Friends with Books: Art Book Fair Berlin 2016, #Europe


Friends with Books: Art Book Fair Berlin 2016
December 9–11, 2016

Opening: December 9, 6–8pm

Hamburger Bahnhof - Museum für Gegenwart - Berlin
Invalidenstrasse 50/51
10557 Berlin
Germany

www.friendswithbooks.org


Friends with Books: Art Book Fair Berlin 2016 takes place on the weekend of December 9–11, 2016, at Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin as Europe's premier event for contemporary artists' books and periodicals by artists and art publishers. Featuring 160+ international participants and a series of public programmes: discussions, readings, presentations, performances, and art works that explore the perimeters of today's art publishing. Admission is free.

For the complete list of the 160+ Friends with Books 2016 participants, visit here.

The public programmes series Are You Friends with Books...? features lectures, performances, conversations, and panel discussions presented in partnership with Witte de With Center for Contemporary Art: Defne Ayas; GAGARIN – The Artists in Their Own Words: Wilfried Huet and Olaf Nicolai; Broken Dimanche Press: John Holten and Jonathan Monk; Sternberg Press: Lou Cantor and Ariane Müller (Starship); DHL – Drucken Heften Laden: Uwe Sonnenberg and Christian Berkes (botopress), Jörg Franzbecker and Heimo Lattner (Berliner Hefte), Achim Lengerer (Scriptings), Yves Mettler (Zeitschrift), Janine Sack (A Book Edition), and Simon Worthington (Mute); Salon Verlag & Edition: Gerhard Theewen (Salon) with Karin Sander; Camera Austria International: Stefanie Seufert and Reinhard Braun; Edition Patrick Frey: Daniela Comani and Doron Sadja; brumaria: Darío Corbeira, Jorge Miñano, Miguel Ángel Rego and Hugo López-Castrillo, and others.

The public programmes schedule is available here.

The temporary exhibition, it is this flash itself that seduces, explores pleasures inspired by texts and images from books, with artworks on view by Bettina Allamoda, Marc Bijl, Beni Bischof, Brian Kennon, and Jasper Sebastian Stürup, and a performance by Discoteca Flaming Star.

Also on view are solo installations by recent artists-in-residence at Künstlerhaus Bethanien, Sveinn Fannar Jóhannsson and Lewis & Taggart/The Museum of Longing and Failure.

More about the artworks and performance here, and installations here.

The annual Friends with Books Poster Editions by Berlin artists features a new poster edition by Monica Bonvicini; 25 of each edition are signed and numbered and benefit Friends with Books at a special offer. Additionally, Erik Steinbrecher has created a new edition to benefit Friends with Books, SCREW, 2016, bronze, edition 5.

More information about Friends with Books Editions is available here.

Friends with Books is a non-profit organisation founded in 2014 offering greater visibility to contemporary artists' books and art publications, including an annual art book fair, public programming, and partnerships with art organisations and institutions, facilitating the engagement of diverse audiences with the book works of artists and publishers worldwide.

Support
With Support by Nationalgalerie, Staatliche Museen zu Berlin; District Cultural Fund of Berlin-Mitte; and the Kingdom of the Netherlands.

#europe #en #Berlin

Essència de la Mediterrània | Sala d'Exposicions Llotja del Peix | Alacant, País Valencià



ESSÈNCIA DE LA MEDITERRÀNIA
Antonyo Marest

L'artista urbà Antonyo Marest després de recórrer gran part del globus terraqüi realitzant múltiples exposicions, intervencions murals, customitzacions i dissenys, torna a la ciutat que el va veure créixer: Alacant. I ho fa amb ESSÈNCIA DE LA MEDITERRÀNIA, una mostra individual que dedica al seu estimat Mediterrani.

El sentiment de "el mediterrani" banya totes les peces creades expressament per a l'exposició, on la cultura mediterrània, el seu clima, la llum, la seva gent i l'aroma es barregen amb els records d'infància. Presentant el mar Mediterrani com a símbol d'unió de passat, present i futur.

L'obra de Antonyo Marest, influenciada pel postgraffiti, l'arquitectura i el disseny, es submergeix en un món d'abstracció geomètrica on les seves tonalitats i estampats es nodreixen de la llum, el color i els materials de la zona. El projecte ESSÈNCIA DE LA MEDITERRÀNIA, banyat en els tons blaus de la mar, reuneix obres creades per i per a la ciutat d'Alacant. On el seu paisatge es transforma en geometria i abstracció pura.

La pètria línia de l'horitzó juga amb les vigoroses ones del mar i la seva brisa marina, mentre el blau del mar sembla reflectir-se en el cel infinit. Línies que mostren diferents camins a la vida, marcant una cadència rítmica de temps i espai.

ESSÈNCIA DE LA MEDITERRÀNIA ens submergeix en un viatge a través de la pintura, escultura i instal·lació, sense oblidar a la naturalesa i l'urbà com a inspiració. Entre les diferents obres, que es converteixen en punts cardinals, mapes astrals i cartes de navegació, destaca una composició de 100 quadres de 50x50cm que ens introdueix en un mar de sentiments, records i passions materialitzades mitjançant el singular llenguatge artístic de Marest. Dos grans instal·lacions escultòriques, Dol a la mar i Marees de lluna, que ens parlen d'un passat que obre les portes al futur mitjançant una nova resignificació. Un gran mural que fa de pont entre l'art urbà i l'art expositiu, proposant una reflexió sobre com aquest art conviu al carrer (exterior) ia la sala expositiva (interior). I vuit pintures circulars que capturen els vuit vents que assoten la mar Mediterrània.

Amb Antonyo Marest ens tirem a la mar ...

Oscar García García
Comissari de l'exposició

ESSÈNCIA DE LA MEDITERRÀNIA 
Antonyo Marest
Del 15 de desembre al 28 febrer 2017

Sala d'Exposicions Llotja del Peix, Alacant, País Valencià.

#PaisValencia #exposicions #pintura #inauguracions #Alacant #agenda #ca #europe

Presentació de 'Cartes des del Bosc' | Bárbara Sánchez Barroso | La Capella - Llibreria Calders



Projecció, conversa i presentació de la publicació
CARTES DES DEL BOSC de Bárbara Sánchez Barroso
Projecte seleccionat a la convocatòria BCN PRODUCCIÓ - La Capella

Divendres 9 de desembre, a les 19.30 h
LLIBRERIA CALDERS
Participants: Bárbara Sánchez, Ariadna Guiteras i Mireia Sallarès

Cartes des del bosc és un projecte sobre la vivència del bosc que s'ha exposat recentment a l'Espai Cub de La Capella i que consistia d'una sèrie de correspondències entre casa de l'artista al bosc d'Anglaterra i La Capella a Barcelona. Cartes filmogràfiques que, fent servir el documental i homenatjant Chris Marker i Harun Farocki, i les correspondències entre Víctor Erice i Abbas Kiarostami, volen utilitzar aquests temes, entre altres, per reflexionar sobre la vida als boscos, per intentar esbrinar si Thoreau tenia raó quan va escriure que viure al bosc és viure la vida de forma real, o si tan sols es tracta d'una romantització de la naturalesa.

L'activitat a la llibreria Calders començarà amb la projecció de les videocartes que articulaven l'exposició. A continuació es farà la presentació de la publicació resultant, i s'obrirà un debat sobre la "romantització" de la natura i les seves contradiccions, la relació entre ecologia i feminisme, la crítica del consumisme i la desobediència civil concebuda per Thoreau.

Organitza: La Capella 
web: http://lacapella.bcn.cat/
Data: Divendres 9 de desembre a les 19.30h
Lloc: Llibreria Calders
Adreça: Passatge de Pere Calders, 9 - Barcelona, Catalunya
Entrada lliure

#galeries #exposicions #agenda #catalunya #barcelona #videoart #vídeo #llibres #conferències #europe #ca


'Alberto Schommer... hacia la modernidad' | Kutxa Kultur Artegunea en Tabakalera | Donostia, Euskadi

Alberto Schommer…hacia la modernidad
Del 2 de diciembre de 2016 al 19 de marzo de 2017
Kutxa Kultur Artegunea en Tabakalera
Donostia/San Sebastián, Euskadi

Gran retrospectiva sobre la obra fotográfica de Alberto Schommer llega a Kutxa Kultur Artegunea en Tabakalera de San Sebastián, Euskadi (País Vasco). Alberto Schommer…hacia la modernidad, una muestra muy completa de la obra del artista vitoriano, es la propuesta expositiva de Kutxa Kultur Artegunea en el segundo año de vida de la nueva sala en el edificio Tabakalera.

La exposición, que permanecerá abierta desde el 2 de diciembre de 2016 hasta el 19 de marzo de 2017, se compone de 87 obras y repasa la trayectoria de quien es considerado genial artista y padre de la fotografía moderna en España y Europa.

Todo el trabajo de Schommer se ha caracterizado por una poderosa personalidad y una constante voluntad de ruptura formal que le ha llevado a explorar todo tipo de territorios estéticos. Aquí está su plataforma hacia la Modernidad. Con esta exposición, Kutxa Kultur Artegunea da comienzo a una programación que la sala dedicará íntegramente a la fotografía en 2017.

