exposición David Bowie is dedicada al célebre músico e intérprete. La muestra, una producción del Victoria and Albert Museum de Londres, ha recibido ya más de un millón y medio de visitantes a las ocho ciudades que ya la han acogida hasta ahora, como la capital inglesa, Berlín, París o Chicago, lo que la convierte en la muestra más visitada en los 164 años de historia del museo británico. | Más información

4.Akram Zaatari. Contra la fotografia | Museu d'Art Contemporani de Barcelona

Hasta el 25 de septiembre de 2017. La exposición muestra los archivos del Arab Image Foundation en Beirut, Líbano, que contienen una plétora de material fotográfico proveniente de Oriente Medio, el norte de África y la diáspora árabe. Constituida y desarrollada por artistas preocupados por la preservación fotográfica, la AIF surgió como un centro dedicado al estudio de la fotografía y las prácticas del coleccionismo, la preservación y la divulgación de imágenes. La colección inicial de la AIF fue el resultado de la investigación generada por proyectos artísticos, que desembocó en un nuevo tipo de institución y una aproximación diferente al patrimonio fotográfico. En el MACBA de Barcelona. | Más información

5. Camins encontrats - Miralda. Obres 1977 i 2015 | Fundació Suñol

El proyecto Camins encontrats propone hacer coincidir dos obras de momentos diferentes de un mismo creador, dando visibilidad a las relaciones generadas entre las piezas, el autor, el coleccionista, especialistas y público en un espacio concreto, el de la Fundación Suñol, a fin de descubrir y profundizar en el hecho creativo. En la segunda edición de este proyecto se presentan dos obras de Antoni Miralda, realizadas ambas con 38 años de diferencia en contextos completamente diferentes. | Más información

6.Brian Eno | Lightforms / Soundforms | Arts Santa Mònica

Brian Eno. Lightforms / Soundforms presenta una selección de sus trabajos recientes como artista y como músico, acompañados de una muestra de las notas, esquemas y dibujos de los que se ha servido para articular sus ideas al respecto y exponerlas. Eno se formó en la universidad como artista visual, inició una carrera como músico y productor y, a continuación, se interesó por trasladar a su campo de procedencia las herramientas conceptuales y los procedimientos propios de la música. Desplazándose ágilmente y continua entre el arte, la música y la escritura, ha desarrollado a lo largo de los años una forma de hacer singular: el movimiento de la pintura, la ralentización de la música y una relación lúdica y emancipadora con la tecnología. Eno pone a prueba esta manera de hacer, la trabaja y la perfila, sobre tres materiales difícilmente comparables: la luz, el sonido y la palabra. | Más información


7Animals sagrats de l'antic Egipte | Museu Egipci de Barcelona

Hasta el 30 de septiembre de 2017. La muestra está formada por más de 70 piezas originales de la colección de la Fundación Arqueológica Clos, muchas de ellas inéditas. Destacan especialmente un sarcófago con una momia de ibis en su interior; una estatua en piedra del dios halcón Horus; y una en forma de esfinge del dios Amon que da la bienvenida al visitante. La exposición incluye un documental que presenta los resultados obtenidos a partir del estudio radiológico realizado a las siete momias de animales conservadas en el Museo Egipcio de Barcelona. Las conclusiones a las que permiten llegar las tomografías axiales de estas momias revelan informaciones sorprendentes sobre diferentes aspectos del bestiario faraónico. | Más información

8. Duane Michals | Fundació MAPFRE

Hasta el 9 de septiembre de 2017. Retrospectiva dedicada a la obra del fotógrafo norteamericano Duane Michals. El recorrido expositivo se distribuye en etapas sucesivas que muestran las diferentes modalidades expresivas inventadas gradualmente por el fotógrafo, así como las diferentes series realizadas sobre temas concretos a lo largo del tiempo. Michals tiene 84 años y sigue creando: haciendo fotografías e inventando técnicas que respondan a su necesidad de expresarse. | Més informació

