La memòria dels intents | Gabriela Bettini | Galeria Silvestre, Tarragona



La memòria dels intents, 2017. Oli sobre llenç 55X65cm.


La memòria dels intents | Gabriela Bettini 

Inauguració 13 de maig a partir de les 12h 

13 maig - 30 juny 2017 

Galeria Silvestre
Tarragona, Catalunya


En 1944, quan Clarice Lispector tot just tenia 23 anys, publicava una de les obres fonamentals de la literatura moderna, A prop del cor salvatge, una novel·la a manera d'autobiografia (sense ser-ho) que era també un qüestionament sobre si la paraula és suficient per a la comunicació humana.

Quaranta-quatre anys més tard, a Nicaragua, Gioconda Belli publicava La dona habitada, una complexa novel·la que relata la història d'una dona convertida en guerrillera que intenta, en últim lloc, trobar-se a si mateixa.

No és casualitat que sigui la literatura d'Amèrica Llatina i les veus dels seus escriptores que hagin deixat un pòsit de compromís, lluita i poètica com poques en els últims anys. La possibilitat de rebel·lar-se contra l'opressió i utilitzar la creació artística com a fil narratiu van de la mà en el continent.

El mateix passa en les arts visuals. En les obres que presenta Gabriela Bettini a Galeria Silvestre hi ha molt de tots dos: de qüestionament i de poètica, aquesta última treballada des del visual.

La tècnica pictòrica, tan carregada de significat i pes per la seva trajectòria històrica, no es desenvolupa exempta del pensament dominant de cada època i reflecteix la forma en què es mira en cada moment. Quan es parla de pintura de paisatges, i especialment dels pintors viatgers a Llatinoamèrica, l'acadèmica Estrella de Diego assenyala que "es pintava el que es creia estar veient". Són obres que construeixen més que reflecteixen; els paisatges són versions d'aquesta Amèrica que aquests artistes portaven d'Europa, amb una mirada tamisada per l'estereotip d'aquest continent salvatge, inabastable i per descobrir. I és que aquesta idea romàntica del paisatge americà suposava una conquesta no només amb la força sinó també amb la representació. Un imaginari d'allò que es creia que era Amèrica als ulls occidentals per a res interessats en les particularitats de cada context.

I avui? ¿S'ha superat aquesta visió hegemònica? Gabriela Bettini porta al present aquests plantejaments i mostra aquí aquestes dues visions de la representació pictòrica: què és el que s'està veient i com es representa. Però a més fa un pas més enllà, i en el que aparentment són pintures de paisatges, inspirades en les dels viatgers de la XVII com Frans Post, afegeix una mica més.

Si Lispector es preguntava sobre la possibilitat de la paraula per expressar, Bettini retorna aquesta pregunta al visual, i presenta a la galeria una sèrie de paisatges on han ocorregut feminicidis contra defensores de la natura i els recursos naturals, com la Berta Càceres. Aquests assassinats suposen una sagnia tal que l'antropòloga feminista Marcela Lagarde considera que haurien de ser una tipologia pròpia entre els feminicidis. L'assassinat massiu de les dones que no callen davant l'opressor.

Aquesta dislocació visual, que en les pintures de Bettini obliga a mirar dues vegades, ens situa, com a públic, en un lloc incòmode. Més enllà del simple paisatge que s'observa, la segona lectura crítica sobre la qual l'artista es deté ens fa sacsejar a la nostra posició. El paisatge pot ser també el lloc de la barbàrie, no només del aparent delit.

Aquest exercici de segona lectura, de paisatge com a testimoni del que va passar, és una lectura inversa a la que feien els pintors del XVII. Aquesta mirada prejudicis que portaven d'Europa i reproduïen en les seves obres, passa aquí a convertir-se en una segona mirada crítica, necessària per entendre el paisatge (social) del continent. Aquesta duresa de mostrar així, com a reflex i metàfora de crims massius a Amèrica Llatina, recorda a la feina de la mexicana Teresa Margolles, que el 2013 retratava aquests arbres que a les ciutats mexicanes havien estat testimonis de la violència.

No obstant això, en aquestes obres de Bettini res obstaculitza, en un primer moment, la contemplació estètica del paisatge mateix, que es mostra en totes les seves possibilitats pictòriques, amb un gran domini de la tècnica per part de l'artista. És aquesta segona lectura a la qual Bettini ens convida a llegir despréstambé un tret que presenta a l'artista com compromesa, no renunciant a les possibilitats de la pintura mateixa, però amb un desig per denunciar i posicionar-se.

Semíramis González

Galeria Silvestre
Carrer Real, 60-62 
43004 Tarragona, Catalunya 
t. (+34) 915.991.918 
t. (+34) 600 696 894
www.galeriasilvestre.com


#galeries #tarragona #catalunya #exposicions #inaugracions #pintura #agenda #gratis #inauguracions #ca #europe


Travesia Cuatro I Opening Frieze NY I May 5 - 7


 


#en #america

Jornades: Diàleg intercultural i interreligiós en l'educació. Ficció o realitat?

Jornades educatives: 

5 de maig del 2017, a les 9h.

Diàleg intercultural i interreligiós en l'educació. Ficció o realitat?

Lloc: Sala de Graus de la 4ª planta de l'Edifici Migdia de la 
Facultat d'Educació de la Universitat de Barcelona.

9 h. - Recepció i entrega de materials

9.15 h. - Inauguració: Enric Vendrell i Aubach, director general 
d'Afers Religiosos i Professorat dels Departaments MIDE i THE.

De 9.30 h a 11h. - Conferència. Diàleg intercultural i 
interreligiós en l'Educació. A càrrec de Francesc Torradeflot
Freixes, director de l'Associació UNESCO per al diàleg 
interreligiós.
 
De 11 h a 12 h - Presentació dels resultats de dues recerques 
sobre diversitat i diàleg intercultural i interreligiòs:

1. El diàleg intercultural i interreligiós: anàlisi de 
necessitats normatives i sentides. Presenten: Montse 
Freixa i Marta Venceslao (Universitat de Barcelona).

2. Les actituts dels futurs agents socioeducatius davant el 
diàleg intercultural i interreligiós. Presenta: M. Jose Rubio 
Hurtado (Universitat de Barcelona).

3. Les entitats davant el diàleg intercultural i interreligiós. 
Presenten: Marta Sabariego (Universitat de Barcelona), Omaira 
Beltrán (Associació Intercultural Llatins per Catalunya) i 
Angelina Sánchez (Universitat Autònoma de Barcelona).

4. El paper dels centres de secundària en  el diàleg interreligiós 
i intercultural. Presenta: Ruth Vilà (Universitat de Barcelona).

De 12 h  a 12,30 h. -  Pausa

De 12,30 h a 14 h. - Taula rodona: Mirades per una confluència 
entre els centres educatius i les entitats. La taula rodona comptarà 
amb la participació de: Alícia Guidonet Riera, coordinadora del 
projecte Espai Interreligiós Fundació Migra Studium i Mireia Pi 
Platard de Quenin, professora de Escola Lestonnac de Badalona.

14 h. - Acte de cloenda



#conferencies #educacio #historia #patrimoni #agenda #gratis #Barcelona #Catalunya #ca #europe

African Art in Venice Forum | Venecia, 9 y 10 de mayo



Venecia, Piano Nobile de Palazzo Dandolo, Hotel Monaco & Grand Canal

9 y 10 de mayo de 2017

El 9 y 10 de mayo de 2017 el colectivo de profesionales del mundo del arte compuesto por Neri Torcello, Azu Nwagbogu y Azza Satti lanzará la primera edición de African Art in Venice Forum, dos jornadas de intervenciones que tendrán lugar en el Hotel Monaco de Venecia durante la semana de apertura de la 57. Bienal de Venecia para dialogar sobre las herramientas de promoción del arte en el continente africano. Más de 50 ponentes internacionales de las principales instituciones - como la Tate Modern de Londres, el Smithsonian Institution de Washington, el Centre Pompidou de París, Sotheby's, entre otras - se reunirán junto a artistas y a representantes de galerías, fundaciones e instituciones culturales africanas - como la National Gallery de Zimbabwe, African Artists Foundation, South African National Gallery - con el propósito de entablar un debate sobre cómo los países africanos no representados en la Bienal pueden desarrollar y mejorar sus instrumentos para la promoción del arte contemporáneo y sobre qué factores impiden poder crecer a la comunidad africana de creativos, ya sea en el territorio nacional como en el global.

The African Art in Venice nace de la necesidad de compensar la ausencia de muchos países africanos en la Bienal de Venecia. Solo 7 de los 54 países africanos serán representados por pabellones nacionales en la 57. Bienal de Arte. Cada dos años, Venecia se convierte en la capital mundial del arte contemporáneo. Críticos de arte, comisarios, artistas y periodistas son convocados en la ciudad para discutir y poner en común argumentos y experiencias relativos a quienes participan en la Bienal. En cuanto a la geografía, a la población y a la capacidad creativa del continente africano muy poco ha sido expuesto y divulgado hasta la fecha. La falta de contenido se convierte también en una falta de debate e investigación.

"Proponiendo una nueva plataforma abierta a ponentes de todos los países africanos y a miembros de otras organizaciones internacionales, para presentar y discutir sobre los argumentos más actuales y sobresalientes de la escena artística del continente africano y de sus diásporas, pensamos poder iniciar el proceso que desembocará en la participación de más países africanos en los pabellones nacionales de la Bienal de Venecia", declara el colectivo. Y añade "nos comprometemos tanto a mantener el Forum como una plataforma inclusiva como a facilitar de modo proactivo la creación de nuevas colaboraciones y oportunidades, adoptando para ello un escenario que permita construir sinergias más que de competitividad".

El Forum se divide en dos auditorios, uno para las ponencias institucionales y otro para los artistas. Veinte ponencias se sucederán sin interrupción en los dos espacios, que serán operativos simultáneamente durante los dos días del evento. Más de 50 ponentes internacionales ilustrarán y discutirán modelos innovadores y experimentales para museos, centros de arte, fundaciones, residencias, además de la multiplicidad de nuevas narrativas generadas en el continente por parte de artistas emergentes y consagrados.