La mayoría de las obras que se muestran pertenecen a la colección del Museo de Bellas Artes de Bilbao, como parte de la donación que realizó Alberto Schommer al museo tras la exposición Alberto Schommer. Retrospectiva1945-2009 comisariada por Alejandro Castellote en 2016. La muestra se complementa con obras no tan conocidas pertenecientes a la Fundación Schommer, según selección de Nicolás Casla, sobrino del fotógrafo.

"La obra de Schommer, es toda una vida. Toda la vida que él ha entregado al arte por supuesto, pero también adicional. Con sus fotos Schommer ha producido una segunda colectividad humana, con sus ciudades sus parques, sus bailes, sus gobernantes, sus obispos, sus niños y sus fantasmas. Un universo, en fin, que siempre quedara como el testimonio de un artista, que al trabajar confería a su obra incontables dosis de amor y de poesía e interminables maneras de verla y contarla", en palabras de Vicente Verdú.

Las fotografías que conforman la exposición están reunidas en series y se han dividido en tres grandes ámbitos:

Primera época

Comprende la década de 1950 a 1960. Realiza en Vitoria-Gasteiz, su ciudad natal, sus primeras imágenes, como un ejercicio de afirmación de autor: cuidadas composiciones con una gramática personal, alejadas del reinante pictoralismo tardío. Entra en el colectivo AFAL, un grupo de fotógrafos con los que comparte sus renovadoras inquietudes y realiza sus primeras exposiciones dentro y fuera del país. Continúa explorando nuevas soluciones formales emparentadas con la fotografía subjetiva alemana, que transparentan la influencia de la estética neorrealista del cine italiano o los ensayos de carácter humanista de las grandes revistas ilustradas internacionales. Ya en Madrid frecuenta el colectivo ZAJ, fotografiando su estética musical y conforma el grupo Orain, de manos de su amigo Jorge Oteiza, junto al Gaur de Gipuzkoa al Emen de Bizkaia y al Danok de Navarra, propiciando una renovación a la plástica vasca de vanguardia.

Paisajes y escenarios urbanos

En la serie de Máscaras iniciada en 1985, Schommer se codeó con cuadros de los maestros Velázquez o Goya en el Museo del Prado, en mayo del 2014. Mediante una sola luz cenital y de una manera casual, surgió esta serie de rostros, en los que el paso del tiempo, convierte la arruga de los protagonistas en metafóricos paisajes de su biografía, guardando una similitud conceptual con los paisajes negros.

Puesta en escena y Experimentación

Alberto Schommer escapa de la mera transcripción de la realidad y acumula trabajos que se instalan en los límites fotográficos sirviéndose de todo tipo de técnicas y soportes ligadas a la experimentación formal. Buena muestra de ello son sus Retratos psicológicos, publicados en el dominical del periódico ABC, en 1972. Con el estilo barroco de sus retratos, cercanos a una estética surrealista, consiguió escenificar el poder, la economía y la cultura de la sociedad española, entre 1970 y 1980, para posteriormente y a través del diario El País, llegar a ser una crónica visual de la transición.

Schommer da rienda suelta a su imaginación y consigue dar vida a metacrilatos de color, vidrios, espejos rotos, cables de acero, hasta alcanzar esta serie de bodegones contemporáneos en una especie de "fotopintura", que recuerda a sus primeros óleos. Otra casualidad le llevó en 1973 a sus primeras Cascografias, mediante el craquelado previo del papel fotográfico. Posteriormente evolucionarían hacia esculturas fotográficas, añadiéndole una tercera dimensión física, conceptual y atemporal, semejante a las texturas resultantes al deterioro de las esculturas clásicas.

Biografía

Alberto Schommer nació en Vitoria-Gasteiz en 1928. Hijo del fotógrafo alemán Alberto Schommer Koch y de la vitoriana Rosario García, comenzó su carrera artística como pintor. Aunque también trabajaba en el estudio de su padre.

En 1952 viaja a Hamburgo a estudiar fotografía. Sigue pintando y viajando por Europa visitando museos. Su mente inquieta y consciente de que la fotografía era la técnica con la que quería contar la realidad, hicieron que abandonara definitivamente la pintura, para dedicarse de lleno a la fotografía.

En 1960, tras cruzarse en su vida el director de la agencia Publicis, una de las mayores empresas francesas de publicidad, viajó a París. Conoció a los grandes fotógrafos parisinos y fue contratado por Cristóbal Balenciaga como fotógrafo oficial de la Casa. De nuevo en casa, durante un tiempo fotografiará a todas las personalidades que pasaron por Vitoria. Trata de aportar una mirada diferente al clásico mundo del retrato. También trabajó haciendo fotografías industriales para conocidos arquitectos.

En 1966, se instala en Madrid y su éxito es tan grande que tiene que cambiar su estudio en la calle Ferraz por otro más grande con plató para poder realizar anuncios. Trabajó para ABC y El País y fue el fotógrafo oficial del rey Juan Carlos, con quien dio la vuelta al mundo en sus múltiples viajes.

1989 supone un punto de inflexión en su carrera, deja el mundo del retrato en lo más alto, y vuelve a echarse a la calle con cámaras de pequeño formato como en sus primeros años. En 1996 ingresa en la Real Academia de San Fernando, con el discurso titulado: "Elogio de la fotografía", en el que afirma que "la fotografía es el modo de enseñar el mundo tal y como es".

En 2013 recibe el Premio Nacional de Fotografía. Uno de los aspectos que más valoró el jurado para concederle el premio fue su carácter innovador. 2014, fue en palabras del propio fotógrafo "un año de soledad y de éxito". Por la muerte de su mujer y por convertirse en el primer fotógrafo en exponer en el Museo del Prado.

Muere en su casa donostiarra el 10 de septiembre de 2015, dejando un legado de más de 60 libros en los que se recogen sus famosas series de fotografías.

Kutxa y la Fotografía

La de Alberto Schommer es la segunda exposición de Kutxa Kultur Artegunea. La primera, el año pasado, fue Historias compartidas. El siglo XX en la Colección Kutxa, que ha recibido más de 100.000 visitantes.

Kutxa siempre ha tenido un especial compromiso con esta expresión artística, compleja y heterogénea, que viene siendo un eje importante en la programación de las otras salas de exposiciones de Kutxa Fundazioa. Sin olvidar el esfuerzo de recuperación, conservación y difusión de la fotografía que realiza por medio de la Fototeka Kutxa, ubicada en el mismo edificio de Tabakalera.

Kutxa Kultur Artegunea en Tabakalera
www.kutxakulturartegunea.eus
Plaza de las Cigarreras, 1
20012 Donostia/San Sebastián, Euskadi

Horario: De martes a domingo de 11.30 a 13.30 y de 17.00 a 21.00 horas. Entrada libre.

 
#europe #es 

Conversa entre l'artista Erick Beltran i Inés García | Galeria Joan Prats, Barcelona



ERICK BELTRÁN El doble de las mil caras, 2016. 250 impressions de 84 x 119 cm i de 90 x 200 cm, mides variables


 
Inés García López. Doctora en Filologia Alemanya amb la tesi "El periplo de los Hávamál en los países de habla germánica: aspectos de su recepción ecdótica, traductológica y teórico-crítica", sent la seva especialitat la recepció de la poesia medieval nòrdica. És professora i investigadora a la Facultat de Filologia de la Universitat de Barcelona des del 2007. 

Va obtenir el Diploma d'Estudis Avançats amb la investigació: Europa i Islàndia: la problemàtica del sistema cultural a l'Escandinàvia medieval després d'una estada d'investigació de quatre mesos al Institut für Nordische Philologie de la Universität Münster (Alemanya) al 2008. És a la Universitat de Mälardalen (Suècia) on va realitzar la seva formació com a escandinavista. Ha fet estades de recerca a la Universität Wien (Àustria), a la Universitat dels Vestfirðir (Háskólasetur Vestfjarða) a Ísafjörður (Islàndia) al 2012, on va estudiar les sagues i la traducció del norrè a l'anglès, i al 2014 i al 2015 a l'Institut Árni Magnússon per als estudis islandesos de Reykjavík (Islàndia). És Directora dels Cursos d'Extensió Universitària: "Les Sagues Islandeses I", "Les Sagues Islandeses II: la vessant norrena del mite dels nibelungs", i "Les Sagues Islandeses III: els viatges dels homes del nord", iniciativa pionera en el marc universitari de tot l'Estat espanyol. 

Actualment també treballa a l'Escola Bloom donant un Seminari de lectura de literatura nòrdica, i al febrer del 2017 donarà una sessió sobre "La narració dels espais mítics a les fornaldarsǫgur: els Glæsisvellir (els camps resplendents) i els Ódáinsakr (els camps del no-mort) a la quarta edició de "Les Sagues Islandeses" a la Universitat de Barcelona.

Galeria Joan Prats
Carrer Jaume Balmes, 54
Passatge Saladrigas, 5
Barcelona, Catalunya
www.galeriajoanprats.com

 #galeries #exposicions #agenda #Catalunya #conferències #Barcelona #Europe #Cat

 

Masterclass sobre Marketing relacional a la Tate Gallery | Universitat Internacional de Catalunya


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Masterclass que la Sra. Beatrice Burrows, responsable de l'àrea de Màrqueting relacional a la Tate Gallery de Londres, impartirà a la Universitat Internacional de Catalunya el proper dilluns 12 de desembre de 2016 a les 18: 30h a l'Aula Jardí. 