9. Weegee by Weegee | Foto Colectània

Hasta el 5 de noviembre de 2017. La exposición sobre Weegee, producida por Foto Colectania y la Fundación Banco Sabadell, reúne más de cien fotografías de época de una de las mejores colecciones fotográficas del mundo, M. + M. Auer de Suiza, en una cuidada selección estructurada a partir de los libros de Weegee y publicaciones en prensa. Al Nueva York convulso de los años 30 y 40, Weegee era un reportero gráfico freelanceque publicaba en todos los grandes diarios y que convirtió el crimen en espectáculo. Siempre alerta, llevaba el coche una radio sintonizada con la frecuencia de la policía que le permitía llegar el primero a la escena del crimen. Su técnica, de duros contraluces, daba a las fotos un aura de verismo y dramatismo que sigue impactando el espectador.| Más información

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Akram Zaatari | Against Photography | MACBA, Barcelona

Akram Zaatari | Against Photography
Museu d'Art Contemporani de Barcelona, MACBA
From April 07 to Setembre 25, 2017.

The archives of the Arab Image Foundation in Beirut, Lebanon, encompass a plethora of photographic material from the Middle East, North Africa and the Arab Diaspora. Initiated and developed by artists interested in photographic preservation, the AIF emerged as a place dedicated to the understanding of photography and the practices of collecting, preserving and sharing images. The AIF's initial collection was a result of research generated by artists' projects, leading to a new type of institution and a different approach to photographic heritage. The archive has since grown to include a vast array of other collections, ranging from vernacular snapshots to formalised studio compositions.

Beyond showcasing a wide spectrum of visual representations of the Arab world, artists who constituted or used AIF's collection addressed radical questions about photographic documents and their function in our times. Projects engaged the writing of histories concerning the practice of ordinary people, small events and a society in general, resulting in new discourses related to the medium.

Far from presenting a historical account of the AIF, this exhibition presents an artist's perspective, which is critical for understanding the organisation's practice. Through Akram Zaatari, one of AIF's founding members who played a key role in its development, the exhibition reflects on AIF's 20-year history and the multiple statuses of the photograph, as descriptive document, as object, as material value, as aesthetics and as memory. Zaatari's expansive work on photography and the practice of collecting, takes an archaeological approach to the medium, digging into the past, resurfacing with new narratives and resituating them in the contemporary.

The exhibition will look at the dual status of the AIF itself, as an archive of photographic and collecting practices and as an artist-led initiative that left a visible mark on the artistic landscape of its times, signalling significant moments in its history and the critical debates generated throughout its evolution. Past projects and new artist productions related to the collection will be presented.

An exhibition catalogue will be published with an essay by Mark Westmoreland about Akram Zaatari's artistic practice and his relationship with the AIF, a conversation between Chad Elias and Akram Zaatari, and a selection of annotated and illustrated collection entries from the archive by Ian B. Larson. The book will also include a selection of new work by the artist.

Exhibition organised by the Museu d'Art Contemporani de Barcelona and the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea.

Curators: Hiuwai Chu and Bartomeu Marí

*Copyright: Akram Zaatari, Safety Film, 2017. Close-up of a 35mm negative by Antranick Bakerdjian, Jerusalem, 1950s. Courtesy of the artist.

+ info: http://www.macba.cat/en/exhibition-akram-zaatari

#museus #agenda #exposicions #fotografia #cinema #artistes #catalunya #barcelona #en #europe

Björk Digital | Centre de Cultura Contemporània de Barcelona, CCCB

"Björk Digital" is an immersive virtual reality exhibition that presents the digital and video works produced by the collaboration of the iconic Icelandic artist and some of the world's best programmers and visual artists.The show arrives at the CCCB after visiting Tokyo, Sydney, Montreal, Reykjavik, London and Los Angeles and is the only chance to visit the exhibition in Spain.

At "Björk Digital" you can immerse yourselves in the particular musical and artistic universe of Björk. A 90-minute tour that enables you to live, in the first person, a sensorial, almost theatrical experience of connection with the artist.  

Inspired by Björk's own discography and especially by her latest album Vulnicura, the experience combines performance, cinema, installation, video and interaction and includes audiovisual pieces produced with the latest in virtual reality technology.

The project was created by Björk in collaboration with visual creators such as Michel Gondry, Spike Jonze, Alexander McQueen, Nick Knight, Stéphane Sednaoui and the more recent Jesse Kanda, Andrew Thomas Huang, Warren du Prees and Nick Thornton Jones, among others.