Todas las ponencias serán retransmitidas en streaming, gracias a la ayuda de Streaming Museum, y serán grabadas para ser incluidas en nuestra base de datos, públicamente accesible con fines de investigación. También se iniciará "Survey Program", que incluirá a nuestros partners y ponentes para conocer los intereses y los proyectos futuros y ayudarles a realizarlos, poniéndolos en contacto con nuestros sponsors y patrones.

African Art in Venice Forum es una plataforma que cuenta con recursos financieros privados. Participar en el Forum será completamente gratuito y desde el 15 de abril será posible reservar una entrada para cada una de las ponencias directamente en la web de African Art in Venice Forum www.aavforum.com.

Sin embargo, se prevé que la mayor parte de los fondos se consigan por la venta de entradas para la Gala y el Paradise Playground Party, que tendrá lugar la noche del 9 de mayo en la misma sede. Patronos, Jóvenes Patronos y VIPs podrán adquirir sus entradas para la Gala y el Paradise Playground Party a través del siguiente enlace: www.tickettailor.com/checkout/view-event/id/88687/chk/0d6f

El precio de la entrada es de 300€ para ambos eventos. No obstante, dos semanas antes se pondrán a la venta un número limitado de entradas a 50€ para el Paradise Playground Party.

Tanto la Gala como Paradise Playground Party se explican en el marco del African Art in Venice Forum: nuestro equipo se compromete a crear conexiones entre los asistentes y a estimular con ello nuevas oportunidades y otro networking, sobre la base de los principales intereses de investigación y proyectos futuros establecidos durante el "Survey Program".

El Colectivo

Neri Torcello. Asesor de arte internacional, comprometido en el desarrollo de proyectos innovadores que tienen por objetivo favorecer y sostener el ecosistema para la promoción del arte.

Azu Nwagbogu. Fundador y director de African Artists Foundation (aaf), una organización sin ánimo de lucro con sede en Lagos, Nigeria, dedicada a la promoción de artistas y comisarios africanos e internacionales. Azu es también el fundador y director de Lagos Photo Festival.

Azza Satti está al frente de la sección artistas de la agencia African Speakers+Artists, con sede en Nairobi, Kenia. Satti es también fundadora de North-East, una agencia de producción que se centra en el comisariado de proyectos ligados al arte, el cine y el teatro. En este momento cuenta con producciones activas en Nueva York, París, Johannesburgo y Nairobi. Satti es además Critical Collaboration Fellow en la New York University durante 2016-2018.

African Art in Venice Forum
Fecha: 9 y 10 de mayo de 2017
Horario: 9:30h – 19:30h
Piano Nobile del Palazzo Dandolo, Hotel Monaco & Grand Canal, Venecia, Italia
http://www.aavforum.com/


#es #europe

 
 

Clíniques d'Es Baluard + projecte 'The Spur' + Concert OSIB a Palma




Clíniques d'Es Baluard + Projecte 'The Spur' + Cicle concerts 'Simfònica en Petit'

Properes activitats

Abril - maig 2017
 
- Oberta la convocatòria d'inscripció per a participar a la tercera edició de "Les Clíniques d'Es Baluard", el nostre programa de formació no reglada per artistes. El termini de presentació de sol·licituds finalitza el 15 de juny. El curs  començarà el 15 de setembre de 2017 i finalitza el 28 d'abril de 2018. Durant els vuit mesos de duració, es contemplen dos encontres grupals presencials i sessions individualitzades d'anàlisi d'obra, recursos i capacitació a càrrec dels coaches Ana Laura Aláez, David Barro i Martí Manen ja siguin presencials o per skype, així com el seguiment per part dels responsables del curs, Javier Duero i Nekane Aramburu. Enguany a més amb novetats com la col·laboració amb Arts Centre (Miami) i FRAC Corse entre d'altres. Tota la informació sobre el programa així com tot allò que cal presentar per sol·licitar participar-hi es pot consultar al següent enllaç.
 
- Llançem la segona convocatòria de residencia per artistes del projecte 'The Spur' al museu. El termini de recepció de projectes finalitza el 31 de maig 2017 (inclòs). 'The Spur' és un projecte europeu de creació en xarxa amb la cooperació de 7 entitats culturals, dirigida a artistes en residencia per dur a terme treballs de recerca, investigación i processos creatius. En abril de 2017 la primera fase 'The Spur' a Es Baluard va comptar amb l'artista Pierre Pauze (Meudon, França 1990) amb el projecte Water Memory.
 
- Nou concert el diumenge 30 d'abril (12 hores) del cicle "Simfònica en Petit" a càrrec de l'Orquestra Simfònica de les Illes Balears, que interpretaran 'Història d'un Soldat' del compositor Igor Stravinsky. Les entrades són gratuïtes i es tenen que recollir prèviament a les taquilles del museu, en horari de 10 a 20 h.

___


Clíniques d'Es Baluard + 'The Spur' project + Concert cycle 'Simfònica en Petit'

Upcoming activities

April - May 2017
 
- Open the call to participate in the third edition of "Les Cliniques d'Es Baluard", our non-regulated training program for artists. The deadline for submitting applications is June 15. The course will begin on September 15, 2017 and end on April 28, 2018. During the eight-month period, two face-to-face group meetings and individualized analysis of work, resources and training sessions will be conducted by coaches Ana Laura Aláez , David Barro and Martí Manen, either face-to-face or via Skype, as well as tutoring by course leaders, Javier Duero and Nekane Aramburu. As a novelty this year we have collaborated with Arts Center (Miami) and FRAC Corse among others. All the information about the program, as well as the material to be presented can be consulted at the following link. 

- We launched the second call for artists for the project 'The Spur' in the museum. Deadline for receipt of projects ends on May 31 (included). 'The Spur' is a European networking project with the cooperation of 7 cultural entities, aimed at artists in residence to carry out research, research and creative processes. The first phase of this project was in April 2017 and featured the artist Pierre Pauze (Meudon, France 1990) with his Water Memory project.
 
- New concert on Sunday 30th April (12 hours) of the cycle "Simfònica en Petit" by the Orquestra Simfònica de les Illes Balears, which will play 'History of a Soldier' by composer Igor Stravinsky. Tickets are free and must be collected in the museum's lockers, from 10 to 20 hours.


___

Clíniques d'Es Baluard + Proyecto 'The Spur' + Ciclo concierto 'Simfònica en Petit'

Próximas actividades
Abril - mayo 2017

- Abierta la convocatoria de inscripción para participar en la tercera edición de "Les Clíniques d'Es Baluard", nuestro programa de formación no reglada para artistas. El término para la presentación de solicitudes es el 15 de junio. El curo empezará el 15 de septiembre de 2017 y finalizará el 28 de abril de 2018. Durante los ocho meses de duración, se contemplan dos encuentros grupales presenciales y sesiones individualizadas de análisis de obra, recursos y capacitación a cargo de los coaches Ana Laura Aláez, David Barro y Martí Manen, ya sean encuentros presenciales o por Skype, así como el seguimiento por parte de los responsables del curso, Javier Duero y Nekane Aramburu. Este año además con novedades como la colaboración con Arts Centre (Miami) y FRAC Corse entre otros. Toda la información sobre el programa, así como el material a presentar se puede consultar en el siguiente enlace.
 
- Lanzamos la segunda convocatoria de residencia para artistas del proyecto 'The Spur' en el museo. El plazo máximo para recepción de proyectos finaliza el 31 de mayo (incluido). 'The Spur' es un proyecto europeo de creación en red con la cooperación de 7 entidades culturales, dirigido a artistas en residencia para llevar a cabo trabajos de búsqueda, investigación y procesos creativos. En abril de 2017 la primera fase en Es Baluard contó con el artista Pierre Pauze (Meudon, Francia 1990) con su proyecto Water Memory. 
 
- Nuevo concierto el domingo 30 de abril (12 horas) del ciclo "Simfònica en Petit" a cargo de la Orquestra Simfònica de les Illes Balears, que interpretará 'Historia de un soldado' del compositor Igor Stravinsky. Las entradas son gratuitas y han de recogerse previamente en las taquillas del museo, en horario de 10 a 20 horas.

 
FUNDACIO ES BALUARD
MUSEU D'ART MODERN I CONTEMPORANI DE PALMA
Plaça Porta de Santa Catalina, 10 
BALUARD DE SANT PERE
Palma, Balears



#balears #agenda #artistes #museus #beques #patrimoni #en #ca #es #europe

L’art de les experiències | Xerrada a la Galeria Sicart de Vilafranca del Penedès



Antònia del Río. Fotografia de Joanma Ramos per a El Punt Avui.


Miguel Fuster. Fotografia de Joanma Ramos per a El Punt Avui.

L'art de les experiències. 
29/04/2017. 12,30 h.
 
Antònia del Rio sol recollir en les seves obres experiències viscudes per altres, com per exemple la seva relació amb un llibre de préstec i convertir-la en una experiència pròpia que al seu torn passa a ser una experiència per les persones que contemplin la seva obra. Al seu torn, Miquel Fuster s'alimenta de la seva pròpia experiència. En tots dos casos, l'experiència és la matèria primera de la seva creació.

Conduits per Jaume Vidal, redactor en Cap de Cultura i Espectacles del diari El Punt Avui, en el context de les seves respectives exposicions a la galeria, els dos artistes parlaran de les motivacions que aquesta experiència els porta a la creació.

___


04/29/2017. 12,30 h.
El arte de las experiencias. 
 
Antònia del Río suele recoger en sus obras experiencias vividas por otros, como por ejemplo su relación con un libro de préstamo y convertirla en una experiencia propia que a su vez pasa a ser una experiencia para las personas que contemplen su obra . A su vez, Miquel Fuster se alimenta de su propia experiencia. En ambos casos, la experiencia es la materia prima de su creación.