La Masterclass amb el títol "Relationship Màrqueting at Tate" serà impartida en anglès i tractarà sobre com el Màrqueting relacional és un treball per conèixer i generar engagament amb les audiències de museus i galeries a partir de l'estudi de cas de la Tate Gallery. També s'analitzarà l'impacte de la creació d'aquest nou departament.

La sessió està dirigida als estudiants del Màster Universitari en Gestió Cultural i dels Postgraus en Gestió Cultural i en Museus i Patrimoni Cultural, però està oberta a professionals del sector i altres persones interessades.

 

Universitat Internacional de Catalunya
Facultat d'Humanitats

+ info: www.uic.es


#europe #cat #catalunya #conferències #agenda #escoles #tallers #

MANIC / LOVE / TRUTH / LOVE | Jordan Wolfson | Stedelijk Museum Amsterdam, Holland, Europe

 

Jordan Wolfson, Colored sculpture, 2016. Mixed media, overall dimensions vary with each installation. Collection LUMA Foundation. Courtesy the artist, Sadie Coles HQ, London and David Zwirner, New York, Photo: Dan Bradica.

November 25, 2016
Stedelijk Museum Amsterdam

Jordan Wolfson
MANIC / LOVE / TRUTH / LOVE
November 27, 2016–April 23, 2017

Stedelijk Museum Amsterdam
Museumplein 10
Amsterdam
The Netherlands

www.stedelijk.nl


The Stedelijk Museum Amsterdam presents American artist Jordan Wolfson's first Dutch solo exhibition MANIC / LOVE / TRUTH / LOVE. Wolfson's inaugural show in the Netherlands unfolds in two parts, both of which focus on his spectacular animatronic sculptures.

Beatrix Ruf, director of the Stedelijk Museum, says "Jordan Wolfson is one of the most outspoken minds and impressive artists of his generation. He has contrary attitudes about humanity in the current, fervent visual culture, and he conveys these ideas in striking images. At the Stedelijk, we enjoy working with young artists who reflect on contemporary life, something at which Wolfson excels. You don't just casually walk past his work; it seeks direct contact with the spectator. The exhibition will be a spectacular experience, one that everyone really must see."

The first part of Wolfson's show opens during Amsterdam Art Weekend, the annual, four-day event that spotlights contemporary art throughout the Dutch capital, and features Colored sculpture (2016), a discomfiting artwork laden with paradox. It is both a computer-controlled machine and animated "human" sculpture: intensely physical yet coolly abstract, endearing yet grisly. In this way Wolfson creates an alien, intuitive space for interaction between viewer and art object.

Also included are Wolfson's animated videos, which combine layers of traditionally shot and computer-generated footage that glide over each other. But before any coherent narrative forms, the layers separate, leaving us with a space beyond the reach of familiar interpretations. It appears as if Wolfson is less interested in the depicted themes, and more in the formal dynamic of animation as medium.

These works are enriched with Wolfson's wall-mounted digital objects—pristinely fabricated montages that are an integral element of Wolfson's artistic process. These artworks represent snap shots into Wolfson's mind's eye thinking wherein they directly harness and focus the language, transgressions and intention that occurs within the elaborate video animations and large scale figurative sculptures.

The first part of the exhibition is on view from November 27, 2016 until January 29, 2017. The second part of the exhibition opens on February 18, 2017 and features a video installation and Wolfson's first animatronic: Female figure (2014). This computer-controlled, hyper-sexualized blonde robotic woman flaunts the kind of outfit ordinarily worn by pop stars in music videos—a see-through miniskirt, high-heeled thigh boots, and long gloves. A device loaded with motion tracking software, concealed beneath a green, bird-like mask, enables her to lock eyes with viewers. While the woman speaks to them—accompanied by a soundtrack of pop songs—she performs a sophisticated choreography before the mirror, seductive yet grotesque, in an endless ballet of looking and being looked at.

Over the past decade the New York-born Wolfson (1980) has become known for his work in a variety of media, including video, sculpture, installation, photography, and performance. He borrows intuitively from the world of advertising, the Internet, and the technology industry, producing ambitious, enigmatic narratives. As a member of the post-internet generation of artists reflecting upon the increasing digitalization of society and developments in genetics, robotics, and cybernetics, Wolfson creates idiosyncratic content often featuring a series of fictitious animated characters. Wolfson's show is part of the Stedelijk Contemporary series, and builds on recent Stedelijk exhibitions by artists such as Ed Atkins, Avery Singer, and Jon Rafman, whose work explores new technologies and how they define us.

Jordan Wolfson: MANIC / LOVE / TRUTH / LOVE is curated by Beatrix Ruf, director Stedelijk Museum, and Martijn van Nieuwenhuyzen, curator.

The exhibition is made possible in part with generous financial support from LUMA Foundation, Fonds 21, VSBfonds, Fundación Almine Y Bernard Ruiz-Picasso Para El Arte, Sadie Coles HQ, and David Zwirner.

With special thanks to the members of the Jordan Wolfson Exhibition Circle: ProWinko Nederland B.V., Ringier Collection, and donors who wish to remain unnamed. The catalogue has been made possible by Joe and Marie Donnelly.

#europe #en

Joan Fontcuberta | Trauma | àngels barcelona, Barcelona, Catalunya



Joan Fontcuberta, Trauma # 02804, 2016, caixa de llum, 40 x 60 cm.

Joan Fontcuberta
Trauma
26.11.16 > 03.02.17
Inauguració: 26 Novembre - 12 h.

àngels barcelona presenta la quarta exposició individual a la galeria de Joan Fontcuberta. Amb aquest nou projecte, Fontcuberta es pregunta què passa quan una fotografia abandona la seva imatge, quan lliura la seva ànima. ¿Què resta quan una fotografia ja no assenyala una realitat cap a fora de si mateixa i només romà el substrat, el residu, a penes unes taques de substàncies químiques sensibles a la llum? ¿Què passa quan l'únic referent que li queda a una fotografia és la fotografia en si? Quan en una imatge, l'ànima –la informació– abandona el cos –el suport– esdevé un fantasma. Aquestes imatges-fantasmes son les que habiten els bastions de la memòria que són els arxius.

àngels barcelona presents Joan Fontcuberta's 4th solo show at the gallery. With his new project Fontcuberta reflects on what happens when a photograph abandons its image freeing itself from its soul. What's left when a photograph doesn't point towards a reality outside itself and only points at its substrate? When its residue remains in the shape of some light-sensitive chemicals? What happens when the only reference left to a photograph is photography itself? When the soul of an image - the information- leaves the body- the support- it becomes a ghost. These ghost-images inhabit the bastions of memory which are the archives.

Gallery Artists: Pep Agut / Efren Álvarez / Lúa Coderch / Peter Downsbrough / Marcelo Expósito / Harun Farocki / Esther Ferrer / Joan Fontcuberta / Jeanno Gaussi / Ion Grigorescu / IM Heung- soon / Daniela Ortiz / Mabel Palacín / Tristan Perich / Jaime Pitarch / Jorge Ribalta / Pedro G. Romero / Mireia c. Saladrigues / Mireia Sallarès / Michael Snow / Richard. T. Walker

àngels barcelona
c. pintor fortuny, 27 / T + 34 93 412 54 00
08001 Barcelona, Catalunya / http://angelsbarcelona.com

#galeries #exposicions #inauguracions #agenda #artistes #catalunya #barcelona #europe



Soineko Paisaia / Paisaje Dorsal | Nader Koochaki | Bilbo, Euskadi



Soineko Paisaia soinu artxiboaren entzunaldi jarraia + Argitalpenaren aurkezpena


Asteazkena, 30 Azaroa, 2016

Entzunaldia 09:00 – 21:18
Argitalpenaren aurkezpena – 19:00

Saio hau, Soineko Paisaia artxiboaren entzunaldi jarrai gisa plantetatzen da. Ehun eta hogeita hemeretzi soinu grabaketek osatzen duten hamaika ordu, hemezortzi minutu eta berrogeita hiru segundoko iraupeneko artxiboa, haren grabaketen kronologiari jarraituz, hasieratik bukaerara entzungai jarriko dugu. Bitarte horretan, soinu grabaketa guztien fitxak eskura egongo dira, ateak eta bozgorailuak zabalik, sarrera eta irteera libreko entzunaldi egoera bat sortuz. Arratsaldeko zazpietan, artxiboari forma berri bat ematen dion Soineko Paisaia 2009-2015 / Dorsal Landscape 2009-2015argitalpena aurkeztuko dugu. Argitalpen horretan, beste eduki batzuekin batera atondutako estutxean, hiru LP-tan jasotako laurogeita hiru artalde-grabaketen laginak jasotzen dira. Bertan dira, besteak beste, 2013an egindako Aralarrera txangoan jaso genituen hainbat grabaketa. Esperientzia hori hizpide izanik eta egitasmoan zehar jazotako beste hainbat gertakari aitzakiatzat hartuz, lanean sakontzeko aukera izango dugu goizeko hamarretan hasi eta gaueko bederatziak eta hemezortzi minututan bukatuko den saio honetan.
 