The exhibition comes to the CCCB after passing through Tokyo, Sydney, Montreal, Reykjavík, London and Los Angeles and it offers a unique chance to visit it in Catalonia.

Dates: 14 June - 24 September 2017

Museum: Centre de Cultura Contemporània de Barcelona, CCCB

Country: Catalonia, Europe

#en #europe

Nova publicació "Oteiza en Alicante" de la Fundazio Museoa Jorge Oteiza

La publicació "Oteiza en Alicante. El monumento al foguerer, 1972" recupera la memòria del projecte desenvolupat per l'artista. Jorge Oteiza es va enfrontar, durant 1972, a un particular encàrrec: la creació del monument al foguerer, personatge clau i representatiu de les Fogueres de Sant Joan, que havia de situar-se en la Plaça d'Espanya d'Alacant. Encarregat per l'Ajuntament de la localitat, l'obra finalment no es va dur a terme, però la proposta d'Oteiza aporta una r
reflexió sobre el sentit de l'art com a activador i resimbolizador de l'espai públic, que roman vigent en el temps.

"Oteiza en Alicante. El monumento al foguerer, 1972" aporta un exhaustiu relat i nombrosa documentació inèdita que clarifica la història d'aquesta fallida intervenció. Martín Noguerol i Joan Calduch són els autors d'aquesta obra, que constitueix el novè títol de la col·lecció "Cuadernos del Museo Oteiza", i que ha estat editada per aquesta entitat, en col·laboració amb l'Ajuntament d'Alacant i el MACA, Museu d'Art contemporani d'Alacant.


La publicación "Oteiza en Alicante. El monumento al foguerer, 1972" recupera la memoria del proyecto desarrollado por el artista. Jorge Oteiza se enfrentó, durante 1972, a un particular encargo: la creación del monumento al foguerer, personaje clave y representativo de las Fogueres de Sant Joan, que debía situarse en la Plaza de España de Alicante. Encargado por el Ayuntamiento de la localidad, la obra finalmente no se llevó a cabo, pero la propuesta de Oteiza aporta una reflexión acerca del sentido del arte como activador y resimbolizador del espacio público, que permanece vigente en el tiempo.

La publicación "Oteiza en Alicante. El monumento al foguerer, 1972" recupera la memoria de este proyecto, aportando un exhaustivo relato y numerosa documentación inédita que clarifica la historia de esta fallida intervención. Martín Noguerol y Joan Calduch son los autores de esta obra, que constituye el noveno título de la Colección  "Cuadernos del Museo Oteiza",  y que ha sido editada por esta entidad, en colaboración con el Ayuntamiento de Alicante y el MACA, Museo de Arte Contemporáneo de Alicante.

Fundazio Museoa Jorge Oteiza
C/ de la Cuesta,24 
31486 Alzuza, Navarra 

#museus #escultura #artistes #PaisValencia #Alacant #patrimoni #història #ca #es #europe #llibres 

Launch of Bombas Gens Centre d'Art | València, País Valencià

Launch of Bombas Gens Centre d'Art
A new contemporary art center in València, País Valencià

The private Foundation Per Amor a l'Art presents its contemporary art collection, built with the artistic advice of Vicente Todolí in the last seven years, in the Art Center Bombas Gens: an Art Déco geometric style building located in an old factory from the 1930s. It is a unique gem of Valencian industrial heritage with a surface area of 6,200 square metres. The comprehensive collection is composed of national and international artists, with a special interest in photography and abstract languages in painting and sculpture. Constantly growing, it boasts more than 1,500 works from more than 150 artists. Nuria Enguita is the director of the Art Center.

Fundació Per Amor a l'Art is a foundation dedicated to art (seeking to heighten artistic sensibility in society by showing its Per Amor a l'Art collection to the public), research (studying and promoting aspects related with Wilson's disease and other rare illnesses) and social action (concerned with the poor and underprivileged, particularly children in situations of vulnerability).

The opening programme includes the following exhibitions:

Bleda y Rosa. A Geography of Time

Bleda y Rosa. A Geography of Time surveys 25 years' work by María Bleda (Castelló, 1969) and José María Rosa (Albacete, 1970) based on the series Campos de batalla, a recently finalised project depicting battlefields which begun in 1994 and will be shown in its entirety for the first time. The show opens with Campos de Futbol (1992-1995), the duo's first publicly acclaimed project, a series showcasing football pitches which established a dialectic between place, time and memory and thus laid the conceptual foundations for their later work. The exhibition also includes works from the series Origen (2003-) and Prontuario. Notas en torno a la Guerra y la Revolución (2011-).