Conducidos por Jaume Vidal, redactor Jefe de Cultura y Espectáculos del diario El Punt Avui, en el contexto de sus respectivas exposiciones en la galería, los dos artistas hablarán de las motivaciones que esta experiencia los lleva a la creación.

Galeria Sicart. 
Carrer de la Font, 44. 
Vilafranca del Penedès, Catalunya.
www.galeriasicart.com

#es #ca #catalunya #conferències #agenda #galeries #artistes #gratis

LA TERRA INQUIETA | Fondazione Nicola Trussardi | Milano






LA TERRA INQUIETA
a cura di Massimiliano Gioni

Adel Abdessemed, John Akomfrah, Pawel Althamer, Francis Alÿs, El Anatsui, Ziad Antar, Kader Attia, Brendan Bannon, Yto Barrada, John Berger e Jean Mohr, Alighiero Boetti, Anna Boghiguian, Andrea Bowers, Tania Bruguera, Banu Cennetoğlu e Nihan Somay in collaborazione con UNITED for Intercultural Action, Phil Collins, Comitato 3 Ottobre, Constant, Thierry De Cordier, La Domenica del Corriere, Forensic Oceanography / Charles Heller e Lorenzo Pezzani, Meschac Gaba, Charles Gaines e Ashley Hunt per Gulf Labor Artist Coalition, Giuseppe "Pinot" Gallizio, Rokni Haerizadeh, Ramin Haerizadeh e Hesam Rahmanian, Manaf Halbouni, Mona Hatoum, Lewis Wickes Hine, Thomas Hirschhorn, Wafa Hourani, Pravdoliub Ivanov, Khaled Jarrar, Isaac Julien, Hiwa K, Yasmine Kabir, Šejla Kamerić, Bouchra Khalili, Runo Lagomarsino, Dorothea Lange, Zoe Leonard, Glenn Ligon, Liu Xiaodong, Ahmed Mater, Steve McQueen, Aris Messinis, multiplicity, Paulo Nazareth, Adrian Paci, Maria Papadimitriou, Premio Pulitzer 2016 per la sezione Breaking News Photography (Daniel Etter, Tyler Hicks, Mauricio Lima, Sergey Ponomarev), Marwan Rechmaoui, Hrair Sarkissian, Thomas Schütte, Hassan Sharif, Augustus Sherman, Xaviera Simmons, Mounira Al Solh, Hamid Sulaiman, Rayyane Tabet, Pascale Marthine Tayou, Wolfgang Tillmans, Andra Ursuta, Danh Võ, Henk Wildschut, Zarina

Una mostra promossa da
Fondazione Nicola Trussardi
e Fondazione La Triennale di Milano
Direzione Artistica Settore Arti Visive La Triennale
Edoardo Bonaspetti


La mostra è aperta al pubblico dal 28 aprile al 20 agosto 2017


Fondazione Nicola Trussardi                        
Piazza E. Duse, 4 - 20122 Milano, Italia.   
www.fondazionenicolatrussardi.com      

____
      

THE RESTLESS EARTH
curated by Massimiliano Gioni


Adel Abdessemed, John Akomfrah, Pawel Althamer, Francis Alÿs, El Anatsui, Ziad Antar, Kader Attia, Brendan Bannon, Yto Barrada, John Berger and Jean Mohr, Alighiero Boetti, Anna Boghiguian, Andrea Bowers, Tania Bruguera, Banu Cennetoğlu and Nihan Somay in collaboration with UNITED for Intercultural Action, Phil Collins, Comitato 3 Ottobre, Constant, Thierry De Cordier, La Domenica del Corriere, Forensic Oceanography / Charles Heller and Lorenzo Pezzani, Meschac Gaba, Charles Gaines and Ashley Hunt for Gulf Labor Artist Coalition, Giuseppe "Pinot" Gallizio, Rokni Haerizadeh, Ramin Haerizadeh and Hesam Rahmanian, Manaf Halbouni, Mona Hatoum, Lewis Wickes Hine, Thomas Hirschhorn, Wafa Hourani, Pravdoliub Ivanov, Khaled Jarrar, Isaac Julien, Hiwa K, Yasmine Kabir, Šejla Kamerić, Bouchra Khalili, Runo Lagomarsino, Dorothea Lange, Zoe Leonard, Glenn Ligon, Liu Xiaodong, Ahmed Mater, Steve McQueen, Aris Messinis, multiplicity, Paulo Nazareth, Adrian Paci, Maria Papadimitriou, 2016 Pulitzer Prize for Breaking News Photography (Daniel Etter, Tyler Hicks, Mauricio Lima, Sergey Ponomarev), Marwan Rechmaoui, Hrair Sarkissian, Thomas Schütte, Hassan Sharif, Augustus Sherman, Xaviera Simmons, Mounira Al Solh, Hamid Sulaiman, Rayyane Tabet, Pascale Marthine Tayou, Wolfgang Tillmans, Andra Ursuta, Danh Võ, Henk Wildschut, Zarina

An exhibition organized by
Fondazione Nicola Trussardi
and Fondazione La Triennale di Milano
For the Visual Arts Program of La Triennale
directed by Edoardo Bonaspetti

The exhibition is open to the public from April 28 to August 20, 2017

   
Fondazione Nicola Trussardi                        
Piazza E. Duse, 4 - 20122 Milan, Italy              
www.fondazionenicolatrussardi.com 

#it #en #europe

Warren Neidich | Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz | Berlin

 


Warren Neidich
Color of Politics 

The Statisticon Neon 

Preview 28.4.2017  18-21h                                          
  
Eröffnung 29.4.2017 13-18 h                                
Öffnungszeiten während des Gallery Weekend 30.4. + 1.5.2017 13-18 h
 

 
Der Verein zur Förderung von Kunst und Kultur am Rosa-Luxemburg-Platz e.V. freut sich, die Ausstellung 'Color of Politics' des in Berlin lebenden, amerikanischen Künstlers Warren Neidich anzukündigen. Sie besteht aus den Werken The Statisticon Neon, Double Jeopardy, The Archive of False Accusations, The Search Drive und Pizzagate. Zur Eröffnung der Ausstellung – während des Gallery Weekend – wird erstmalig die Installation 'The Statisticon Neon' in der Lobby von L40 gezeigt.
 
The Statisticon Neon (2017) ist eine Hommage an Joseph Beuys' monumentales Werk Das Kapital Raum 1970-1977, welches erstmals 1980 im Deutschen Pavillon der Biennale von Venedig zu sehen war. Das Werk befindet sich heute – als Teil von Erich Marx's Beuys-Block – als Leihgabe in den Staatlichen Museen zu Berlin.
In Referenz auf die ursprüngliche Beuys-Installation reduziert Neidich sein diagrammatisches, von buntem Neonlicht geprägtes Werk auf eine zwanglose Anordnung schwarzer Tafeln – vergleichbar einem Technicolor-Film in Schwarzweiß. Das Statisticon Neon veranschaulicht die Beziehung zwischen Kunst und Gesellschaft rund vierzig Jahre nach Beuys' Werk, insbesondere die Bedeutung des Internets und seine Auswirkungen auf Arbeit und Kapital.
Das 21. Jahrhundert ist als Jahrhundert des Gehirns bezeichnet worden, weil wir jüngst vom Postfordismus in den Kognitiven Kapitalismus gewechselt sind, wo Geist und Gehirn die neuen Fabriken des 21. Jahrhunderts bilden. Während das Internet zur Zeit von Beuys' Werk noch ein begrenztes Experiment war, arbeiten wir heute unbezahlt für Facebook, Instagram und Google, indem die von uns produzierten Daten individuelle Datenproflle formen, welche später an Unternehmen und Sicherheitsfirmen verkauft werden.
Heute hat sich die formale Subsumption der Arbeit des Proletariats in eine reale Subsumption transformiert, in der unser ganzes Leben von Arbeit konsumiert wird, und wir regelrecht Kognitarier geworden sind. Das Statisticon Neon verbindet diese Entwicklung mit dem in letzter Zeit erfolgten neurologischen Turn, wo die Aktivität des Kapitalismus direkt auf die Neuroplastizität des Gehirns einwirkt, ein Zusammenhang den Neidich neuropower oder Neuromacht genannt hat – ein Begriff, der direkt in die Ausstellung im 2. Stock überleitet.
 
Color of Politics
Wie das Geld und die Sprache ist auch die Farbe dereguliert worden. Farbe ist nicht mehr mit Form und Bedeutung verknüpft und wird ein Vehikel, durch das emanzipierte Gefühle erzeugt, politische Intrigen initiiert, aber auch der Widerstand gegen institutionelle Normalisierungsprozesse realisiert werden kann. Warren Neidich setzt Farbe ein, um die politischen Voraussetzungen, Bedeutung zu schaffen, wiederzugewinnen,– zusammengefasst in dem dreiteiligen Neonbild Red, White, and Blue (2007).
Bei den Afterimage Paintings (2016) bilden rote Neonskulpturen die Namen der deutschen Emigranten Bertolt Brecht, Hanns Eisler und Lion Feuchtwanger, die alle später in Hollywood als Kommunisten auf der schwarzen Liste standen und deshalb nie einen Stern auf dem Hollywood Boulevard erhielten. Neidich berichtigt dies, indem er komplementär gefärbte Nachbilder in der Wahrnehmung erzeugt, die dann auf leere, gemalte Sterne projiziert werden, Nachahmungen derjenigen auf dem Hollywood Walk of Fame. In dem Archive of False Accusations (2016) sind in Vitrinen von lavendelfarbenem Neonlicht beleuchtet. In ihnen liegen gefundene Zeitungsausschnitte, in denen von dem „Lavender Scare" berichtet wird, einer weniger bekannten Facette in Joseph McCarthys Hexenjagd auf Sympathisanten des Kommunismus: Nicht-heterosexuelle Menschen (lesbisch, schwul, bisexuell oder transgender) verloren daraufhin ihre Positionen im Regierungsapparat.
Im zweiten Raum ist eine große, dreidimensionale, cloud-artige Skulptur installiert: Pizzagate, benannt nach der berüchtigten Verschwörungsgeschichte, die darin kulminiert, dass der Scharfschütze Edgar Welch die vermeintlich sexuell misshandelten Kinder retten will, von denen er glaubt, dass sie im Keller des Comet Ping Pong pizza parlour, gefangen gehalten werden. Pizzagate benennt die Apparate und strukturellen Muster der Datenströme und der ständigen Vernetzheit, die Fake News hervorbringen, definiert die Click-Baits und auch das Verständnis, dass in der neuen Aufmerksamkeitsökonomie des Kognitiven Kapitalismus der neue Ort der Einflussnahme der Governmentalisation die Neuroplastizität des Gehirns ist – vor allem der Bereich im frontalen Cortex, wo die Aufmerksamkeit und das Arbeitsgedächnis angesiedelt sind. Es zeigt auch, dass die unablässigen, ausschließlich auf Fake News basierenden, Gerüchte mittlerweile weit in die Kunstwelt hineinreichen. Wer fehlerfrei herausfinden möchte, wie das funktioniert, sollte den kleinen experimentellen Aufbau in Neidichs jüngster Skulptur Trump Cup (2017) ausprobieren.
 