Testu osoa irakurtzeko: http://www.bulegoa.org/eu/orain

 

Escucha continuada del archivo sonoro Paisaje Dorsal + Presentación de publicación


Miércoles, 30 Noviembre, 2016

Escucha 9:00 – 21:18
Presentación publicación – 19:00
 
Esta sesión se plantea como una escucha continuada del archivo sonoro Paisaje Dorsal. Organizado en ciento treinta y nueve grabaciones que componen un total de once horas, dieciocho minutos y cuarenta y tres segundos, el archivo podrá escucharse, siguiendo el orden cronológico de las grabaciones, de principio a final. Durante ese periodo de tiempo, las fichas de todas las grabaciones de audio estarán disponibles, las puertas, abiertas y los amplificadores, encendidos, creándose una situación de escucha con entrada y salida libre. A las siete de la tarde, se presentará una nueva formalización del archivo, la publicación Soineko Paisaia 2009-2015 / Dorsal Landscape 2009-2015.
La publicación acoge, junto con otros contenidos organizados dentro de un estuche, una muestra de ochenta y tres grabaciones de rebaños en tres LP. Entre otras, se recogen algunas de las grabaciones realizadas en la salida a Aralar de 2013. Partiendo de esa experiencia, y tomando como excusa distintos momentos sucedidos a lo largo del proyecto, tendremos la oportunidad de profundizar en el trabajo en una sesión que comenzará a las diez de la mañana y terminará a las nueve horas y dieciocho minutos de la noche.
 
Texto completo en: http://www.bulegoa.org/ahora

 
Bulegoa z/b | Solokoetxe 8 bajo, 48006 Bilbao | www.bulegoa.org 

#europe #es
 

Dream Season | John Walter | London, England



Dream Season, Part 1 by John Walter

The fourth in our This is Public Space web commissions is now live at upprojects.com. Dream Season, Part One by John Walter, sees two characters – The Follower and The Followed – explore South London's Russia Dock Woodland during one night through to sunrise. The work is filmed on an iPhone exploring the role smartphones play in how we relate to the city through experiences such as cruising. Watch the commission here.

Dream Season Party

Still from Dream Season, Part One by John Walter. Image: John Walter

Join us Wednesday 30th November, 7-8:30pm, at The Glory, E2, for a screening of Dream Season, Part One & Two alongside a Q&A with John Walter, videographer Jamie Quantrill, actor Jamie Bradley and UP Projects' Kate Phillimore. An UP Projects event in collaboration with Tintype Gallery and The Glory. Tickets are free, RSVP essential, email here

UP Projects curates and commissions contemporary art for public places. We believe in working collaboratively with artists, communities and others to do this.

+ info: http://www.johnwalter.net/

UP Projects Limited
19 Links Yard
29A Spelman Street
London E1 5LX

T +44 (0)20 7377 9677

#europe #en

VOLTA: applications online for NY's 10th and Basel's 13th edition



VOLTA NY
Pier 90
New York, USA

VOLTA13
Markthalle
Basel, Switterland, Europe

www.voltashow.com

VOLTA NY, the premiere invitational solo project fair for contemporary art, celebrates its decade edition in New York at Pier 90 this March. VOLTA, Basel's art fair for new international positions, returns to Markthalle for its 13th edition in June. Applications are now open for both fairs, and for the first time VOLTA NY will accept proposals from serious inquiring galleries.

VOLTA NY
Wednesday, March 1–Sunday, March 5, 2017
VOLTA NY marks ten years of solo focus at its decade edition, March 1 through 5, 2017, exemplifying its commitment to emerging voices with a global reach as a viable and exciting alternative, now lately an irresistible programming element for even the largest art fairs.

In honor of the tenth anniversary, and for VOLTA NY 2017 only, the invitational fair will open its application for the one edition to submissions from galleries beginning November 18. Describing the process, VOLTA Artistic Director Amanda Coulson said, "While the consistency of our invited list throughout these past nine years is commendable, we do sometimes 'get in our grooves' and miss something exciting and superlative happening elsewhere. No matter my team's travels across the globe, no matter the other fairs we scout at or the vast networks of former exhibitors we trove from—no one is entirely omniscient, and thus I have instituted this drive to seek out exciting proposals in addition to what we've come to expect and love from our invited contingent."

Spaces are necessarily limited at the 2017 New York fair. Coulson added, "This decade edition is as much an opportunity to look forward and identify exciting contacts for the future, as much as it is a time to look back at what we have achieved and discovered thus far." Applications are due by December 9, 2016.

VOLTA13
Monday, June 12–Saturday, June 17, 2017
VOLTA returns to Markthalle for its 13th Basel edition from June 12 through 17, 2017. In addition to coinciding with Art Basel as usual, this coming year marks a certain "alignment of the stars": the concurrent exhibitions for documenta 14 (Athens, opening April 8 and Kassel, opening June 10); the 57th Venice Biennale (Venice, opening May 9); and the fifth Skulptur Projekte Münster (Münster, opening June 9).

Positioned as a platform for renowned international galleries beyond young art stalwart Liste and art market heavyweight Art Basel, and under curatorial direction of Amanda Coulson, VOLTA has for years exhibited consistently eclectic and dynamic presentations with a focus on solo projects and two or three artists in dialogue. All applications are due by January 27, 2017.

#america #europe #en


Mikhail Margolis | Galerie Charlot | Paris, France



La Galerie Charlot présente la troisième exposition personnelle de Mikhail Margolis. A cette occasion, l'artiste présentera une sélection d'œuvres récentes et inédites conçues spécialement pour l'exposition

VERNISSAGE le Jeudi 8 Décembre à partir de 18h.

Exposition du 9 Décembre au 22 Janvier 2017.



Galerie Charlot is presenting Mikhail Margolis third solo show. On this occasion, the artist will show a series of new video installations.

OPENING on Thursday December 8, from 6 pm onwards.

Exhibition from December 9 to January 22, 2017.


Galerie Charlot
47 rue Charlot
75003 Paris
www.galeriecharlot.com
tél : 01 42 76 02 67

du mardi au samedi de 14h à 19h
et sur rdv

#europe #en #fr

Isabel Muñoz | Spanish National Prize of Photography 2016 | N2 Galeria



Isabel Muñoz has been awarded with the National Photography Prize 2016 by the Ministry of Education, Culture and Sport an award endowed with 30,000 euros.

The jury highlighted "her artistic career, which combines the social commitment and the pursuit of beauty, delving into issues like the body, the ritual or the cultural diversity. With the uniqueness of her use of a traditional technique applied to a contemporary language, knower of her craft, her works reflect a look in permanent search."

In N2 we want to share the joy of seeing how the wonderful work of our dear Isabel Muñoz is recognized. We have had the honor of being the first gallery to exhibit Muñoz in Barcelona (2013) and we will also be the first gallery to take her work to a fair in Miami (Context Art Miami, from November 29th to December 4th).

This well-deserved award is added to a long list of recognitions obtained by Isabel Muñoz in the course of her artistic trajectory: she has won the World Press Photo award in 1999 (in the category Art &  Entertainment) and 2004 (in the category Portraits) was Photography Award of the Community of Madrid in 2006 and PHotoEspaña Prize in 2009. She also received the Medal of Merit in Fine Arts in 2009.

Her work is part of collections such as the Maison Europeenne de la Photographie (Paris) and the New Museum in New York, among others.


N2 Galeria
Carrer Enric Granados, 61, Barcelona, Catalunya
Barcelona, CT 08008


#europe #en


Bears & Bones | Coté Escrivà | Hell Gallery, Barcelona, Catalunya

Hell Gallery ultima els detalls de la propera exposició: 

Coté Escrivà i la seva exposició Bears & Bones s'inaugurarà el proper 1 de desembre a les 19,00 hrs. 

Vernissatge amb la presència de l'artista i música de la mà del Dj Vanity Dust.


Hell Gallery | Carrer Cendra, 8 bis | 08001 Barcelona
www.hellgallery.com


#galeries #inauguracions #agenda #barcelona #catalunya #comic #dibuix #exposicions 

Resplandor seco | Darío Villalba | Fundació Suñol, Barcelona, Catalunya



Uno roto,
1976. Tècnica mixta damunt cartró. 74 x 51 cm © Darío Villalba, VEGAP, Barcelona, 2016


Exposició
Darío Villalba | Resplandor seco
24.11.2016 – 11.03.2017

Inauguració dimecres 23 de novembre de 2016 a les 19 hores


Fundació Suñol
Passeig de Gràcia 98 | 08008 Barcelona | T 93 496 10 32
www.fundaciosunol.org

Horaris: De dilluns a divendres, d'11 a 14h i de 16 a 20h. Dissabtes, de 16 a 20h.
Diumenges i festius tancat

#exposicions #agenda #museus #catalunya #barcelona #inauguracions #europe


Vera y Victoria | Mar Sáez | Presentación del fotolibro en La Central del MNCARS, Madrid

Jueves 17 de noviembre a las 19:15 h, presentación del fotolibro "Vera y Victoria", de la artista Mar Sáez, en La Central del Museo Reina Sofía. Contaran con la intervención de Mar Sáez, autora del fotolibro y Antonio Pérez Río, fotógrafo y director de la escuela LENS.

VÍDEO SOBRE "VERA Y VICTORIA" | https://vimeo.com/126060369

MAR SÁEZ
Presentación del fotolibro "Vera y Victoria"
Editorial: André Frère Éditions
Librería La Central del Museo Reina Sofía (MNCARS), Madrid
17 de noviembre a las 19:15h

- Otros actos:
 
Firma de libros el 24 de noviembre a las 19 horas en el edificio Moneo de Murcia.