Curator: Nuria Enguita

Ornament = Crime?

Based on a wide-ranging selection of artworks from the Per Amor a l'Art collection, the exhibition takes a look at the bonds and divergences between the ornamental and abstraction beyond the confines of historic debates.

The title of the exhibition is a riff on Ornament and Crime, the essay written in Vienna in 1908 by the architect Adolf Loos, which became a kind of manifesto for disornamentation in art and architecture in the 20th century. At the same time, modernist thinking and the first theoretical essays on abstraction advanced a radical separation between art and decoration. The fear that abstraction could be considered as a mere decorative exercise connected to the real and devoid of spirituality and purity, led to the condemnation of ornamentation, which was perceived as a threat to the emancipatory potential of aesthetic experience.

It includes works by Heimo Zobernig, Akira Sato, Cristina Iglesias, Juan Uslé, Teresa Lanceta, David Reed, Anna-Eva Bergman, Aaron Siskind, Renger-Patzsch, Araki, Ángela de la Cruz, Harry Callahan, Herbert Franke, Imogen Cunningham, Robert Mapplethorpe, Esteban Vicente, Inma Femenía, and Hans Peter Feldmann, among others.

Curators: Nuria Enguita and Vicente Todolí

Histories of Bombas Gens:

This exhibition explores the history of Bombas Gens, from when it was first built until today, and it does so through a series of images, objects and eye-witness accounts that examine the architecture, the work inside the factory, and the surrounding urban environs. The exhibition includes a series of photos of the factory taken by Manolo Laguillo.

Curators: Paloma Berrocal and Nuria Enguita

Bombas Gens Centre d'Art 
Av. Burjassot, 54
46009 València, País Valencià

#en #europe #PaisValencia #museus #patrimoni #exposicions #inauguracions #agenda 

Lluís Lleó | Morpho’s Nest in a Cadmium House | New York i Galeria Marc Domènech, BCN

Lluís Lleó

"Morpho's Nest in a Cadmium House"
The Park Avenue Paintings  

Fins : 31.07.2017
Park Avenue - Between 52nd and 56th, New York City

"Aquestes pedres són, el refugi i el recer d'allò fràgil, delicat i fugisser. Un lloc en el que hi nien els somnis que tots tenim. Que no mori la pintura!, que surti del meu estudi, que s'amari de pluja i s'assequi amb el sol i que la brisa primaveral l'acaroni. The Cadmium House és aquell lloc pur que un somnia trobar a la vida. Aquell lloc on descansen els records i on s'homenatja l'art anterior al nostre, aquell lloc segur anomenat història on tantes coses son inamovibles." (Lluís Lleó)

"Com va néixer aquesta idea?"

Coincidint amb aquesta instal·lació a NYC, hem dedicat un espai de la galeria per mostrar una selecció dels estudis preparatoris, maquetes i dibuixos que l'artista va realitzar per a dur a terme aquest projecte.  
Galeria Marc Domènech

Ptge Mercader 12, bxs
08008 Barcelona
T: 935 95 14 82

Dilluns a divendres de
10h. - 14h. i de 16.00h. - 20.00h.
Dissabte amb cita prèvia.

#barcelona #galeries #exposicions #agenda #ca #america #europe #catalunya #escultura #artistes


Travesía cuatro I José Dávila I Hamburger Kunsthalle, Hamburg

+ info: www.travesiacuatro.com

#en #europe #germany

La memòria dels intents | Gabriela Bettini | Galeria Silvestre, Tarragona

La memòria dels intents, 2017. Oli sobre llenç 55X65cm.

La memòria dels intents | Gabriela Bettini 

Inauguració 13 de maig a partir de les 12h 

13 maig - 30 juny 2017 

Galeria Silvestre
Tarragona, Catalunya

En 1944, quan Clarice Lispector tot just tenia 23 anys, publicava una de les obres fonamentals de la literatura moderna, A prop del cor salvatge, una novel·la a manera d'autobiografia (sense ser-ho) que era també un qüestionament sobre si la paraula és suficient per a la comunicació humana.