The Verein zur Förderung von Kunst und Kultur am Rosa-Luxemburg-Platz e.V. is happy to announce the Color of Politics by Berlin based American artist Warren Neidich. The opening of the show coincides with the inauguration of his new, related installation The Statisticon Neon in the lobby of L40. Opening of both is on Saturday, April 29th 2017 at 13-6pm. The works can be pre-viewed on April 28th at 6-9pm. Opening hours are Wed-Fr 14-18 h and by appointment. A schedule of Neidich's blindfolded performances in front of the neon will be posted on the Kunstverein's webpage and on Facebook.

___
 
The Statisticon Neon

The Statisticon Neon (2017) pays homage to Joseph Beuys monumental work Das Kapital Raum 1970-1977 originally shown in the German Pavillon in Venice in 1980 and today on loan to Berlin's Neue Nationalgalerie as part of  Erich Marx's Beuys-Block. Neidich mounts his diagrammatic work in multicolored neon upon a non-formal arrangement of black boards that echo the original Beuys' installation much as a technicolor film would a black and white. The neon looks at the relationship between art and society some forty years later taking into account the role of the internet and its effect on labor and capital.
 
The 21st century has been called the century of the brain and recently we have transitioned from Postfordism to cognitive capitalism where the mind and brain are the new factories of the 21st century. While the internet was still an experimental paradigm at the time of  Beuys' work we now labor for free on Facebook, Instagram and Google producing data that creates individual data profiles, later sold to corporations and security firms. Today, formal subsumption of the labor of the proletariat has transitioned to real subsumption, in which our entire life is consumed by work, and we have become cognitariats. The Neon Statisticon links this development with the recent neurologic turn in which the action of capitalism is directed to the brains neural plasticity something, which Neidich has called neuropower or Neuromacht – a notion that directly leads to the show on the 2nd floor.
 
Color of Politics

Color like money and language has become deregulated. Color is no longer tethered to form and meaning and becomes a vehicle through which emancipated feelings, political intrigues and resistance to institutional normalization processes can become realized. Warren Neidich uses color to recoup the political conditions of creating meaning – summarized in the three part neon-painting Red, White, and Blue (2007).
 
In the Afterimage Paintings, (2016) red neon sculptures spell the names of German emigrants Bertolt Brecht, Hanns Eisler and Lion Feuchtwanger all of which were later blacklisted in Hollywood as communists and thus never were granted a star on Hollywood Boulevard. Neidich remedies this by activating complementary colored afterimages that are then projected upon empty painted stars mimicing those found on the Hollywood Walk of Fame. In the Archive of False Accusations (2016), first exhibited at Los Angeles Contemporary Exhibitions, vitrines illuminated by lavender neon light display found press clippings reporting on what has become known as The Lavender Scare - a less known facet of Joseph McCarthy's witch-hunt to root out communist sympathizers.
 
In a second room a large three-dimensional cloudlike sculpture is installed: Pizzagate – named after the infamous conspiracy tale culminating in sniper Edgar Welch wanting to rescue the supposed sexually abused children he believed to be held in the basement of Comet Ping Pong, pizza parlour. Pizzagate exposes the apparatuses and patterns of flow and connectivity that generate False News and define click bait as well as understanding that in cognitive capitalism the new site of governementalization in the new attention economy is the brain's neural plasticity, especially that found in the frontal cortex where attention and working memory are located. It also shows that the still virulent rumor based entirely on Fake News by now reaches well into the art world. If you want to find out how that works without fault you should try out Neidich's most recent sculpture the small experimental setup Trump Cup (2017).


Verein zur Förderung von Kunst und Kultur
am Rosa-Luxemburg-Platz e.V.

Linienstraße 40 10119 Berlin 

 

#europe #en #de
 
                                          

Convocatoria Residencia Artística 2017 | ART HOUSE HOLLAND by PAC

Convocatoria Residencia Artística Internacional
ART HOUSE HOLLAND by PAC

PAC abre el proceso de selección de las residencias ART HOUS HOLLAND 2017

Destinadas a artistas de cualquier disciplina y procedencia y profesionales de la cultura

Ubicada en una antigua granja holandesa productora de quesos, en la ciudad de Leiderdorp

PAC Plataforma de Arte Contemporáneo lanza la Convocatoria de Residencia Artística Internacional ART HOUSE HOLLAND 2017, para la creación e investigación artística en Leiderdorp (Holanda). ART HOUSE HOLLAND, bajo la dirección de Santiago Pani,busca apoyar e incentivar la creación artística, la investigación y la promoción de artistas contemporáneos y agentes culturales.

En busca del apoyo a los investigadores, creadores y a la producción artística nace el Programa de Residencias Artísticas Internacionales ART HOUSE HOLLAND by PAC. Una experiencia que reúne a artistas e investigadores de distinta procedencia y crea un espacio de trabajo transdisciplinar, colaborativo y dinámico donde tienes cabida todo tipo de iniciativas artísticas y culturales.

La Residencia ART HOUSE HOLLAND by PAC ofrece a artistas y profesionales de la cultura de todo el mundo un lugar en medio de la naturaleza, donde se respira tranquilidad, perfecto para centrase en su trabajo creativo o investigación artística, posibilitando un intercambio enriquecedor de experiencias y convivencias.

Bases de la convocatoria

1. Objeto

PAC Plataforma de Arte Contemporáneo convoca el proceso de selección de las residencias ART HOUSE HOLLAND 2017 para la creación e investigación artística en Leiderdorp (Holanda). Las Residencias ART HOUSE HOLLAND pretenden apoyar e incentivar la creación artística, la investigación y la promoción de artistas contemporáneos y agentes culturales.

2. Plazo de ejecución

Cada residencia ART HOUSE HOLLAND tendrá una duración mínima de un mes y máxima de tres meses. Dentro del periodo del 1 de Mayo al 31 de Octubre de 2017.

3. Beneficiarios

Podrán ser beneficiarios de estas residencias artistas de cualquier disciplina y procedencia y profesionales de la cultura (comisarios, gestores…) sin límite de edad que deseen desarrollar su proyecto creativo o de investigación en ART HOUSE HOLLAND by PAC.

Los solicitantes deberán tener formación o trayectoria artística acreditadas en el campo de las artes o cultura.

4. Solicitudes

Las solicitudes podrán presentarse a partir del jueves 20 de Abril hasta el 30 de Septiembre de 2017.

Cada mes el listado definitivo de beneficiarios de la residencia será publicado en www.arthouseholland.com. A los seleccionados se les comunicará vía mail el resultado.

5. Documentación

Cada solicitante deberá enviar un porfolio que incluya una pequeña biografía o curriculum, imágenes de sus últimos trabajos, una breve carta de motivación y sus datos de contacto, señalando el periodo de residencia en el que estaría interesado.

El envío se realizará all mail arthouseholland@hotmail.com con el encabezamiento Residencia ART HOUSE HOLLAND (importante: no se aceptarán documentos de más de 10MB adjuntos al mail y sólo en formato pdf).

6. Proceso de selección y criterios de valoración

Los seleccionados para las residencias ART HOUSE HOLLAND by PAC serán elegidos a través de un jurado compuesto por Santiago Pani, artista, gestor cultural y director de ART HOUSE HOLLAND; Óscar García García, cofundador y director de PAC Plataforma de Arte Contemporáneo, comisario y especialista en valoraciones artísticas; Sara Torres Sifón, editora de PAC Plataforma de Arte Contemporáneo, Licenciada en Historia del Arte y especializada en Museografía y montaje de exposiciones. El resultado de la selección por el jurado será inapelable. Serán beneficiarios de la Residencia aquellos solicitantes que obtengan una mayor puntuación según los siguientes criterios de valoración: 60% Originalidad y carácter innovador de su trabajo artístico o de investigación, 30% Currículo o trayectoria y 10% carta de motivación.

7. Alojamiento

La Residencia ART HOUSE HOLLAND by PAC está ubicada en una típica antigua granja holandesa productora de quesos. La granja está dividida en tres espacios: el habitacional (una casa de dos plantas con más de 200 metros cuadrados), la galería (antiguo almacén de alimentos de 80 metros cuadrados) y la zona de talleres (160 metros cuadrados). La casa cuenta con habitaciones privadas para 4 artistas, dos baños y un aseo, cocina totalmente equipada y sala común. Dispone de calefacción y wifi.