Exposición colectiva en Galerie Clémentine de la Féronnière 51 París.

Ampliada hasta el 20 de diciembre de 2016 la exposición individual en galería Kursala (Cádiz).

- Proyecto:

El día que Vera besó por primera vez a Victoria le confesó que era transexual. Fue en un parque. No cambió nada. Durante los cuatro años que pasaron juntas se amaron como nunca antes amaron a nadie. En esa etapa de sus vidas Vera y Victoria dejaron de ser dos personas para convertirse en una. Juntas construyeron un hogar común colmado de sueños y proyectos de futuro.

Siempre ajenas a los prejuicios de otras personas se entregaron a su amor.

El libro es un diario visual comprendido entre 2012 y 2016 en el que retrato el universo íntimo de Vera y Victoria. Un universo en el que surgen renovados matices de la riqueza de una relación como la suya. Ni mejor, ni peor que las demás.

- Vera y Victoria

Vera y Victoria son dos jóvenes que se conocieron hace varios años y se enamoraron. Comparten un proyecto de vida común e ignoran los prejuicios de otras personas. Sencillamente son dos mujeres que se aman. Se complementan, se atraen y se comprenden. Caminan juntas en la misma dirección y, paralelamente, conservan su propio espacio.

Vera es vegetariana, está terminando Filología Clásica y le fascinan los animales. Se siente mujer desde la infancia, pero hasta los 18 años no se lo confesó a su familia. Desde entonces, dejó de llamarse Bernardo y ese niño desapareció de su vida. Es activista y se siente orgullosa de su cuerpo. No tiene intención de someterse a ninguna cirugía. Defiende que la identidad sexual está en la cabeza de cada persona y que la reasignación genital es una decisión personal e individual.

Victoria alterna trabajos temporales como camarera. Es un torrente de vitalidad y adora que su pareja le sorprenda y le robe besos cuando menos lo espera.

Vera y Victoria son dos jóvenes de 26 y 22 años que tienen sueños, anhelos, miedos e ilusiones. El proyecto comenzó́ en 2012 como un diario visual y, tras cada encuentro con ellas, una nueva página se escribe. Se trata de un retrato íntimo de esta joven pareja y de la riqueza de su relación.


- El libro

Editorial: André Frère Éditions.

La Universidad de Cádiz, el Instituto de Industrias Culturales de la Región de Murcia y los ayuntamientos de Murcia, San Pedro del Pinatar y Pilar de la Horadada han colaborado en la producción del fotolibro "Vera y Victoria".

Texto: Lara Moreno.
2 ediciones: español-inglés y francés-inglés.
Diseño: Underbau.
Edición: Juan Millás, Eduardo Nave y Carlos Luján.

2 ediciones: español e inglés. Francés-inglés.
Tamaño 165×218 mm (ancho × alto).
Precio: 25 euros.

- Firma de libros

- Viernes 11 de noviembre en PARIS PHOTO a las 17h.

- Viernes 11 y sábado 12 de noviembre, en PhotoBook Social Club, Galerie Clémentine de la Féronnière 51(rue Saint-Louis-en-l'île, 75004, Métro St-Paul ligne 1) de 19h a 21h, donde además forma parte de una muestra colectiva.

Exposición 'Vera y Victoria'

El fotolibro va asociado de una exposición individual que se inauguró el viernes 21 de octubre en la galería Kursala de Cádiz y que se podrá visitar hasta el 20 de diciembre de 2016. Esta exposición, tendrá una itinerancia nacional.

MAR SÁEZ (Murcia, 1983) Licenciada en Psicología y Comunicación Audiovisual, como fotógrafa profesional lleva a cabo proyectos personales con los que intenta explorar la complejidad de la identidad y la biopolítica intentando hacer un retrato, desde dentro, de las realidades que le preocupan.

Su trabajo ha sido reconocido dos veces con el Premio LUX de Fotografía Profesional (2014 y 2015), en la categoría de Documental, con proyectos sobre transexualidad y en 2015 obtuvo el Premio Dúo Fotógrafo Emergente, la Beca del XV Seminario de Fotografía y Periodismo de Albarracín, fue finalista en el Photon Festival y seleccionada en el V Encontro de Artistas Novos. A su vez ha colaborado con la revista Ojo de Pez y con distintos medios nacionales.

Desde 2008 ha participado en distintas exposiciones individuales y colectivas en España y Estados Unidos, en espacios como la galería Fernando Pradilla de Madrid, la galería Alonso Vidal de Barcelona o The Gabarron Foundation Carriage House Center for the Arts de Nueva York, entre otros.

Recientemente ha firmado libros en ParisPhoto, y su obra forma parte de la colección de F11 Photographic Museum, así como de otras colecciones privadas.


#europe #es



VIII Encuentros de Centros de Documentación | Artium | #Vitoria #PaisVasco

Expertos internacionales comparten en Artium sus avances en sistemas de documentación del patrimonio.

Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria-Gasteiz, organiza y acoge los próximos 19 y 20 de octubre los octavos Encuentros de Centros de Documentación de Arte Contemporáneo, un encuentro bienal que reúne a algunos de los principales expertos de museos, universidades y bibliotecas en el ámbito del tratamiento y difusión de los archivos patrimoniales. Este año, el tema a tratar será el de los datos abiertos vinculados y la gestión integral de la información, y para abordarlo han sido invitados expertos del Rijskmuseum de Amsterdam, el Museo Reina Sofía, el Prado, la Biblioteca Nacional, las universidades de Aalto y Politécnica de Madrid y de la Fundación Sancho el Sabio, entre otras instituciones. 

Programa 2016: 

http://artium.us2.list-manage.com/track/click?u=959fcf29572add2b9ddd47617&id=dae3b2703f&e=5542886230

Los enormes avances realizados en los últimos años en la gestión de la información, con la posibilidad de enlazar e interconectar datos procedentes de distintas fuentes y facilitar de esta forma la transmisión de conocimiento al usuario de Internet suponen una gran oportunidad y un reto para las instituciones que gestionan el patrimonio cultural y en especial el patrimonio contemporáneo. La capacidad de los servicios de información de compartir, vincular y reutilizar sus datos en el entorno de la llamada web semántica puede proporcionar al usuario experiencias de búsqueda mucho más completas y enriquecedoras.Los VIII Encuentros de Centros de Documentación van a abordar precisamente este tema desde la perspectiva de algunas de las instituciones culturales y educativas que más han avanzado en este terreno. Elena Roseras, responsable de la Biblioteca y Centro de Documentación de Artium abrirá el día 19 de octubre el turno de ponentes con una reseña del trabajo que se viene realizando en el Museo para gestión tanto de su archivo histórico de actividades como el fotográfico, que van a pasar a estar normalizados bajo la norma MARC de las bibliotecas.

A continuación intervendrán, en sesiones de mañana y tarde, Pilar Cueva, del Museu Marítim de Barcelona; Javier Pantoja, del Museo del Prado; Bárbara Muñoz de Solano, del Museo Reina Sofía; María Poveda, de la Universidad Politécnica de Madrid; y Juan Antonio Pastor Sánchez, de la Universidad de Murcia. A destacar igualmente en esta primera jornada la intervención de Jesús Manuel Zubiaga y Charo Martínez, de la Fundación Sancho el Sabio, cuya ponencia girará en torno a la integración y difusión de materiales gráficos en el mayor archivo de la cultura vasca.

Durante la segunda jornada, el 20 de octubre, y ya en ponencias sólo por la mañana, participarán Lizzy Jongma, del Rijksmuseum de Amsterdam; Gildas Illien, del Museo Nacional de Historia Natural de París; Ricardo Santos, de la Biblioteca Nacional; Sara Sánchez, del Servicio de Aplicaciones de Bellas Artes del Ministerio de Cultura y Nuria Rodríguez, de la Universidad de Málaga. En esta sesión intervendrá también Eero Hyvönen, de la Universidad de Aalto en Finlandia, con una ponencia sobre la publicación y el uso de datos sobre el patrimonio cultural en la web semántica.

Los Encuentros de Centros de Documentación de Arte Contemporáneo nacieron en el año 2002 bajo el impulso del Museo Artium en el año de su apertura con el fin de servir de punto de encuentro de las instituciones y profesionales que trabajan en este ámbito. Desde entonces, y con carácter bienal, se han convertido en una cita ineludible para conocer y reflexionar sobre los avances que se vienen realizando en todo el mundo en materia de tratamiento de la información aplicada al patrimonio cultural.

Los Encuentros se celebran en el Auditorio de Artium. Tras cada sesión de mañana y tarde se celebrará un debate sobre los temas abordados en cada una de ellas. Al final de la primera jornada, los participantes realizarán una visita guiada al Museo.

Arabako ARTIUM Fundazioa
Francia 24
Vitoria-Gasteiz, Araba-Álava 01002
Pais Vasco, Europa

ARTSEVILLA16 | #Sevilla #Andalucia

PRESENTACIÓN PÚBLICA DE ARTSEVILLA16
ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO

A las 12.00h de hoy, en la Sala Expositiva Santa Inés, ha sido presentada públicamente la segunda edición de ARTSevilla. En el acto han estado presentes Eduardo Tamarit, Secretario General de Cultura de la Junta de Andalucía, Eva Morales, Directora de ARTSevilla16, José María Sánchez, Decano de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla, Marisa Vadillo, Coordinadora de exposiciones de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla y Paco Pérez Valencia, Artista y docente en el Centre d'Art i Disseny – Escola Massana de Barcelona. El Encuentro Internacional de Arte Contemporáneo ARTSevilla16 se define como un evento plural, abierto y accesible a todo tipo de público.