Quaranta-quatre anys més tard, a Nicaragua, Gioconda Belli publicava La dona habitada, una complexa novel·la que relata la història d'una dona convertida en guerrillera que intenta, en últim lloc, trobar-se a si mateixa.

No és casualitat que sigui la literatura d'Amèrica Llatina i les veus dels seus escriptores que hagin deixat un pòsit de compromís, lluita i poètica com poques en els últims anys. La possibilitat de rebel·lar-se contra l'opressió i utilitzar la creació artística com a fil narratiu van de la mà en el continent.

El mateix passa en les arts visuals. En les obres que presenta Gabriela Bettini a Galeria Silvestre hi ha molt de tots dos: de qüestionament i de poètica, aquesta última treballada des del visual.

La tècnica pictòrica, tan carregada de significat i pes per la seva trajectòria històrica, no es desenvolupa exempta del pensament dominant de cada època i reflecteix la forma en què es mira en cada moment. Quan es parla de pintura de paisatges, i especialment dels pintors viatgers a Llatinoamèrica, l'acadèmica Estrella de Diego assenyala que "es pintava el que es creia estar veient". Són obres que construeixen més que reflecteixen; els paisatges són versions d'aquesta Amèrica que aquests artistes portaven d'Europa, amb una mirada tamisada per l'estereotip d'aquest continent salvatge, inabastable i per descobrir. I és que aquesta idea romàntica del paisatge americà suposava una conquesta no només amb la força sinó també amb la representació. Un imaginari d'allò que es creia que era Amèrica als ulls occidentals per a res interessats en les particularitats de cada context.

I avui? ¿S'ha superat aquesta visió hegemònica? Gabriela Bettini porta al present aquests plantejaments i mostra aquí aquestes dues visions de la representació pictòrica: què és el que s'està veient i com es representa. Però a més fa un pas més enllà, i en el que aparentment són pintures de paisatges, inspirades en les dels viatgers de la XVII com Frans Post, afegeix una mica més.

Si Lispector es preguntava sobre la possibilitat de la paraula per expressar, Bettini retorna aquesta pregunta al visual, i presenta a la galeria una sèrie de paisatges on han ocorregut feminicidis contra defensores de la natura i els recursos naturals, com la Berta Càceres. Aquests assassinats suposen una sagnia tal que l'antropòloga feminista Marcela Lagarde considera que haurien de ser una tipologia pròpia entre els feminicidis. L'assassinat massiu de les dones que no callen davant l'opressor.

Aquesta dislocació visual, que en les pintures de Bettini obliga a mirar dues vegades, ens situa, com a públic, en un lloc incòmode. Més enllà del simple paisatge que s'observa, la segona lectura crítica sobre la qual l'artista es deté ens fa sacsejar a la nostra posició. El paisatge pot ser també el lloc de la barbàrie, no només del aparent delit.

Aquest exercici de segona lectura, de paisatge com a testimoni del que va passar, és una lectura inversa a la que feien els pintors del XVII. Aquesta mirada prejudicis que portaven d'Europa i reproduïen en les seves obres, passa aquí a convertir-se en una segona mirada crítica, necessària per entendre el paisatge (social) del continent. Aquesta duresa de mostrar així, com a reflex i metàfora de crims massius a Amèrica Llatina, recorda a la feina de la mexicana Teresa Margolles, que el 2013 retratava aquests arbres que a les ciutats mexicanes havien estat testimonis de la violència.

No obstant això, en aquestes obres de Bettini res obstaculitza, en un primer moment, la contemplació estètica del paisatge mateix, que es mostra en totes les seves possibilitats pictòriques, amb un gran domini de la tècnica per part de l'artista. És aquesta segona lectura a la qual Bettini ens convida a llegir despréstambé un tret que presenta a l'artista com compromesa, no renunciant a les possibilitats de la pintura mateixa, però amb un desig per denunciar i posicionar-se.

Semíramis González

Galeria Silvestre
Carrer Real, 60-62 
43004 Tarragona, Catalunya 
t. (+34) 915.991.918 
t. (+34) 600 696 894

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Travesia Cuatro I Opening Frieze NY I May 5 - 7


#en #america