La granja se encuentra a 3 kilómetros del centro de Leiden. Una de las ciudades principales de Holanda, con gran variedad de galerías de arte, tiendas de bellas artes y museos, como el Museum Lakenhal, Molenmuseum de Valk, Museum Volkenkude, Naturalis, Hortus Botanicus, Rijksmuseum Van Oudheden, Corpus…)

24 KM de LA HAYA (45 minutos en transporte público)

27 KM de DELFT (50 minutos en transporte público)

37 KM de ROTERDAM (60 minutos en transporte público)

41 KM de AMSTERDAM (60 minutos en transporte público)

140 KM de AMBERES (2 horas minutos en transporte público)

185 KM de BRUSELAS (3 horas minutos en transporte público)

La Residencia incluye habitación privada con desayuno incluido, espacio privado en el taller subdividido para cada artista y uso de herramientas diversas (herramientas de carpintería para realizar marcos, bastidores, recortes en madera…; área de dibujo; tórculo para obra gráfica de 50x100cm; etc.)

Servicios opcionales:

Pick Up en Leiden Central (gratis)

Pick Up en Aeropuerto de Amsterdam "Schiphol" (10€)

Alquiler de bicicletas (10€ a la semana depósito de 100€ que se regresarán a la entrega de la bicicleta).

 
8. Tarifas y Beca

La Residencia ART HOUSE HOLLAND 2017 tendrá una duración mínima de un mes y máxima de dos, dentro del periodo del 1 de Mayo al 31 de Octubre de 2017. El coste por mes para residente será de 550€.

ART HOUSE HOLLAND cobra a todos los artistas residentes unos mínimos costes de estancia. Pero concede una beca para un artista residentes cada edición.

Después de que los artistas hayan sido seleccionados para la residencia 2017 y realizado el pago correspondiente, ART HOUSE HOLLAND seleccionará un artista al que se le otorgará una beca, reintegrándole la tarifa abonada por la residencia. Los criterios para la selección de la beca serán la calidad artística y curriculum.

 ART HOUSE HOLLAND
Zijldijk 36, 2352 AB Leiderdorp, The Netherland
www.arthouseholland.com


#es #europe

Monumental Guillaume Bottazzi's painting was inaugurated in Brussels

400 people gathered on last Thursday March 30th, 2017, to celebrate the inauguration of this 16 meters high painting, which now belongs to Brussels-Capital's heritage.
Media impact of this project: 8% of the world's population. 

This meeting, with representatives of Etterbeek's city and in the presence of Mr Jimmy Jamar, head of the European Commission Representation in Belgium, and of Mrs Marie-Christine Butel, Consul of France in Belgium, allowed the public to meet the artist.




#europe #en

Antònia Del Río | Estructures del coneixement | Galeria Sicart de Vilafranca



ANTÒNIA DEL RÍO. Assaig lineal 1. Grafit sobre paper milimetrat  21 x 30. 2010.



ANTÒNIA DEL RÍO | Estructures del coneixement

Del 08/04/17 al 20/05/17

GALERIA SICART

Inauguració, dissabte, 8 d'abril del 2017, a partir de las 12 del migdia.


Estructures del coneixement és un recorregut per diferents projectes d'Antònia del Río que aborden la temàtica de la construcció de la memòria i el discurs en àmbits institucionals.

Sabem que el que es mostra d'una cultura d'una època és ja el resultat d'una selecció. Segons  Jean –Yves Jouannais, la posteritat i els seus mecanismes són un gran misteri. Cóm es forgen o es forcen les incorporacions a la memòria, se'ns respon que la qüestió de la certesa es planteja fins i tot en el cas de coses que existeixen realment. El treball de l'Antònia desvetlla aquests processos i ens convida a qüestionar-los.

La peça que obre l'exposició és Aliment discursiu teòric, projecte significatiu en la relació de l'artista i la galeria, ja que amb aquesta obra Antònia del Río va ser seleccionada el 2013 per participar en el projecte Matèria primera en què la galeria convocava a "artistes que treballen per mostrar propostes, idees o projectes innovadors que permetin seguir avançant en temps de crisi i obrir noves vies dins de l'art contemporani amb projecció de futur".

Aliment discursiu teòric és una obra en procés on s'inclouen les cites que l'artista selecciona de diverses lectures que són clau en el procés creatiu. Per l'exposició, es presenta una selecció de cites que connecten amb aquesta recerca –les estructures del coneixement– i que fan referència directa a les peces que s'hi exposen, obres dels projectes La biblioteca absent, Esporgats, etc.  

El projecte La biblioteca absent, s'inicià el 2010 amb la beca de producció artística Fundació Suñol en col·laboració amb el Màster Produccions artístiques i recerca de la Universitat de Barcelona. A l'exposició es podrà veure obra inèdita del projecte. A més de l'obra més recent,  una sèrie del 2017 que consisteix en 12 dibuixos de façanes de biblioteques fets a partir de la cerca a Google:  "Biblioteca Nacional de" que dóna títol a la sèrie. És curiós veure el llistat que el cercador dóna per defecte, tenint en compte la correspondència català-castellà.

Entre aquests dibuixos i les obres anteriors, s'estableix una relació entre el contenidor i el contingut, la biblioteca i els llibres, contenidors de la memòria del món i el seu magatzem. Alhora que es genera una paradoxa, el lloc on anar a buscar el coneixement, amb la biblioteca com a símbol, ara substituït pels cercadors a Internet.

El projecte Esporgats té també una llarga trajectòria. A l'exposició es posen en diàleg qüestions al voltant de la gestió del coneixement, que aquest projecte aborda des de la pràctica  de l'esporgada que es fa a les biblioteques públiques i que consisteix en la retirada de llibres i documents del catàleg.

Esporgar (podar) vol dir netejar, escollir. Netejar (una planta) de les branques inútils o supèrflues. Una eina de control de la vegetació que funciona com a  metàfora en la gestió del coneixement i la memòria.

L'exposició anirà acompanyada dels llibres d'artista que fins ara ha editat Antònia del Río.


GALERIA SICART
Carrer de la Font, 44. 
08720 VILAFRANCA DEL PENEDÈS (Catalunya)
www.galeriasicart.com



#galeries #exposicions #inauguracions #instalacions #patrimoni #catalunya #barcelona #agenda #dibuix #ca #europe

La Fundació Tàpies presenta tres obras teatrales de Oriol Vilanova


El escritor y coleccionista Han Nefkens protagonizará un monólogo de maor con su colección en 'Paraules prestades'.


La Fundació Antoni Tàpies ofrece, en el marco de la exposición "Oriol Vilanova. Diumenge", un ciclo de tres obras teatrales escritas por el creador de Manresa en colaboración con el Teatre Nacional de Catalunya y el Institut del Teatre.

Se trata de la obra "Paraules Prestades" (2016), interpretada por el coleccionista de arte Han Nefkens, y de las piezas teatrales "Adéu" y "H" (2017), dirigidas por Xavier Albertí en sesión doble.

El ciclo se desarrolla íntegramente en la Fundació Antoni Tàpies y es posible adquirir un abono conjunto para asistir a todas las actuaciones.

Las 'performances' y textos teatrales de Oriol Vilanova constituyen "una meditada ironía sobre la obsolescencia, el anacronismo, la sospecha del fraude y la delirante compulsión que afecta a toda forma de coleccionismo, de la cual él mismo es víctima", ha explicado la fundación en un comunicado.

En "Paraules prestades", que se representará el miércoles 5 de abril de 2017 a las 19.00h, un coleccionista de arte, papel interpretado por el escritor y mecenas holandés residente en Barcelona Han Nefkens, declara amor incondicional a su colección y constata la felicidad que le produce.

Por otra parte, la sesión doble que tendrá lugar los días 18 y 19 de mayo a las 19.00 horas, ofrece dos obras parateatrales alrededor de la ruina: "Adéu", sobre la ruina del museo, y "H", sobre la ruina del lenguaje. 

Además, la fundación formará parte del ciclo "Epicentre Brossa" con la representación de la obra "El barber d'en Brossa", un diálogo desenvuelto entre Josep Vilaseca, barbero de Joan Brossa, y Carles Guerra, director de la Fundació Tàpies, mientras dura el corte de pelo. 

EFE

#es #europe

Oriol Vilapuig | La nit sexual | Fundació Suñol, Barcelona



Oriol Vilapuig - La nit sexual


Exposició: del 24 de març al 2 de setembre de 2017 
Comissariat: Oriol Vilapuig i Fundació Suñol, Barcelona

Inauguració: 23 de març de 2016, a les 19:30h 

Sota el títol La nit sexual, pres del llibre homònim de Pascal Quignard, l'artista Oriol Vilapuig (Sabadell, 1964) articula l'exposició en set àmbits i un preàmbul, marcat pels espais de la primera planta de la Fundació Suñol. Les obres s'organitzen en dos eixos: per una part el que es pot definir com a formes de resistència i supervivència sobre certs sentiments de pèrdua i por, basant-se en l'obra de Pier Paolo Pasolini, i per l'altre els treballs al voltant de l'erotisme entès com una forma de desbordament entre una voluptuositat extrema, el pudor i l'espant, des del seu aspecte sagrat i ontològic, partint d'autors com Georges Bataille, Pierre Klossowski i el mateix Pascal Quignard. 

La Fundació Suñol presenta fins el 2 de setembre una exposició monogràfica d'Oriol Vilapuig, conformada per més de trenta obres que es mostren al públic per primera vegada. La majoria són políptics realitzats entre el 2010 i el 2016, que incideixen en metodologies que apareixen sovint en els darrers treballs de l'artista, com són la utilització de la forma d'assaig com a actitud d'estudi i l'ús de la tradició i l'art com un espai simbòlic que conforma el nostre inconscient col·lectiu. Aquests treballs es vinculen a través del llenguatge del dibuix, com a experiència vinculada al cos, però també com una possibilitat per a construir imaginaris. Per comprendre la proposta expositiva que presenta la Fundació Suñol, s'ha d'entendre el terme assaig com una forma d'estudi i indagació oberta que reclama a l'espectador una mirada en constant construcció i que ens obliga a posar en dubte els límits de la nostra experiència. 