Durante su intervención, Eduardo Tamarit ha destacado el interés que la Consejería de Cultura tiene por las artes visuales y ha reconocido el esfuerzo del equipo de ARTS/artsevilla ante un evento de estas características.

A continuación, Marisa Vadillo ha indicado que el planteamiento proyectado en el Encuentro es insuperable. El papel que juega la Universidad es muy importante, no sólo por la colaboración de ésta en las Jornadas Culturales sino también por la implicación de sus alumnos y egresados a todos los niveles, lo que favorece la creación de contactos y proyectos entre los profesionales del sector.  Así mismo, ha destacado la cercanía a la ciudadanía que esta nueva fórmula supone. La participación de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla en ARTSevilla16 confirma la apuesta de esta facultad por sus estudiantes.

Por su parte, Paco Pérez Valencia ha definido el evento como una oportunidad y ha señalado la potencialidad del arte en su vertiente social. Según argumentó "no todo es una cuestión mercantil". A lo largo de su intervención el artista ha avanzado algunas de las actividades a desarrollar, entre las que destacan "El arte o la vida" que tendrá lugar en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla, y una performance que se realizará en la Plaza del Museo a partir de las 11 de la mañana del día 26 de octubre.

Durante su intervención, Eva Morales ha dado a conocer las universidades y proyectos expositivos participantes y ha resumido las diferentes iniciativas que van a llevarse a cabo. El Encuentro discurrirá en seis emplazamientos (Sala Expositiva Santa Inés, CICUS, Fundación Tres Culturas, Fundación Valentín de Madariaga, Espacio Turina y la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla) y engloba veintiún espacios culturales, entre ellos, las principales galerías de arte de la ciudad. La actividad expositiva principal cuenta con la participación de la Universidad Complutense de Madrid, Camberwell College of Arts de Londres, Berlin University of The Arts, Escola Superior Artística do Porto, Chinese Friendly International (con participantes de la Minzu University de Pekín), la Cátedra de Arte y Enfermedades de la Universitat Politècnica de València, la Asociación de Mujeres en las Artes Visuales (MAV), FAR (Foro Arte Relacional) y La Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla.

Paralelamente se desarrollan unas Jornadas Culturales, dos exposiciones colectivas secundarias, SoloProjects y ARTSgráfica, un programa de mentoring para artistas, actividades de inclusión social, instalaciones, performances, videocreación y talleres.

ARTSevilla cuenta además con una revista cuyo segundo número será presentado el 27 de octubre, durante el acto de inauguración que tendrá lugar en la Sala Expositiva Santa Inés.

Finalmente, José María Sánchez ha destacado la importancia de este Encuentro desde el punto de vista de la internacionalización. Contar con la presencia de universidades y proyectos artísticos como los participantes suponen una oportunidad maravillosa, tanto para la ciudad como para la Universidad, bajo su punto de vista.

El evento cuenta con el apoyo de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, ICAS, CICUS, Fundación Tres Culturas, Fundación Valentín de Madariaga y Oya, la Facultad de BBAA de Sevilla y la Universidad Loyola Andalucía.

Comunicación ARTS/artsevilla
+ info: www.artsevilla.es

#europe #es
 

(Re)Imagining Science | Grunwald Gallery of Art Indiana University | #Bloomington #USA




Jiangmei Wu and Suzanne Ressl, with Kyle Overton, Light Harvesting Complex (work in progress), 2016. Mixed media. Courtesy of the artist.
School of Art and Design at Indiana University, Bloomington


(Re)Imagining Science
October 14–November 16, 2016

Grunwald Gallery of Art
Studio Art Department
School of Art and Design
Indiana University
1201 E 7th St.
Bloomington, IN 47405
United States of America

studioart.indiana.edu

The Grunwald Gallery at Indiana University Bloomington is pleased to present (Re)Imagining Science, an exhibition and events based on collaborative projects by artist and scientist teams from Indiana University Bloomington.

(Re)Imagining Science contains collaborative projects by 12 teams of researchers in the arts and sciences. The exhibition, based at Indiana University Bloomington, contains a variety of projects that illustrate scientific principles, develop ways to understand science differently, and potentially may create new science as the outcome. Collaborations will feature the work of researchers in the visual and sound arts, design, sciences and social sciences, with ambitious works that include large scale sculptural objects, photographs, installations, video works, interactive environments, microscopy images, and sound works.

The exhibit and programs explore the relationship between creative production in the arts and sciences and the interactivity of collaboration. The projects utilize scientific images as a springboard to introduce creative concepts and non-traditional thinking into the production of visual materials that will highlight and illustrate ideas found in science. The visual arts and sciences have a shared history of creativity and parallel paths of experimentation, goal seeking, and trial and error. The interconnectedness of these thought and work processes will be highlighted, and the similarities and differences in the thought processes within these disciplines are explored.

The exhibition will travel to other science and university museums, and a catalog of the exhibition featuring essays by Professor Christoph Irmscher and artist Rosamond Purcell will be produced and distributed by Indiana University Press.

Artists and scientist teams
Andrew Asher, Assessment Librarian
Sofiya Asher, Lecturer, Slavic and East European Languages and Cultures
Adam Reynolds, Photographer
Donny Gettinger, Sculptor

Mia Beach, Photographer
David Kehoe, Professor of Biology

Margaret Dolinsky, Associate Professor of Fine Arts
Roger Hangarter, Distinguished Professor of Biology

Amar H. Flood, Professor of Chemistry
Osamu James Nakagawa, Professor of Fine Arts

Bernie Frischer, Professor of Informatics
Davide Angheleddu, Polytechnic University in Milan

Carrie Longley, Assistant Professor of Fine Arts
Katy Börner, Victor H. Yngve Professor Information Science

Martha MacLeish, Associate Professor of Fine Arts
Malcolm Mobutu Smith, Associate Professor of Fine Arts
Mathias Weber, Professor of Mathematics

Alex Straiker, Research Scientist, Psychological and Brain Sciences
Betsy Stirratt, Academic Specialist and Director, Grunwald Gallery

Rachel Weaver, Assistant Professor of Fine Arts, Virginia Tech  
Dr. Lydia Bright, Research Scientist

Caleb Weintraub, Associate Professor of Fine Arts
Dan Kennedy, Assistant Professor, Psychological and Brain Sciences

Jeffrey Wolin, Emeritus Professor of Fine Arts
Andrew Lumsdaine, Professor of Informatics

Jeffrey Wolin, Emeritus Professor of Fine Arts
Larry Singell, Professor of Economics

Jiangmei Wu, Assistant Professor, School of Art and Design
Susanne Ressl, Research Scientist, Molecular and Cellular Biochemistry

(Re)Imagining Science is sponsored in part by Indiana University's New Frontiers in the Arts & Humanities Program. Further assistance comes from the College Arts and Sciences and the Center for Integrative Photographic Studies, with additional support from the Studio Art Department in the School of Art and Design in the College of Arts and Sciences and the Grunwald Gallery at Indiana University.

+ info: studioart.indiana.edu

#en #america

Encuentro internacional "La situación 2016" | Cuenca, España

El encuentro internacional "La situación 2016" debatirá sobre el estado actual de las prácticas artísticas en España y América Latina

Se celebrará en Cuenca, España, del 18 al 21 de octubre de 2016.

El encuentro internacional "La situación 2016 arte por-venir" (LS2016), que se celebrará en Cuenca del 18 al 21 de octubre, tiene como objetivo debatir sobre el estado actual de las prácticas artísticas en España y América Latina. Se articula como un espacio de discusión presencial y virtual para artistas consolidados y en formación de diversos países, muchos de ellos interviniendo como delegados o portavoces de grupos que habrán mantenido debates previos.

El encuentro se celebrará en paralelo a otras manifestaciones artísticas desplegadas en diversos espacios de la ciudad de Cuenca, con una programación de actividades, como muestras de trabajos, intervenciones y performances, que se podrán seguir en la web del certamen. Organizado por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Castilla-La Mancha, toma su nombre del encuentro de ámbito estatal que tuvo lugar también en Cuenca en abril de 1993, dirigido por Horacio Fernández y Ángel González, en el contexto de la crisis que afectó a la economía, la sociedad y la cultura a principios de los noventa.

En LS2016 se presentará una edición facsímil de los boletines editados tras dicho encuentro. El núcleo del encuentro está constituido por los foros de debate, en los que participan más de cincuenta ponentes. LS2016 mantiene el mismo criterio con que se realizó el encuentro de 1993: dar voz a los artistas sin mediación de críticos o comisarios, aunque no por ello con voluntad alguna de exclusión o confrontación.

Entre los invitados se encuentran: Isidoro Varcárcel Medina, Luis Camnitzer, Daniela Ortiz, Rogelio López Cuenca, María Cañas, Nicolás París, Rolf Abderhalden, Mujeres Creando, Internacional erroristas, Cabello/Carceller, Wilfredo Prieto, Federico Guzmán, Dionisio Cañas, María Ruido, Juan Domínguez, Daniel Miracle y Aurora Fernández Polanco.

Las sesiones de debate se realizarán en las mañanas del 19, 20 y 21 y se cerrarán con un plenario de clausura en la tarde del 21. En las tardes, tendrá lugar un programa de presentaciones denominado "Situaciones", que consta de proyecciones de vídeo, acciones, intervenciones, charlas performativas, actuaciones, presentaciones de proyectos y conciertos. Y en paralelo, permanecerá abierta una "Muestra de materiales" en distintos espacios de la ciudad. Ambos programas, "Situaciones" y "Muestra de materiales", son concebidos como parte del debate: no son actividades paralelas ni exposiciones de obras, sino marcos para la presentación de materiales efímeros o sensibles, cuyo objetivo es el de plantear preguntas y hacer propuestas.

El día 18 en la inauguración, se proyectará "No escribiré arte con mayúscula", documental sobre la obra de Isidoro Valcárcel Medina, que contará con la presencia del propio artista en un coloquio posterior. El artista murciano ejerce como enlace entre las dos ediciones del encuentro, ya que participó también en la de 1993.

La crisis actual es mucho más profunda y más compleja que la de 1993; por ello resultaba imposible en esta ocasión restringirse al ámbito español. La riqueza de las prácticas artísticas latinoamericanas, pero también de las respuestas dadas por los artistas a las difíciles situaciones sociales y políticas en los distintos países, motivó la apertura del encuentro hacia Iberoamérica. En este encuentro se debatirá sobre arte, pero también sobre la contribución que las prácticas artísticas pueden y deben hacer para pensar y re-imaginar la crisis.

La Situación 2016 pretende exponer estrategias, compartir tácticas y cartografiar maneras de hacer que en los últimos veinte años hayan respondido abierta y pluralmente desde las más dispares prácticas del arte contemporáneo en España y América latina a los complejos procesos en los que nos hemos visto inmersos, como la expansión de internet y los modos de organización ligados a él, la "crisis económica" de 2008, las respuestas autogestionadas de la sociedad civil ante la pérdida de derechos, la creciente desigualdad en el reparto de la riqueza, la banalización mercantil que los medios y las instituciones públicas y privadas hacen del arte, los recortes de presupuestos públicos en educación y cultura.

En los días previos al encuentro, tendrán lugar algunos talleres impartidos por los artistas invitados: Nicolás Paris, Daniel Miracle, María Cañas y Wilfredo Prieto trabajarán con estudiantes de grado y máster de la Facultad de Bellas Artes. Internacional Errorista trabajará con estudiantes del Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual en el Museo Reina Sofía. También los debates comenzarán con anterioridad, en sendos grupos de trabajo en Cuenca y Madrid, así como en foros de correo y en la web de LS2016, donde se ha publicado abundante material documental y crítico. Todos los debates y actividades serán registrados en audio y vídeo, y estarán disponibles en la web con posterioridad al encuentro.

También está prevista la publicación en papel de los textos, documentos y materiales generados en el encuentro. Tanto la asistencia a los talleres como a los foros, muestras y actividades es gratuita, pero la organización solicita inscripción previa para organizar aforos y recursos.
 

La situación 2016 arte por-venir
http://www.lasituacon2016.org

Cuenca, diversos espacios
18, 19, 20 y 21 de octubre

Inscripciones: http://la situacion2016.org/participa/


#es #europe

 

'How Long Is Now?' & 'Eberhard Havekost: Inhalt' | KINDL. Centre for Contemporary Art | #Berlin #Germany



Left: Jeppe Hein, YOU ARE RIGHT HERE RIGHT NOW, 2012. Courtesy König Galerie, Berlin; 303 Gallery, New York; Galleri Nicolai Wallner, Copenhagen. Photo: Studio Jeppe Hein. Right: Eberhard Havekost, Baum, B15, 2015. Courtesy Galerie Gebr. Lehmann and Anton Kern Gallery. Photo: Werner Lieberknecht.


How Long Is Now?
Eberhard Havekost: Inhalt

October 23, 2016–February 19, 2017

Opening: October 22, 6–10pm

KINDL - Centre for Contemporary Art
Am Sudhaus 3
12053 Berlin
Germany

www.kindl-berlin.com


On October 22, 2016, the KINDL – Centre for Contemporary Art will open the entire former brewery building with exhibitions spanning three floors in the Power House as well as the cafe in the Brew House. Now, after extensive renovations, regular exhibitions can begin throughout the building.

The former Power House at the KINDL – Centre for Contemporary Art offers 1,200 square metres of space across three floors for monographic and thematic exhibitions of international contemporary art. The building will also include spaces for a wide variety of cultural events. As the first exhibitions in the Power House, the group exhibition How Long Is Now?, which deals with the theme of the contemporary, and an extensive exhibition by the Berlin-based artist Eberhard Havekost will be shown.

The Brew House with its six giant copper vats—once the largest of their kind in Europe—will now be open to everyone. In the former Palace of Berlin Beer Culture, the cafe König Otto will offer a place to linger, and the square in front of the brewery will include a beer garden under plane trees. Since September 11, David Claerbout has been showing his work Olympia (The Real-Time Disintegration into Ruins of the Berlin Olympic Stadium over the Course of a Thousand Years) in the impressive, twenty-metre-high Boiler House. He thus continues the exhibition series that began with Roman Signer's Kitfox Experimental: once a year, the KINDL invites an artist to realise a single work for the unique space of the Boiler House.

How Long Is Now?
Philip Akkerman, Anetta Mona Chisa & Lucia Tkacova, Ceal Floyer, Andrea Geyer, Jeppe Hein, Uriel Orlow, Manfred Pernice, Michael Rakowitz
Power House, M0


What does it mean to be "contemporary"? Sharing a common time requires many things: above all, an active awareness of one's own time. But also the idea of a synchronous world and the will to act within it and to change, to take part in one's own time. The title of the exhibition How Long Is Now? points to the fundamental difficulty of reflecting on a time while it is occurring. Time is fleeting, and every moment has already passed as soon as one becomes aware of it.

The works shown in the exhibition make the contemporary visible in various ways and question its importance for current artistic production. They deal with the reflective, active participation in a time and aspects of the synchronous experience of time, and ask questions about the extent to which the past and the future meet in the contemporary. What otherwise can only be witnessed in the sequential flow of time will be made visible in a parallel presentation in the exhibition. Lectures, discussions, and a movie night will flesh out and supplement the exhibition.

Curated by Andreas Fiedler and Valeska Schneider

Eberhard Havekost: Inhalt
Power House, M1 and M2

The painter Eberhard Havekost, who was born in 1967 in Dresden, is among the most important German artists of his generation. The starting point for his painting is his own or found photographs, which he digitally edits and then uses as templates for his paintings. Havekost thus makes use of the latest advances in digital photo editing, while also dealing with the effects of the endless production of images through digital media. With an impressive radicalness, the artist questions the authenticity of images: What is it that we see? How much reality is in the surface of things and their likenesses?

The exhibition Inhalt concentrates on Eberhard Havekost's work from the past ten years with a focus on new series of works that will be shown at the KINDL for the first time. After important solo exhibitions at venues including the Museum Küppersmühle Duisburg (2013), the Schirn Kunsthalle Frankfurt (2010), and the Stedelijk Museum in Amsterdam (2006), Inhalt is the first institutional exhibition by Eberhard Havekost in Berlin.


#germany #Berlin #europe #en

British Art Show 8 | #Southampton, #England



Eileen Simpson & Ben White, research material for Auditory Learning, 2015. © and courtesy the artists. Photo: Ben White.


British Art Show 8
October 9, 2016–January 15, 2017

www.britishartshow8.com


A Hayward Touring exhibition organised in collaboration with galleries in Leeds, Edinburgh, Norwich and Southampton.

The British Art Show is a national touring exhibition that provides a vital overview of some of the most exciting contemporary art produced in the UK. Organised by Hayward Touring at Southbank Centre, London, and taking place every five years, it introduces visitors to a new generation of artists. After opening in Leeds Art Gallery in October 2015, British Art Show 8 has toured to multiple venues across Edinburgh, Norwich and finally Southampton over the course of 15 months.

Curated by Anna Colin and Lydia Yee, British Art Show 8 features the work of 42 artists who have made a significant contribution to art in this country over the past five years. The result is a wide-ranging exhibition that encompasses sculpture, film, video-installation, photography, painting, performance and design. 26 artists have created new works especially for the exhibition, which makes this the most ambitious British Art Show to date.

British Art Show 8 is presented in Southampton across three venues; John Hansard Gallery at the University of Southampton's Highfield Campus; Southampton City Art Gallery; and Bargate Monument, a Grade I listed medieval gatehouse in the city centre.

New works in Southampton include the fourth in Jessica Warboys' series of "Sea Painting," created on the coast of Southampton at Hamble Spit. This joins paintings from the three previous British Art Show 8 cities in a final site-specific installation at Southampton City Art Gallery, ahead of Warboys' solo show at Tate St Ives in 2017.

Southampton also sees the culmination of an 18-month project, Auditory Learning, by Eileen Simpson & Ben White. The artists have worked with young people from a local youth group to vocalise sounds that trigger archival audio fragments and beats from out-of-copyright vinyl records from 1962. The mesmerising film tracking this process transforms the Bargate Monument into a 1960s studio space.