Quan ens afrontem a l'obra de Vilapuig, la tradició es comprén en el seu sentit més literal com allò que ens precedeix o ens ve donat, no com a espai a superar sinó com un espai per habitar, que ens acull en una experiència compartida, reiterada i renovada al mateix temps. Aquest és el motiu del constant ús de la cita i l'apropiació d'altres autors que apareixen també en forma d'escriptura a les seves obres. Molts elements en els treballs d'Oriol Vilapuig ens remeten a la història de la cultura. En ells hi ha referències directes al passat clàssic: mites de la literatura grega i llatina i a certes cultures anteriors com l'egípcia. Hi ha imatges misterioses: una ànima que es desdobla en el somni o en la mort, una parella en còpula, bèsties en l'acte de devorar, l'ombra d'un ocell que també pot ser l'espectre d'un pensament obscur al passar. Aquestes obres s'han d'entendre com a imatges marcades pel gest que comporta l'acte de dibuixar, un gest que per altra banda uneix l'arcaic i el contemporani, i ens remet a la seva inestabilitat a partir del mecanisme de la cita, l'apropiació i el muntatge. Aquests mecanismes fan visible experiències al voltant del cos, el desig, l'erotisme i el seu caràcter sagrat, la pèrdua, la por i el temps inscrit en els seus constants cicles vitals. 

Amb motiu de l'exposició s'ha editat una publicació que actua de manera paral·lela a la mostra, repensant els ritmes, relacions i tensions que es produeixen quan les obres es desplacen al format llibre. A més de contenir la totalitat de les obres presents a l'exposició, inclou els textos La imagen en la punta de la lengua, de Valentín Roma, i Sabiduría del trazo: la noche sexual, de María Virginia Jaua. 

Oriol Vilapuig (Sabadell 1964) va estudiar a l'Escola d'Art EINA de Barcelona (1982-1985) i és Llicenciat en Belles Arts per la Facultat de Belles Arts de Sant Jordi de la Universitat de Barcelona (1985-1990). Combina la seva pràctica artística amb la docència a l'Escola ILLA de Sabadell. Recentment el seu treball s'ha pogut veure a les exposicions: La por més antiga, Galeria Joan Prats (Barcelona, 2012), Cartografías contemporáneas, Caixaforum (Barcelona i Madrid, 2012), Episodis crítics (1957 - 2011), MACBA (Barcelona, 2012), Contra Tàpies, Fundació Tàpies (Barcelona, 2013), Tan funesto deseo, Galería casa sin fin (Madrid, 2014), Contornos de lo audiovisual: Puntos para un movimiento que rodea, Tabakalera (San Sebastián, 2015), La lliçó de Diògenes, Tecla Sala (L'Hospitalet de Llobregat, 2016).


Fundació Suñol
Pg. de Gràcia 98
08008 Barcelona, Catalunya.

#museus #barcelona #exposicions #inauguracions #agenda #europe

Seminari públic: L’art contemporani, un esperó per la transformació d’espais abandonats al servei de la comunitat | COAC Girona




Seminari públic:
L'art contemporani, un esperó per la transformació d'espais abandonats al servei de la comunitat

 

Dissabte 1 d'abril de 2017 de 9 a 19.30 h
Auditori del Col·legi d'Arquitectes de Girona
(Pl. Catedral, 8 – 17004 Girona)
Inscripció gratuïta prèvia: info@bolit.cat
 
 
The Spur 1618 és un projecte internacional en el camp de l'art contemporani i les indústries creatives impulsat pel Bòlit, Centre d'Art Contemporani. Girona en el qual participen com a socis el Centre d'Art LE LAIT - Laboratoire Artistique Internationale du Tarn (Albí, França), el Bureau des Arts et Territoires (Montpeller, França), Fundació Es Baluard. Museu d'Art Modern i Contemporani de Palma de Mallorca, Sputnik Oz (Bratislava, Eslovàquia), Fondazione per l'Arte (Roma, Itàlia) i compta amb el suport de l'Euroregió Pirineus Mediterrània i el programa Europa Creativa.
 

El projecte, de dos anys de durada, inclou diferents accions: un programa d'artistes residents internacional amb mentoratge, la realització d'estudis sobre les possibilitats de convertir espais urbans abandonats en espais creatius, la publicació d'una revista digital d'art contemporani, l'edició d'un llibre final amb el recull de models i referents del projecte i la programació de seminaris en els diferents països de la xarxa.

El primer seminari es celebra a Girona i posa especial atenció en l'exploració d'espais abandonats i la seva recuperació a través de l'art contemporani al servei de la comunitat. La jornada compta amb les intervencions d'especialistes en la matèria a nivell nacional i internacional. El programa es completa amb una taula rodona dels artistes guanyadors de la primera convocatòria de residències creatives i de recerca amb mentoratge professional.
 
Les intervencions es realitzaran en llengua catalana excepte les sessions de tarda que es faran en llengua anglesa amb traducció simultània al català.


Bòlit  | Centre d'Art Contemporani. Girona
Plaça del Vi 1 17004 Girona
Tel. 972 427 627
www.bolit.cat


#museus #girona #agenda #catalunya #conferències #artistes #europe

Convocatòria SWAB 2017 | Barcelona


Obra per Joaquin Segura. Galeria Arena Mèxic. 
 

Swab Barcelona
International Contemporary Art Fair

28 setembre - 1 octubre 2017
Pavelló italià. Fira de Barcelona
Avinguda de la Reina Maria Cristina s / n 08004 Barcelona  


Swab Barcelona celebra el seu desè aniversari consolidant-se com una fira de referència en el panorama independent. Swab Barcelona presenta del 28/9 al 1/10 de 2017, una edició molt especial, el seu desè aniversari. És per això que la fira es consolida i s'aferma en un perfil més madur, mostrant artistes i galeries de trajectòria destacada al costat del més representatiu de l'escena emergent que ha estat històricament la seva raó de ser.

Per a aquesta nova edició Swab comptarà amb 80 galeries de tot el món,ampliant el seu programa general i mantenint la seva aposta pels programes comissariats.

Repeteix Només Swab, comissariat per Direlia Llaç i Zaida Trallero, amb una selecció de només projects d'artistes emergents llatinoamericans i de marcat contingut sociopolític. Focus Magrib comissariat per Xavier de Luca s'amplia en aquesta nova edició a Focus Mediterrani, després de l'èxit de l'edició 2016, comptant amb galeries i plataformes independents basades en tota la regió mediterrània, amb els seus nexes i contrastos.

Es mantenen també Swab Seed i Swab performance, tots dos dels programes més experiementales i frescos de Swab, mostrant les noves plataformes i expressions més alterntivas.

IN / OUT amplia i consolida programa. Comissariat per Frederic Montornés iImma Prieto, planteja novament un concepte alternatiu dins el marc de les fires d'art on es presentaran obres en format group show implicant galeries catalanes i espanyoles. Swab on Paper s'aferma amb una selecció de galeries amb un sol project basat en format paper. Finalment MYFAF (My first Art Fair) continua oferint a les galeries més joves l'opció d'accedir de manera gratuïta a la seva primera fira d'art internacional.

Swab comptarà amb un nou comitè de selecció, format pels col·leccionistes:Harold Berg economista i membre del Photography Committee de l'Whitney Museum of American Art; Susanne Birbragher,   sub-directora comercial de Art Nexus ; Giuseppe Casarotto, enginyer i president del ClubGAMeC de Bèrgam iAlfredo Hertzog president de Hertzog Art Business juntament amb Domenico de Chirico comissari independent; Albertine de Galbert, comissària independent, fundadora de Arte-Sur.org i gestora de projectes de cooperació cultural; David Armengol comissari independent i Marisol Rodriguez, periodista cultural i comissària independent.  

Swab City travessa els murs de la fira i de la galeria per apropar l'art al ciutadà, amb instal·lacions i activitats en institucions i espais públics que es mostraran durant els dies de Swab per potenciar la idea de la setmana de l'art contemporani a Barcelona. Swab Stairs i Swab Kids són les propostes que es desenvoluparan fora del calendari de la fira i per tot l'àrea metropolitana de Barcelona.

Swab Barcelona espera celebrar aquests 10 anys amb la seva edició més especial que sens dubte no caldrà perdre.

Per inscriure's a la edició 2017;



#fires #barcelona #catalunya #artistes #europe #cat

Somiant que el museu torna a la vida: la vida interior dels objectes (Part 1) | Fundació Antoni Tàpies, Barcelona




Activitat especial | Fundació Antoni Tàpies museu
Divendres 17 de març de 2017, a les 18h.
Activitat gratuïta

Somiant que el museu torna a la vida: la vida interior dels objectes (Part 1)

 
Performance en el marc del projecte "Objections". A càrrec de la artista Grace Ndiritu (Kenya-Regne Unit).  Com una continuació de la seva exploració de la performance i de les metodologies no racionals dins el context del museu, Ndiritu explora el debat actual dins de la societat occidental sobre el capital humà, els processos industrials i les idees de crear un nou model econòmic que valori els seus treballadors, especialment els cuidadors i treballadors de fàbriques i els objectes que produeixen.

El 2012 Ndiritu va començar a crear un nou corpus d'obres sota el títol Healing The Museum (Curant el museu), el qual va sorgir d'una profunda necessitat de reintroduir algunes metodologies no racionals com el xamanisme per reactivar la «sacralitat» dels espais d'art. Ella creia que la majoria de les institucions d'art modern estaven fora de sincronia amb les experiències quotidianes de les seves audiències i els canvis socioeconòmics i polítics ocorreguts globalment en les últimes dècades. Els museus moren i ella veu el xamanisme com una manera de reactivar l'espai de l'art moribund com un espai d'intercanvi, participació i ètica. Des de la prehistòria fins als temps moderns, el xaman no només era el curador de grup i el facilitador de la pau, sinó també el creatiu, l'artista.