Southampton presents the final iteration of Stuart Whipps' AMR 733V. The artist has worked throughout the duration of the tour with former workers of the Longbridge car production plant in Birmingham. Over the year, they have collaboratively restored parts of a Mini built in 1979 and a new presentation of the car—the shell and wheels—will be exhibited at John Hansard Gallery.

Southampton City Art Gallery
Civic Centre, Commercial Rd, Southampton SO14 7LY
England, United kingdom

#europe #en

Yokohama 1868–1912 | Museum Angewandte Kunst | #Frankfurt #Main

Kusakabe Kinbei, Tattoo. © Museum Angewandte Kunst.


Yokohama 1868–1912: When Pictures Learned to Shine
October 8, 2016–January 29, 2017

Opening: October 7, 7pm

Museum Angewandte Kunst
Schaumainkai 17
60594 Frankfurt / Main
Germany

www.museumangewandtekunst.de


Yokohama is, symbolically speaking, where Japanese modernism began and the country first opened up to the world. When the Europeans arrived around 1860, they brought an art form with them that was still in a fledgling stage at the time—photography. In Yokohama it experienced a meteoric ascent, and in that context increasingly supplanted the traditional pictorial technique of the ukiyo-e woodblock print.

From October 8, 2016 to January 29, 2017, the Museum Angewandte Kunst in Frankfurt am Main will stage the exhibition Yokohama 1868–1912: When Pictures Learned to Shine, devoted to the capricious epilogue of the ukiyo-e and the concurrent rise of Japanese photography. With more than 270 woodblock prints and historical photographs, the show will offer surprising—and for the most part unfamiliar—insights into a country undergoing radical change and a unique chapter in Japanese art.

The present-day port city of Yokohama played a key role in the reopening of Japan: it was not far from the little fishing village that US Admiral Perry's "Black Ships" dropped anchor in 1853. This demonstration of military power ushered in the end of the country's 200-year isolation and forced the island empire to open up to international trade. Large foreigners' colonies sprouted up in the town as a result, and international trading companies established branch offices there. What is more, Yokohama became a popular stop for the first bourgeois tourists on their classical "Grand Tour" of the world.

A fascinating side effect of this development was the triumphal advance of photography, which met with overwhelming response in Japan. The first photo studios opened in Yokohama as far back as 1860—initially on the initiative of European photographers, but Japanese exponents of the medium followed close on their heels.

Yokohama 1868–1912 will present works by European photography pioneers such as Felice Beato (1832–1909) or Raimund von Stillfried-Ratenicz (1839–1911). At the same time, it will introduce exceptional Japanese masters like Kusakabe Kinbei (1841–1932) and Ogawa Kazumasa (1860–1929), whose oeuvres contrast strongly with those of the Europeans above all in composition and choice of motifs. Precisely these early Japanese photographs possess an almost magical intensity. Initially they catered superficially to the various clichés of a naively exotic image of Japan. Yet as native photographers began to develop their own styles, they increasingly disobeyed those models in stage-like situations that, however strongly stylized, are also masterfully arranged and illuminated.

The extraordinarily vibrant early phase of Japanese photography went hand in hand with the slow demise of the ukiyo-e woodblock print, which at the time was already undergoing its sell-off to buyers abroad and hardly sparked any interest at all anymore in Japan. A special form of the ukiyo-e called Yokohama-e ("Yokohama pictures") emerged in the Japanese harbour metropolis in those years, drawing its subjects from the international modernity that had meanwhile invaded everyday life in the country. These sheets are moving expressions of the boundless amazement with which the Japanese responded to the completely alien phenomenon of international trade and all the many innovations that came along with it. Finally, the propaganda prints produced during the Sino-Japanese War (1894/95) and the Russo-Japanese War (1904/05)—and already anticipating the megalomania of the ultra-nationalist 1930s and '40s—formed a bizarre epilogue to the tradition of woodblock art.

With the aid of works from two prominent private German collections and the holdings of the Museum Angewandte Kunst, Yokohama 1868–1912 will shed light on one art form in decline and another on the rise. In juxtaposition, the woodblock prints and photographs will offer nuanced insights into Japan's rapid transformation from a tradition-steeped Asian culture to a modern industrial and colonial state.

Presentació del llibre 'Guerres i capital' per Maurizio Lazzarato i Eric Alliez a la Tàpies



Divendres 7 d'octubre de 2016, 19.00 h
Guerres i capital 
Presentació de llibre a càrrec de Maurizio Lazzarato i Eric Alliez

«Estem en guerra», declara el president de la República el vespre del 13 de novembre. Però, què és exactament aquesta guerra? La contrahistòria del capitalisme que proposem aquí pretén recuperar la realitat de les guerres que ens infligeixen i ens són negades: no parlem de la guerra ideal dels filòsofs, sinó de les guerres de classe, de raça, de sexe o de gènere, les guerres de civilització i mediambientals, les guerres de subjectivitat que fan estralls en el si de les poblacions i que constitueixen el motor secret de la governabilitat liberal. Posant nom a l'enemic (el refugiat, l'immigrant, el musulmà), els nous feixismes estableixen la seva hegemonia sobre els processos de subjectivació política monopolitzats per termes de caràcter racista, sexista i xenòfob que atien la guerra entre els pobres i mantenen viva la filosofia de guerra total del neoliberalisme. Atès que la guerra i el feixisme són la repressió del pensament posterior al 68, no només hem llegit la història del capital a través de la guerra, sinó que també l'hem llegida a través de l'estranya revolució del 68, que és l'única que permet el pas de la guerra a les guerres –i d'elles, a la construcció de noves màquines de guerra contra la financiarització contemporània. Així doncs, es tracta d'empènyer el «pensament del 68» més enllà dels seus límits i de reorientar-lo cap a un nou pragmatisme de les lluites, vinculat a la guerra contínua del capital. És a dir que es tracta sobretot de preparar-nos per a les batalles que haurem d'entaular si no volem ser vençuts sempre.

Maurizio Lazzarato és sociòleg independent i filòsof. Viu i treballa a París. Entre les seves últimes publicacions es troben Gouverner par la dette i Marcel Duchamp et le refus du travail. Escriu així mateix sobre cinema, vídeo i les noves tecnologies de la producció d'imatges. Col·labora amb Angela Melitopulos en la producció d'instal·lacions de vídeo. Va elaborar amb el Groupe Knobotic Research el projecte10_dencies/ travail immatériel per a la Biennal de Venècia.

Eric Alliez és filòsof i professor de l'Université Paris 8 i del Centre for Research in Modern European Philosophy, de la Kingston University (Londres). Des del seu primer llibre, Les Temps capitaux (pròleg de G. Deleuze, 1991), ha publicat àmpliament sobre filosofia contemporània, art i política. Défaire l'imagen. De l'art contemporain (2013) és l'últim volum d'una trilogia centrada en una crítica de l'estètica, la que també inclou L'Œil-Cerveau. Nouvelles Histoires de la peinture moderne(2007) i La Pensée-Matisse (amb Jean-Claude Bonne, 2005). La seva propera publicació és Guerres et capital (amb Maurizio Lazzarato).


Fundació Antoni Tàpies
Carrer Aragó, 255
08007 Barcelona


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20 Years of Patti Smith and Shinichi Iova-Koga honors Anna Halprin | Mills College Art Museum | #Oakland



Left: Patti Smith, ca. 1970. Color photograph. Courtesy of The Patti Smith Collection, F.W. Olin Library, Mills College. Photo: Linda Smith Bianucci. Right: inkBoat, 95 Rituals, 2015. Photo: Pak Han.
Mills College Art Museum 

Patti Smith: Root Connection: 20 Years of The Patti Smith Collection and Shinichi Iova-Koga: The 96th Ritual (for Anna Halprin)

Root Connection: 20 Years of the Patti Smith Collection features rare and unique materials—many never exhibited in public—from the Special Collections of the Mills F.W. Olin Library. Photographs (both of and by Smith), publications, recordings, and ephemera are showcased together to highlight the breadth of Smith's artistic experimentation across disciplines including (and not limited to) poetry, music, and photography.

Co-curated by Mills College Art Museum Director, Dr. Stephanie Hanor, Library Director and Special Collections Curator, Janice Braun, and Smith donor and collector, Robert Byler, this two-location exhibition presents an unusual and intimate examination of Smith's work from multiple perspectives, demonstrating the artist's on-going innovativeness and influence.

A screening room hosts short films in which Smith introduces the places, people, and cultural moments that inspire and inform her practice, such as French writer Jean Genet, filmmaker Robert Frank, and the punk eclecticism of 1970s New York's "Downtown Scene." The exhibition will also include listening stations rotating Smith's music and readings; album art; broadsides and concert announcements; personal effects (yearbooks and a prom photo!); and international versions and various types of releases of her published works.

About the Mills College Art Museum (MCAM): Founded in 1925, The Mills College Art Museum is a forum for exploring art and ideas and a laboratory for contemporary art practices. Through innovative exhibitions, programs, and collections, the museum engages and inspires the intellectual and creative life of the Mills community as well as the diverse audiences of the Bay Area and beyond.

More info: mcam.mills.edu


Mills College Art Museum
5000 MacArthur Blvd.
Oakland, CA 94613
United States of America

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