Somiant que el museu torna a la vida: la vida interior dels objectes (Part1) continua aquesta investigació sobre la performance xamànica en el context del Museu. El principi fonamental de la sèrie Healing the Museum (Curant el museu) és reanimar el Museu perquè pugui tornar a ocupar el seu lloc com un espai cultural en el qual els nous avenços en l'art, la participació del públic i l'educació artística puguin tenir repercussió en la societat i la vida per al bé de tots els éssers. L'ús dins el context del Museu d'antics instruments xamànics com la roda de la medicina, el viatge xamànic i el procés de tràngol per accedir al Temps Profund - temps geològic - pot originar una nova visió dels museus que reflecteixi el renaixement artístic, científic i tecnològic que està tenint lloc.

Com a part de la seva investigació per a aquestes noves performances, Ndiritu realitzat estades en les formacions rocoses prehistòriques de reserves Joshua Tree i Hopi als Estats Units. Utilitzant el Museu com un marcador geogràfic, els objectes seran ancorats a una història de creació més gran del planeta terra i l'univers en general.

Els avenços tecnològics dels temps prehistòrics van ser tan revolucionaris com els d'avui, tot i que van tenir lloc durant un període més llarg. La humanitat es va transformar gràcies al seu domini del foc, el tall de pedra i la fabricació de les primeres eines. Aquests avenços van consolidar les comunitats i van possibilitar el seu progrés material. 

Museu d'Arqueologia de Catalunya.

A més d'aquests objectes primordials i els objectes personals que portaran els participants, els vint objectes que han estat elegits com a part del projecte Objections (Manufactories of Caring Space-Time) de la Fundació Antoni Tàpies experimentaran una metamorfosi mitjançant aquest esdeveniment transformador. Així doncs, Grace Ndiritu convida vint participants perquè explorin la seva relació amb el trinomi forma-espai-temps, envoltats d'exemples de les primeres civilitzacions humanes i els objectes que van produir, apel·lant als esperits elementals de l'aire, la terra, el foc i l'aigua, que els hi assistiran en el procés.


Llegiu les intruccions:


La performance es durà a terme en silenci tret que s'indiqui que podeu intercanviar comentaris. La performance es desenvoluparà en anglès sense traducció, per la qual cosa es recomana tenir un bon nivell de l'idioma. Llegir amb compte les instruccions també us ajudarà a aprofundir en el procés. A l'arribada, us rebrà la flying crow, que netejarà amb salvia encesa tant la vostra aura com els vostres objectes personals. Després us guiaran i creuareu el llindar cap a un nou món. Es recomana arribar entre les 17.45 i les 18.00 h.

La performance començarà amb puntualitat a les 15 h.


Haureu de portar els següents objectes:

 Un mocador per tapar-vos els ulls
 Una manta
 Un bolígraf i un quadern
 1 o 2 objectes personals petits p. Ex. Algun vidre, fotos, amulets (qualsevol cosa que tingui un significat especial per vosaltres).
 

Recordeu: no es recomana beure alcohol ni consumir drogues el dia de la performance, per així poder tenir les idees clares. De la mateixa manera és aconsellable que reduïu la ingesta de cafè durant aquest dia, ja que és un estimulant.


Calendari: divendres 17 de març de 2017, a les 18 h.
Preu: gratuït.
Aforament: limitat.
Inscripció prèvia al correu: activitats@ftapies.com

 
Fundació Antoni Tàpies
Carrer Aragó, 255
08007 Barcelona, Catalunya


#museus #performances #agenda #gratis #barcelona #catalunya #europe #cat

Wilderness | MOMO | Delimbo Gallery, Sevilla



MOMO, el artista urbano reconocido internacionalmente, inaugura la exposición "Wilderness" en la galería sevillana, Delimbo Gallery. Petit Palace Hoteles participa en el proyecto como principal patrocinador a través de su programa de apoyo a los jóvenes creadores, #impulsarte.

La exposición "Wilderness" se inaugurará el jueves día 9 de marzo a las 21h. Será una cita doblemente especial ya que MOMO realizará una performance en directo. La exposición podrá verse en Delimbo Gallery (c/ Pérez Galdós 1, Sevilla) hasta el 30 de mayo, de lunes a sábado en horario de 11 a 14h. y de 18 a 20:30h.

El artista norteamericano MOMO trabaja con herramientas caseras, investigando técnicas de albañilería y adaptándolas a su propio modus operandi para elaborar, diseñar y organizar murales en el espacio público. Gracias al reconocimiento internacional de su obra ha recorrido medio mundo, trabajando y viviendo en ciudades como Nueva Orleans, Granada o Nueva York, donde en la actualidad mantiene tanto su estudio como residencia.

Sobre su trabajo con estética reconocible de inmediato, vibrante y no representacionalista, el comisario de arte urbano de la Tate Modern, Rafael Schacter, afirma: "Diluye los límites entre lo digital y lo abstracto, entre la precisión y la practicidad, creando un proceso perfectamente imperfecto en el que se basa tanto su trabajo de estudio como su producción para espacios públicos: dos facetas de su obra en continua retroalimentación".

Petit Palace Hoteles, en su compromiso con los creadores y con el arte de vanguardia, participa en el proyecto como principal patrocinador a través de su programa de apoyo a la cultura, #impulsarte by Petit Palace Hoteles.



#europe #esp

Alfons Borrell | Galeria Joan Prats | Barcelona





#galeries #europe #catalunya #pintura #exposicions #agenda #barcelona

Hybrid Art Fair & Festival | Madrid, Castilla



Hybrid Art Fair & Festival

Hybrid es un festival y una feria internacional de arte emergente que tendrá lugar los días 24, 25 y 26 de febrero de 2017 durante la Semana del Arte de Madrid. Participan 35 espacios de arte con y sin fines de lucro, desde galerías a espacios de arte híbridos y colectivos de artistas, ofreciendo un amplio abanico de propuestas independientes de arte emergente a nivel local e internacional, que utilizarán como espacios de exhibición las habitaciones del hotel Petit Palace Santa Bárbara. Hybrid también contará con un programa paralelo de actividades con charlas, talleres, música y performance.


Días y Horarios:
Viernes 24 11:00 - 21:30
Sábado 25 11:00 - 22:30
Domingo 26 11:00 - 21:00

Dirección
Hotel Petit Palaca Santa Bárbara
Plaza de Santa Bárbara 10, Madrid
www.hybridartfair.com

#es #europe

Rosa Barba | Elements of Conduct | Malmö Konsthall, Sweden




Blind Volumes, 2016 Installation view (close-up), Schirn Kunsthalle Frankfurt, 2016.
Photo Mizuki Tachibana. © Rosa Barba. Courtesy of the artist. 

ROSA BARBA AT MALMÖ KONSTHALL, SWEDEN


Rosa Barba
Elements of Conduct
18 February - 14 May 2017
Opening 18 February from 11 am



Malmö Konsthall
S:t Johannesgatan, 7
205-80 Malmö
SWEDEN
http://www.konsthall.malmo.se/
                                                                                                     


#europe #en
 

PARRA & ROMERO | AT ARCOmadrid | 22-26 FEB 2017



Walid Raad. Appendix XVIII: Plates 63-257, 2012. 


ARCOmadrid | BOOTH 9A13 | 22-26 FEB  

 
Featuring works by:

Rosa Barba
Robert Barry
Stefan Brüggemann
Luis Camnitzer
Alejandro Cesarco
Philippe Decrauzat
Adam Pendleton
Florian Pumhösl
Walid Raad
Oriol Vilanova


EVENTS DURING THE FAIR:

20 Jan - 28 May Exhibition 'Collection XV' by Oriol Vilanova at CA2M, Móstoles, Madrid.

15 Feb David Lamelas takes part in the group show 'Las Decisiones del Tacto' at Casa de América, Madrid. Opening 15 February at 7.30 pm.

20 Feb Press breakfast at Parra & Romero gallery, C/ Claudio Coello, 14, Madrid at 10 am
with the presence of the artist.

22 Feb Will be held the award ceremony of Residence Prize 9915 at Delfina Foundation, 2017 to Oriol Vilanova from 6 pm at Parra & Romero's booth.

22 Feb Opening the exhibition 'Tenir Pendant Que le Balancement Se Meurt' by Philippe
Decrauzat from 8 pm at Parra & Romero gallery, C/ Claudio Coello, 14, Madrid.
 
23 Feb On the occasion of the exhibition 'Domingo' at Fundación Tápies, Barcelona, we
will present the catalogue of the show from 6.30 pm at Parra & Romero's booth.

24 Feb Exhibition 'Time as Activity' by David Lamelas from 6 pm at Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

Parra & Romero
Claudio Coello, 14 28001 Madrid
Ctra. Sant Miquel km. 2,300 07814 Sta. Gertrudis, Eivissa.
www.parra-romero.com


#en #europe
 

ACVIC | Fantasmes al mur | Xavi Bové, Miquel Garcia i Andrea Gómez | Vic, Catalunya



FANTASMES AL MUR

17.02.2017 – 13.04.2017

Exposició de Xavi Bové, Miquel Garcia i Andrea Gómez
A cura d'Imma Prieto

Inauguració, divendres 17 de febrer a les 19 h.

ACVic Centre d'Arts Contemporànies 
Carrer Sant Francesc, 1. 
Vic, Catalunya.
www.acvic.org

Fantasmes al mur genera un espai de discussió a partir d'una sèrie d'interrogants originats a partir de la idea de fantasma i de mur en relació a l'espai polític, social i econòmic. El projecte parteix de tres preguntes: qui són avui els nostres fantasmes? qui pot creuar els murs? qui és invisible?

L'exposició es construeix a partir de les intervencions de Xavi Bové, amb la instal·lació interactiva, Àrea de seguretat, la instal·lació d'Andrea Gómez, Perifèria, i la proposta de Miquel Garcia, Oradors.

Àrea de seguretat reflexiona al voltant de la gran quantitat d'informació que rebem sobre conflictes específics en l'àmbit mundial, observats des d'una àrea de confort i amb certes dosis de manipulació per part dels mitjans. La instal·lació interactiva de Xavi Bové convida al visitant a entrar en una zona delimitada de seguretat des d'on descobrir, mitjançant el seu moviment, una cartografia del patiment en el món. El so reforça l'experiència, juxtaposant-se al moviment silenciós de la imatge satèl·lit. Si sortim de l'àrea, per acostar-nos o allunyar-nos, tot desapareix. Davant del mur buit, en silenci, tot està ocult. Alhora, es vol qüestionar la fragilitat d'aquests límits: realment hi estem segurs?

La proposta d'Andrea Gómez apel·la a la realitat virtual assenyalant l'error com a estigma de l'acció humana. Perifèria reflexiona entorn de la identitat i de la pèrdua d'aquesta. Ens situem en l'entorn de Second Life i des d'aquí ens identifiquem amb un subjecte virtual que intenta arribar fins al confí de la plataforma digital. El més interessant és veure com a mesura que l'avatar s'acosta al límit va desapareixent i desintegrant-se. Gómez crea una metàfora de la situació que pateixen les persones que han de creuar una frontera. El món virtual esdevé mirall de les estructures que condicionen el nostre esdevenir.

En tercer i últim lloc, Miquel Garcia presenta la instal·lació Oradors, feta a partir del discurs que diferents dictadors i caps d'estat han portat a terme. Veus d'un temps passat inunden l'espai apel·lant a presències fantasmagòriques que ocupen el present. L'obra permet pensar el present a partir d'herències ideològiques i històriques, provocant una comparació que desvela les similituds entre diferents circumstàncies.



#museus #catalunya #agenda #exposicions #instalacions #europe #ca

Exposición fotográfica | Michel Comte. Retratos | La Térmica | Málaga, España


"Michel Comte. Retratos"
10 de febrero - 14 de mayo de 2017
Centro de Cultura Contemporánea La Térmica
www.latermicamalaga.com
Sala 014
Avenida de los Guindos, 48. 29004. Málaga.


La Térmica de Málaga presenta una exposición antológica con la obra de Michel Comte, uno de los grandes fotógrafos contemporáneos del mundo de la moda, el retrato y la publicidad

El Centro Cultural la Térmica de Málaga presenta la exposición fotográfica "Michel Comte. Retratos", que estará abierta del 10 de febrero al 14 de mayo de 2017. La muestra recorre a través de 40 fotografías en blanco y negro y color, la extensa carrera de uno de los más grandes creadores del retrato contemporáneo y de la fotografía de moda. Las imágenes han sido seleccionadas por diChroma Photography (que, asimismo, ha producido la exposición) con la colaboración de Suzanne Speich, responsable del "Michel Comte Estate".

Michel Comte (Zúrich, 1954) es uno de los fotógrafos de publicidad, moda y retrato más solicitados del mundo. Esta exposición refleja las múltiples facetas de su obra, cuyos temas abarcan desde el glamuroso mundo de la publicidad y las superestrellas a reportajes documentales sobre algunas de las zonas más deprimidas del mundo.

La exposición se muestra retratos de personajes de mundo de la moda y la publicidad, muchas de ellas de renombre mundial, así como los desnudos que Michel Comte viene fotografiando desde 1979.

Fotógrafo autodidacta, Michel Comte comenzó a interesarse en la fotografía a través de la obra de Weegee y Gottard Schuh, aunque al principio trabajó en el campo de la restauración de arte. En un viaje a París es descubierto por el diseñador Karl Lagerfeld y desde ese momento la carrera de Comte inició un ascenso meteórico que le ha llevado a fotografiar las campañas internacionales de marcas como Ungaro, Dolce & Gabbana y Nespresso, entre otras muchas.

Durante más de tres décadas, Comte ha colaborado con grandes revistas como Vogue y Vanity Fair, lo que le ha llevado a retratar a grandes personalidades del mundo del arte, el cine y el espectáculo, como Louise Bourgeois, Tina Turner, Catherine Deneuve, Jeremy Irons, Miles Davis, Mike Tyson, Sofía Loren o Giorgio Armani, entre otras muchas. Retratos de gran sensibilidad y que reflejan el mundo interior del personaje. La idea de Comte es que las fotografías representen no sólo a cada personaje individualmente, sino que sean asimismo un testimonio de la época en que fueron tomadas, las décadas de 1980 y 1990.

Aunque su reputación como fotógrafo se basa en géneros muy diversos, desde el principio el tema que más le ha interesado ha sido la mujer. Su imagen de ésta se sitúa en algún lugar entre el glamour y la intimidad, la fuerza y la vulnerabilidad. Aunque en ocasiones sus fotografías muestran un alejamiento frío, con frecuencia encontramos también imágenes cálidas y emotivas, caracterizadas por la seguridad en sí mismas y la alegría de vivir de la mujer protagonista del retrato. En este sentido, los desnudos de Comte son metáforas cargadas de erotismo de una imagen de la mujer en continuo estado de cambio.

Alma nómada y espíritu inquieto, a pesar de su éxito en la moda y la publicidad Michel Comte  nunca ha perdido de vista el interés y curiosidad por el mundo que le rodea. Todo ello, unido a sus continuos viajes por el mundo le han llevado a colaborar desinteresadamente con organizaciones humanitarias como Terre des Hommes o Cruz Roja, produciendo reportajes sobre la situación en Afganistán, Haití, Tíbet, Sudán del Sur o Bosnia, entre otros. Son fotografías que cuentan la historia del lado oscuro de nuestro planeta; imágenes que preferiríamos no ver, pero que nos obligan a detenernos y reflexionar. Rostros de personas a quienes se ha privado de lo mínimo para poder vivir o que nunca lo han llegado a tener. En este sentido  actriz Geraldine Chaplin, a quien Comte ha fotografiado en varias ocasiones, le describe como "un caballero andante de la fotografía: un vagabundo, un aventurero, un nómada con la cámara".


Horario exposición:
Horario habitual:
De martes a viernes: De 17.00 a 21.00 horas
Sábados y domingos: De 11.00 a 14.00 y de 17.00 a 21.00 horas
Lunes cerrado

Entrada libre

diChroma photography
http://www.dichroma-photography.com
Calle Elba 21
Urbanización Ciudalcampo
28707 San Sebastián de los Reyes
Madrid

Copyright de las imágenes:
©MichelComte/I-Management

 #es #europe

Entre postales: 'Oriol Vilanova. Diumenge' | Fundació Antoni Tàpies | Barcelona, Cataluña


Imagen de sala de la exposición 'Oriol Vilanova. Domingo' en la Fundació Antoni Tàpies de Barcelona



Entre postales: 'Oriol Vilanova. Domingo'
Fundació Antoni Tàpies
Carrer Aragó, 255
08007 Barcelona, Catalunya.
www.fundaciotapies.org


Una crónica de Gabriela Ambás | Art Neutre?

"Las postales tienen una muerte anunciada, pero simplemente no acaban de morir", mencionó Oriol Vilanova al tratar de explicar su obsesión por las postales.

Dicha obsesión lo ha llevado a coleccionar más de 34,000 tarjetas, comprando una por una en mercadillos en Barcelona, Madrid, Praga, Bruselas o el país en el que se encuentre.

Ahora, el artista catalán ha llevado su colección a las paredes de la antigua editorial Montaner i Simon, la actual sede de la Fundació Antoni Tàpies. Con la exposición titulada Diumenge, recrea su ritual dominical de buscar por el Mercado de Sant Antoni nuevas postales para conformar su colección.

En un mar multicromático de postales, sin aparente inicio o fin, 28,000 imágenes recubren las paredes de la Tàpies, sin clave alguna para que el espectador tome una ruta o entienda de alguna forma específica la colección. La infinidad de postales invita hacia la idea de un todo inacabado e interminable, como toda colección ambiciosa que nunca realmente está completa.

La elección de Vilanova de colocar las postales de forma vertical en lugar de horizontal, invita a contemplar la colección como un conjunto, perdiendo de vista la individualidad de la imagen de cada postal. El colocarlas verticalmente también amplifica la idea de infinitud, continuando sin fin hasta perderlas de vista.

¿Qué hace que un objeto deje de ser simplemente eso para convertirse en una obra de arte? ¿Qué nos impulsa a coleccionar? ¿Acaso existe algo más humano que la necesidad de coleccionar? ¿Se le puede llamar arte a la obsesión fetichista de crear colecciones?

La atracción visual y conceptual que el público siente hacia la instalación de Vilanova, parece ofrecernos una respuesta y el método del artista para clasificar su colección revela la complejidad de lo que podría únicamente ser un revoltijo de postales guardadas en cajas empolvadas.

Las postales inclasificables son el punto de partida de toda clasificación. El azar genera pequeñas clasificaciones, en un inicio imperceptible, dentro de las postales que parecían no pertenecer a ningún grupo. Hasta que por arte de magia, un nuevo conjunto aparece.

En la colección de Oriol Vilanova, existen clasificaciones desde monumentos, fuentes y arcos hasta atardeceres, jarrones y gatitos. Imágenes posiblemente clichés pero que en algún momento significaron algo para alguien, ahora forman parte de una narrativa colectiva más grande que ellas mismas.

Hay postales viejas, nuevas, en blanco y negro, a color, con mensajes escritos atrás, con el reverso vacío. Encuadres y recortes de momentos específicos para hacerlos perdurar en el tiempo. Un niño corre hacia una postal con un perro: "Mira mamá como Lluís", mientras que una mujer anciana observa nostálgicamente la postal con un jarrón como el que recibió de regalo el día de su boda.

Dentro del abismo interminable de postales que conforman la colección, el visitante parece lograr encontrarse a sí mismo. Una postal entre el infinito.

Diumenge permanecerá abierta hasta el 28 de mayo de 2017 en la Fundació Antoni Tàpies en Barcelona.
Horario: Martes a domingo de 10 a 19 hrs.

#europe  #es